ดนตรี. การนำเสนอ "ศิลปะดนตรีคลาสสิกของศตวรรษที่ 18 โรงเรียนคลาสสิกเวียนนา" วัฒนธรรมดนตรีของการนำเสนอศตวรรษที่ 18

บทนำ

บาร็อค, โรโกโก, คลาสสิกเป็นแนวโน้มหลักในศิลปะของศตวรรษที่ 18 ซึ่งแสดงออกในทุกสิ่ง - ในวรรณคดีในภาพวาดในสถาปัตยกรรมและในดนตรี

วิวัฒนาการของดนตรีในศตวรรษที่ 18 มาถึงยุคที่ยอดเยี่ยม รูปแบบที่มีต้นกำเนิดในตอนต้นของศตวรรษที่ 17 ถึงระดับสูงสุดของความสมบูรณ์แบบ

ในช่วงต้นศตวรรษที่ 18 ดนตรีคลาสสิกที่ซาบซึ้งคือรูปแบบดนตรีที่ได้รับความนิยมมากที่สุด เป็นเพลงที่ไม่เร่งรีบ ไม่ซับซ้อนเป็นพิเศษ พวกเขาเล่นด้วยเครื่องสาย ปกติแล้วเธอจะไปกับลูกบอลและงานเลี้ยง แต่พวกเขาก็ชอบฟังเธอในบรรยากาศสบายๆ อบอุ่นเหมือนอยู่บ้าน จากนั้นลักษณะและเทคนิคของ Rococo เช่น Trill และ flagoyet เริ่มตกลงไปในเพลงลูท เธอดูซับซ้อนมากขึ้น วลีดนตรีซับซ้อนและน่าสนใจยิ่งขึ้น ดนตรีแยกออกจากความเป็นจริงมากขึ้น น่าอัศจรรย์มากขึ้น ถูกต้องน้อยลง และใกล้ชิดกับผู้ฟังมากขึ้น

เมื่อใกล้ถึงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 ลักษณะของโรโคโคได้รวมเข้ากับดนตรีจนเริ่มมีทิศทางที่แน่นอน ในไม่ช้า ดนตรีสองทิศทางก็ปรากฏขึ้นอย่างชัดเจน: ดนตรีสำหรับการเต้นรำและดนตรีสำหรับการร้องเพลง ลูกบอลมาพร้อมกับดนตรีสำหรับการเต้นรำ ดนตรีสำหรับร้องเพลงที่ฟังในสภาพแวดล้อมที่เป็นความลับ

ความคลาสสิคเป็นสุดยอดของศิลปะคลาสสิก

งานนี้ไฮไลท์ละครเพลง Art XVIIIศตวรรษที่เป็นยุคของการสร้างดนตรีคลาสสิกในปรากฏการณ์และประเภทหลัก (โอเปร่า, ความทรงจำ, โซนาตา, ซิมโฟนี), ผลงานของ Bach, Handel, Gluck, Haydn, Mozart และนักประพันธ์เพลงอื่น ๆ ผลงานของนักประพันธ์เพลงที่โดดเด่น งานประกอบด้วยบทนำ สามบทของส่วนหลัก บทสรุป และรายการอ้างอิง

1. วัฒนธรรมดนตรีของศตวรรษที่สิบแปด

ในประวัติศาสตร์ศิลปะดนตรี ศตวรรษที่ 18 มีความสำคัญอย่างยิ่งและยังคงเป็นที่สนใจอย่างยิ่ง นี่คือยุคแห่งการสร้างสรรค์ดนตรีคลาสสิก การกำเนิดเอก แนวความคิดทางดนตรีโดยพื้นฐานแล้วเนื้อหาที่เป็นรูปเป็นร่างทางโลกอยู่แล้ว ดนตรีไม่เพียงแต่ยกระดับศิลปะอื่น ๆ ที่รุ่งเรืองตั้งแต่ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาไปจนถึงระดับวรรณกรรมที่ดีที่สุด แต่โดยรวมแล้วประสบความสำเร็จด้วยศิลปะอื่น ๆ จำนวนหนึ่ง (โดยเฉพาะทัศนศิลป์) และในตอนท้าย แห่งศตวรรษสามารถสร้างรูปแบบการสังเคราะห์ขนาดใหญ่ที่มีมูลค่าสูงและยั่งยืนเป็นซิมโฟนีของโรงเรียนคลาสสิกเวียนนา

Bach, Handel, Gluck, Haydn และ Mozart เป็นที่รู้จักบนเส้นทางแห่งศิลปะดนตรีตั้งแต่ต้นจนจบศตวรรษ อย่างไรก็ตาม บทบาทของศิลปินดั้งเดิมและนักค้นหา เช่น Jean Philippe Rameau ในฝรั่งเศส, Domenico Scarlatti ในอิตาลี, Philippe Emanuel Bach ในเยอรมนีก็มีความสำคัญเช่นกัน ไม่ต้องพูดถึงปรมาจารย์คนอื่นๆ ที่มาร่วมงานพวกเขาในขบวนการสร้างสรรค์ทั่วไป

ดังที่คุณทราบ เยอรมนี อิตาลี และฝรั่งเศส กับโรงเรียนที่สร้างสรรค์ของพวกเขาเป็นผู้นำในการพัฒนาศิลปะดนตรีในสมัยนั้น แต่การมีส่วนร่วมของประเทศอื่นในกระบวนการนี้ก็ไม่ต้องสงสัยเช่นกัน สภาพทางดนตรีและสังคมของอังกฤษซึ่งมีการประพันธ์คำปราศรัยของฮันเดล ผลกระทบของวัฒนธรรมดนตรีสเปนต่อสการ์ลัตติ บทบาทนำของปรมาจารย์เช็กในการก่อตั้งโบสถ์มันไฮม์ ต้นกำเนิดสลาฟและฮังการีในหัวข้อไฮดเนี่ยนจำนวนหนึ่ง ได้แก่ ตัวอย่างที่น่าเชื่อของสิ่งนี้

โดยทั่วไปแล้ว ความสัมพันธ์เชิงสร้างสรรค์ระหว่างประเทศต่างๆ ในยุโรป ซึ่งสังเกตเห็นได้ชัดเจนแม้กระทั่งก่อนหน้านี้ อย่างน้อยก็ในศตวรรษที่ 15, 16 และ 17 นั้นแข็งแกร่งและเข้มข้นขึ้นตลอดศตวรรษที่ 18 สิ่งนี้แสดงออกไม่เพียงแต่ในการเพิ่มคุณค่าร่วมกันของการเขียนดนตรี แนวดนตรี แก่นเรื่อง หลักการพัฒนาในรูปแบบดนตรีเท่านั้น แต่ยังรวมถึงผลกระทบทางอุดมการณ์และสุนทรียภาพทั่วไปด้วย ซึ่งได้ทวีความรุนแรงขึ้นในสภาพประวัติศาสตร์ใหม่ หากใครสามารถจินตนาการตามทฤษฎีได้ว่า Johann Sebastian Bach หรือ Gluck (และ Handel หรือ Mozart) กำลังพัฒนาในสภาพแวดล้อมที่โดดเดี่ยวในประเทศของตน คุณสมบัติที่สำคัญที่สุดงานศิลปะที่ยิ่งใหญ่ของพวกเขาดูไร้เหตุผล ยากที่จะอธิบาย เกือบจะขัดแย้งกัน โศกนาฏกรรมระดับสูงมาจากไหนในงานศิลปะของ Bach ซึ่งยังคงฉลาดและกลมกลืนกัน? ความรู้สึกโศกนาฏกรรมที่เฉียบคมที่สุดนี้มาจากไหนซึ่งไม่ได้มาถึงความแข็งแกร่งดังกล่าวในหมู่ศิลปินในศตวรรษที่ 17? ถ้ามันมาจากการตระหนักถึงชะตากรรมที่ยากลำบากของบ้านเกิดเมืองนอน แล้วทำไมถึงไม่พบศูนย์รวมของมันก่อนหน้านี้มาก? เพราะมันเป็นเงื่อนไขทางประวัติศาสตร์ของศตวรรษที่ 18 อย่างแม่นยำ ตัวอย่างของประเทศอื่น ๆ ที่ปลุกความเฉียบแหลมใหม่ของความประหม่าของคนรุ่นใหม่ให้ตื่นขึ้นและด้วยความรู้สึกใหม่การประเมินใหม่

เป็นที่ทราบกันว่าในระบบศักดินาของเยอรมนีที่ถูกทำลายและแตกเป็นชิ้นเล็กชิ้นน้อย การตรัสรู้ค่อนข้างล่าช้าและไม่มีลักษณะการปฏิวัติอย่างชัดเจนที่นั่น แต่ในช่วงก่อนการตรัสรู้ ศิลปะดนตรีของปรมาจารย์ชาวเยอรมันขึ้นสู่จุดสูงสุดของภาพรวมที่เป็นรูปเป็นร่างและแนวความคิดเชิงสร้างสรรค์ของ Bach และ Handel ซึ่งรวบรวมสิ่งที่ดีที่สุดจาก ประเพณีทางประวัติศาสตร์และมองเห็นหนทางสู่อนาคตอันไกลโพ้น และอันเป็นผลมาจากยุคแห่งการตรัสรู้ โรงเรียนสร้างสรรค์ออสโตร - เยอรมันซึ่งแสดงโดยคลาสสิกเวียนนากำลังเป็นรูปเป็นร่างขึ้นซึ่งในระยะใหม่มาถึงหลักการสร้างสรรค์สูงสุดของซิมโฟนี ในบรรยากาศนี้ซึ่งสัมผัสได้ไม่ทางใดก็ทางหนึ่ง ประเทศในยุโรปมีการพัฒนาอย่างเข้มข้นของโรงเรียนสร้างสรรค์ระดับชาติจำนวนหนึ่ง ความแข็งแกร่ง ความเป็นอิสระ ได้รับอำนาจทางศิลปะอย่างแม่นยำในศตวรรษที่ 18 ด้วยความสำเร็จครั้งใหม่ในด้านศิลปะดนตรีฆราวาส

โรงเรียนสร้างสรรค์ของรัสเซียที่มีทิศทางแบบฆราวาสล้วนก่อตัวขึ้นอย่างแม่นยำในศตวรรษที่ 18 แม้ว่าต้นกำเนิดของโรงเรียนจะย้อนกลับไปสู่ส่วนลึกของศตวรรษ ความสำคัญและอิทธิพลเชิงสร้างสรรค์ของโรงเรียนดนตรีเช็กซึ่งมีการแสดงอย่างกว้างขวางตามประเภทเครื่องดนตรีและได้ประกาศตัวเองโดยการสร้างโอเปร่ากำลังเติบโต

ศตวรรษที่ 18 กลายเป็นผลสำเร็จสำหรับโรงเรียนสร้างสรรค์ของโปแลนด์ซึ่งมีประเพณีมายาวนานและขณะนี้กำลังเชี่ยวชาญด้านดนตรีบรรเลงและการแสดงละครแนวใหม่

บนเส้นทางทั่วไปของการพัฒนาดนตรีตั้งแต่ต้นจนจบศตวรรษที่ 18 ได้รวมตัวกันหรือรวบรวมประเทศในยุโรปตะวันตก (ซึ่งชัดเจนที่สุดใน ตัวที่สามศตวรรษ) ในฝรั่งเศสและอิตาลี ความขัดแย้งเริ่มต้นขึ้นเกี่ยวกับประเภทโอเปร่าแบบเก่าซึ่งกำลังอยู่ในขั้นจริงจังและ คำวิจารณ์ที่เฉียบแหลมลำดับทางสังคมและสุนทรียศาสตร์ ในหลายประเทศ กระแสอุปรากรแนวใหม่กำลังเกิดขึ้นที่เกี่ยวข้องกับการเกิดขึ้นของประเภทตลกขบขัน: โอเปร่าบัฟฟาในอิตาลี, คอมมิคโอเปร่าในฝรั่งเศส, ซิงสปีลในเยอรมนีและออสเตรีย, การแสดงดนตรีตลกในสเปน และสิ่งที่สำคัญโดยเฉพาะอย่างยิ่งคือทุกประเทศในยุโรปตะวันตกไม่ทางใดก็ทางหนึ่งกำลังมีส่วนร่วมในการเคลื่อนไหวไปสู่รูปแบบใหม่ของโรงเรียนเวียนนาซึ่งเป็นชัยชนะของโกดังโฮโมโฟนิกฮาร์โมนิกและรูปแบบโซนาต้าซิมโฟนิก ไม่ว่าจะประเพณีและ ความเป็นไปได้ที่สร้างสรรค์แต่ละประเทศมีการเปลี่ยนแปลงโวหารในช่วงกลางศตวรรษและการพัฒนาต่อไปของหลักการโซนาตาซิมโฟนิกถูกจัดทำขึ้นโดยระบบทั้งหมดของความพยายามสร้างสรรค์ของผู้เชี่ยวชาญหลายคนของอิตาลีฝรั่งเศสเยอรมนีไม่ต้องพูดถึงต้นกำเนิดของชาติ มาจากทุกที่

ทัศนศิลป์และสถาปัตยกรรมในยุคนี้มีลักษณะเฉพาะด้วยรูปแบบที่ซับซ้อน ซับซ้อน เอิกเกริกและพลวัต ต่อมาคำนี้ถูกนำไปใช้กับดนตรีในสมัยนั้น เทคนิคการเขียนและการแสดงของยุคบาโรกได้กลายเป็นส่วนสำคัญและเป็นส่วนสำคัญของหลักการดนตรีคลาสสิก เครื่องประดับดนตรีมีความซับซ้อนมาก โน้ตดนตรีเปลี่ยนไปมาก และวิธีการเล่นเครื่องดนตรีได้พัฒนาขึ้น ขอบเขตของแนวเพลงได้ขยายออกไป ความซับซ้อนของการแสดงดนตรีก็เพิ่มขึ้น ตัวเลขใหญ่คำศัพท์และแนวคิดทางดนตรีจากยุคบาโรกยังคงใช้อยู่ในปัจจุบัน

นักประพันธ์เพลงบาร็อคทำงานในแนวดนตรีต่างๆ โอเปร่าซึ่งปรากฏในช่วงปลายยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาได้กลายเป็นหนึ่งในรูปแบบดนตรีหลัก สามารถระลึกถึงผลงานของปรมาจารย์ประเภทเช่น Alessandro Scarlatti (1660-1725), Handel, Claudio Monteverdi และอื่น ๆ แนวเพลง oratorio ถึงจุดสูงสุดในผลงานของ I.S. บาคและฮันเดล. ผลงานอันยอดเยี่ยมเช่นภาพหลอนของโยฮันน์ เซบาสเตียน บาค คณะนักร้องประสานเสียง Alleluia จาก oratorio Messiah โดย Georg Friedrich Handel, The Four Seasons โดย Antonio Vivaldi, Vespers โดย Claudio Monteverdi ถือกำเนิดในยุคบาโรก

โซนาต้าและห้องสวีทบรรเลงบรรเลงทั้งสำหรับเครื่องดนตรีเดี่ยวและสำหรับออร์เคสตราแชมเบอร์ ประเภทคอนแชร์โต้ปรากฏในทั้งสองรูปแบบ: สำหรับเครื่องดนตรีชิ้นเดียวที่มีวงออเคสตรา และประเภทคอนแชร์โตกรอสโซ ซึ่งเครื่องดนตรีเดี่ยวกลุ่มเล็กๆ จะตัดกับทั้งมวล ความสง่าผ่าเผยของราชสำนักหลายแห่งยังเสริมด้วยผลงานในรูปแบบของทาบทามฝรั่งเศสด้วยส่วนที่เร็วและช้าที่ตัดกัน คีย์บอร์ดมักถูกเขียนขึ้นโดยนักประพันธ์เพลงเพื่อความบันเทิงของตนเองหรือเป็นสื่อการสอน ผลงานดังกล่าวเป็นผลงานของ I.S. Bach ซึ่งเป็นที่รู้จักโดยทั่วไปว่าเป็นผลงานชิ้นเอกทางปัญญาของยุคบาโรก: The Well-Tempered Clavier, Goldberg Variations และ The Art of Fugue

เครื่องดนตรีหลักของบาโรกคือออร์แกนในดนตรีศักดิ์สิทธิ์และฆราวาส ฮาร์ปซิคอร์ด ดีดและโค้งคำนับ เช่นเดียวกับไม้ เครื่องมือลม: ขลุ่ยต่างๆ คลาริเน็ต โอโบ บาสซูน

ความเสื่อมโทรมของบาร็อคนั้นมาพร้อมกับการอยู่ร่วมกันของเทคนิคเก่าและใหม่เป็นเวลานาน ในเมืองต่างๆ ของเยอรมนี การแสดงแบบบาโรกยังคงมีอยู่จนถึงช่วงทศวรรษ 1790 ตัวอย่างเช่น ในเมืองไลพ์ซิก ซึ่ง J.S. บาค ในอังกฤษความนิยมที่ยั่งยืนของฮันเดลทำให้ความสำเร็จน้อยลง นักแต่งเพลงชื่อดังแต่งในสไตล์บาโรกที่ออกมาแล้ว: Charles Avison, William Boyce และ Thomas Augustine Arn ในทวีปยุโรป สไตล์นี้ถือว่าล้าสมัยไปแล้ว การครอบครองมันเป็นสิ่งจำเป็นสำหรับการแต่งเพลงศักดิ์สิทธิ์และสำเร็จการศึกษาจากที่ปรากฏในโรงเรียนสอนดนตรีหลายแห่งในขณะนั้น แต่เพราะว่า มากในดนตรีบาร็อคกลายเป็นพื้นฐาน ดนตรีศึกษาอิทธิพลของสไตล์บาร็อคได้รับการอนุรักษ์ไว้หลังจากการจากไปของบาโรกในรูปแบบการแสดงและการแต่งเพลง

ดนตรียุคคลาสสิกหรือดนตรีคลาสสิกหมายถึงช่วงเวลาในการพัฒนาดนตรียุโรปประมาณระหว่างปี ค.ศ. 1730 ถึง พ.ศ. 2363 ความสำเร็จที่โดดเด่นของที่สอง ครึ่งหนึ่งของ XVIIIใน. คือการก่อตัวของโรงเรียนคลาสสิกเวียนนาซึ่งมีตัวแทนคือ J. Haydn, W. Mozart และ L. van Beethoven เรียกว่าคลาสสิกเวียนนาและกำหนดทิศทางของการพัฒนาองค์ประกอบทางดนตรีต่อไป

ในช่วงเวลานี้เองที่องค์ประกอบของวงดนตรีซิมโฟนีออร์เคสตราสมัยใหม่ส่วนใหญ่ถูกสร้างขึ้นประเภทของซิมโฟนี, โซนาตา, ทริโอ, สี่และห้า เกิดในโซนาตาอัลเลโกรและต่อมาในผลงานของเบโธเฟนก็ก่อตัวขึ้น วิธีการใหม่ ความคิดทางดนตรี- ซิมโฟนี การปฏิรูปที่สำคัญในการทำงานของ V.A. Mozart และ K.F. Gluck ทดสอบแนวโอเปร่าเพื่อเอาชนะความธรรมดาของโอเปร่าของชนชั้นสูง ในผลงานของ K.F. Gluck และ L. Van Beethoven แยกจากกันเป็นแนวบัลเล่ต์อิสระ

สุนทรียศาสตร์ของลัทธิคลาสสิคมีพื้นฐานมาจากความเชื่อในความมีเหตุผลและความกลมกลืนของระเบียบโลก ซึ่งแสดงออกถึงความใส่ใจต่อความสมดุลของส่วนต่าง ๆ ของงาน การตกแต่งรายละเอียดอย่างระมัดระวัง และการพัฒนาศีลพื้นฐาน รูปแบบดนตรี. ในช่วงนี้เองที่ แบบฟอร์มโซนาต้าบนพื้นฐานของการพัฒนาและการต่อต้านของสองรูปแบบที่ตัดกัน ได้มีการกำหนดองค์ประกอบคลาสสิกของส่วนต่างๆ ของโซนาตาและซิมโฟนี ในช่วงเวลาของความคลาสสิค วงเครื่องสายปรากฏขึ้น ประกอบด้วยไวโอลินสองตัว วิโอลาและเชลโล และองค์ประกอบของวงออเคสตราก็ขยายตัวอย่างมาก

ดังนั้น ด้วยความยากลำบาก ความขัดแย้งทางสุนทรียะและแม้กระทั่งความวุ่นวาย ด้วยความแตกต่างและความสามัคคีสูงสุด ศตวรรษที่ 18 เป็นยุคที่ยิ่งใหญ่ของศิลปะดนตรี เป็นช่วงเวลาแห่งการขึ้นที่สวยงาม ด้วยความหลากหลายของโวหารและประเภทในวัฒนธรรมดนตรีของศตวรรษที่ 18 แนวโน้มการพัฒนาหลักสามารถแยกแยะได้:

ดนตรีทางโลกค่อยๆ เข้ามาแทนที่ดนตรีฝ่ายวิญญาณ พรมแดนที่ชัดเจนก่อนหน้านี้ระหว่างเสาของวัฒนธรรมดนตรีเหล่านี้กำลังถูกลบทิ้ง

ดนตรีบรรเลงกำลังเป็นที่นิยมมากขึ้นเรื่อยๆ

ก่อตัวขึ้น วงซิมโฟนีออร์เคสตราและเทคนิคพื้นฐานของการเขียนวงดุริยางค์

ขั้นตอนต่อไปในการพัฒนาโอเปร่า การเกิดขึ้นของแนวเพลงใหม่คลาสสิกและโรแมนติก

ความมั่งคั่งของความคลาสสิค - โซนาต้า, ซิมโฟนี, คอนเสิร์ต แบบฟอร์มโซนาต้า

ความสามัคคีใหม่และภาพใหม่ในแนวโรแมนติก

การเกิดขึ้นของโรงเรียนแห่งชาติ

มรดกทางวัฒนธรรมของศตวรรษที่ 18 ยังคงสร้างความตื่นตาตื่นใจด้วยความหลากหลายที่ไม่ธรรมดา ความสมบูรณ์ของประเภทและรูปแบบ ความเข้าใจอย่างลึกซึ้งในความสนใจของมนุษย์ การมองโลกในแง่ดีอย่างมาก ศรัทธาในมนุษย์และจิตใจของเขา

bach baroque นักแต่งเพลงคลาสสิก

2. นักแต่งเพลงดีเด่นแห่งศตวรรษที่ 18

ที่สุด ชื่อที่มีชื่อเสียงช่วงนี้ I.S. บัค, G.F. ฮันเดล คุณสามารถประเมินผลงานของพวกเขาได้หลายวิธี: การประเมินขึ้นอยู่กับรสนิยมและแนวโน้ม แต่แต่ละคนในสาขาของตนเอง พวกเขาบรรลุภารกิจด้วยความสมบูรณ์เท่าเทียมกัน ความแข็งแกร่งของความคิดสร้างสรรค์ของพวกเขาจดจ่ออยู่กับทุกสิ่งที่จำเป็นซึ่งประสบความสำเร็จมาโดยตลอดโดยดนตรียุโรป

Johann Sebastian Bach (1685 - 1750) - หนึ่งใน นักแต่งเพลงที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในประวัติศาสตร์ดนตรี ในช่วงชีวิตของเขา Bach เขียนงานมากกว่า 1,000 ชิ้น ผลงานทั้งหมดของเขาคือ ประเภทที่สำคัญของเวลานั้น ยกเว้นโอเปร่า; เขาสรุปความสำเร็จทั้งหมดของศิลปะดนตรีในยุคนี้

ในการก่อตัวของบุคลิกภาพและความคิดสร้างสรรค์ของBach บทบาทสำคัญเล่นดนตรีวัฒนธรรมของโปรเตสแตนต์เยอรมัน ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่มรดกของผู้แต่งส่วนใหญ่เป็นเพลงศักดิ์สิทธิ์ เขาไม่ได้พูดถึงประเภทโอเปร่าที่ได้รับความนิยมมากที่สุดในศตวรรษที่ 18

บาคไม่เคยออกจากเยอรมนี นอกจากนี้ เขาไม่ได้อาศัยอยู่ในเมืองหลวงเป็นหลัก แต่อยู่ในเมืองต่างจังหวัด อย่างไรก็ตาม เขาคุ้นเคยกับพัฒนาการที่สำคัญทั้งหมดในวงการเพลงในสมัยนั้น นักแต่งเพลงสามารถผสมผสานประเพณีการร้องเพลงโปรเตสแตนต์เข้ากับประเพณีของโรงเรียนดนตรียุโรปในงานของเขา ผลงานของบาคโดดเด่นด้วยความลึกทางปรัชญา ความเข้มข้นของความคิด และการไม่มีความไร้สาระ คุณสมบัติที่สำคัญที่สุดดนตรีของเขามีรูปแบบที่น่าทึ่ง ทุกสิ่งทุกอย่างที่นี่มีความสมดุล สมดุล และอารมณ์ในเวลาเดียวกัน องค์ประกอบต่าง ๆ ของภาษาดนตรีทำงานเพื่อสร้างภาพเดียว อันเป็นผลให้เกิดความสามัคคีของทั้งมวล

ผลงานของ Bach นักดนตรีสากลได้สรุปความสำเร็จของศิลปะดนตรีมาหลายศตวรรษใกล้จะถึงยุคบาโรกและความคลาสสิค บาคเป็นศิลปินแห่งชาติที่สดใส ผสมผสานประเพณีการร้องเพลงโปรเตสแตนต์เข้ากับประเพณีของโรงเรียนดนตรีออสเตรีย อิตาลี และฝรั่งเศส

แนวเพลงชั้นนำในงานร้องและบรรเลงของ Bach คือ cantata ทางจิตวิญญาณ Bach ได้สร้าง cantatas ขึ้น 5 รอบต่อปี ซึ่งแตกต่างกันไปตาม ปฏิทินคริสตจักร, ตามแหล่งที่มาที่เป็นข้อความ (สดุดี, บทประสาน, บทกวี "ฟรี") ตามบทบาทของนักร้องประสานเสียง ฯลฯ

ของฆราวาส cantatas ที่มีชื่อเสียงที่สุดคือ "ชาวนา" และ "กาแฟ" พัฒนาขึ้นในบทละครที่มีการวางแนว หลักการพบการนำไปปฏิบัติในมวลชน นั่นคือ "ความหลงใหล" มวล "สูง" ใน h-moll "John Passion", "Matthew Passion" กลายเป็นจุดสุดยอดของประวัติศาสตร์ที่มีอายุหลายศตวรรษของประเภทนี้

ดนตรีออร์แกนเป็นศูนย์กลางในงานบรรเลงของบาค การสังเคราะห์ประสบการณ์ของการปรับแต่งออร์แกนที่สืบทอดมาจากรุ่นก่อนของเขา (D. Buxtehude, J. Pachelbel, G. Böhm, J.A. Reinken) วิธีการแต่งเพลงที่หลากหลายและหลากหลาย และหลักการร่วมสมัยของการแสดงคอนเสิร์ต Bach ได้คิดใหม่และปรับปรุงแนวเพลงดั้งเดิมของ เพลงออร์แกน - toccata, Fantasy, passacaglia, chorale prelude

นักแสดงอัจฉริยะ หนึ่งในนักเลงที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในยุคของเขา เครื่องมือคีย์บอร์ด, บาคสร้างวรรณกรรมที่กว้างขวางสำหรับกลาเวียร์ ในบรรดาองค์ประกอบเพลงกลาเวียร์ สถานที่ที่สำคัญที่สุดถูกครอบครองโดย Well-Tempered Clavier ซึ่งเป็นประสบการณ์ครั้งแรกในประวัติศาสตร์ดนตรีของแอปพลิเคชั่นศิลปะที่พัฒนาขึ้นในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 17-18 ระบบอารมณ์

นักพูดประสานเสียงที่ยิ่งใหญ่ที่สุดในความทรงจำ Bach ได้สร้างตัวอย่างที่ไม่มีใครเทียบได้ ซึ่งเป็นโรงเรียนแห่งทักษะที่คุมขัง ซึ่งยังคงดำเนินต่อไปและเสร็จสิ้นใน The Art of Fugue ซึ่ง Bach ทำงานตลอด 10 ปีที่ผ่านมาในชีวิตของเขา บาคเป็นผู้เขียนคอนแชร์โตของคลาเวียร์คนแรก - คอนแชร์โต้อิตาลี (ไม่มีวงออเคสตรา) ซึ่งเห็นชอบอย่างเต็มที่ถึงความสำคัญของคลาเวียร์ในฐานะเครื่องดนตรีคอนเสิร์ต

ดนตรีของบาคสำหรับไวโอลิน เชลโล ฟลุต โอโบ วงดนตรีบรรเลง วงออเคสตรา - โซนาตา ห้องสวีท ปาร์ติตัส คอนแชร์โต นับเป็นการขยายขอบเขตความสามารถทางด้านเทคนิคและการแสดงออกของเครื่องดนตรีอย่างมีนัยสำคัญ เผยให้เห็นความรู้เชิงลึกเกี่ยวกับเครื่องดนตรีและความเป็นสากลในการตีความ .

ในบรรดาผลงานของ Bach สำหรับเครื่องดนตรีอื่น ๆ สถานที่หลักเป็นของไวโอลิน sonatas, partitas และคอนแชร์โต ในฐานะนักไวโอลินที่เก่งกาจตั้งแต่อายุยังน้อย นักประพันธ์เพลงของ Bach ได้เข้าใจถึงความเป็นไปได้ของเครื่องดนตรี นั่นคือ "สไตล์" ของมัน เหมือนกับที่เขาเชี่ยวชาญ "สไตล์" ของออร์แกนและกลาเวียร์ ดนตรีไวโอลินซึ่งเป็นเพลงใหม่ในขณะนั้นทำหน้าที่เป็นต้นแบบให้กับเขาในการสร้างงานไวโอลินไม่เพียงเท่านั้นซึ่งได้รับการบันทึกไว้ในตัวอย่างคอนเสิร์ต ในเวลาเดียวกัน โพลีโฟนีที่พัฒนาแล้ว ซึ่งทำงานในรูปแบบของออร์แกนและดนตรีคลาเวียร์ บาคพยายามย้ายไปยังโซนาตาไวโอลิน ทำให้มีความต้องการเครื่องดนตรีนี้สูงมาก “โดยพื้นฐานแล้ว ผลงานทั้งหมดของเขาถูกสร้างขึ้นสำหรับเครื่องดนตรีในอุดมคติ โดยยืมความเป็นไปได้ของการเล่นโพลีโฟนิกจากคีย์บอร์ด และจากเครื่องสาย - ข้อดีทั้งหมดในการแยกเสียง” อัลเบิร์ต ชไวเซอร์สรุปอย่างถูกต้อง คือ เหตุการณ์สำคัญระหว่างทางไปซิมโฟนีคลาสสิก

ในช่วงชีวิตของ Bach ผลงานชิ้นเล็ก ๆ ของเขาได้รับการตีพิมพ์ งานของ Bach นั้นลึกซึ้งและหลากหลายจนคนรุ่นเดียวกันไม่สามารถชื่นชมได้ ระดับอัจฉริยะที่แท้จริงของ Bach ซึ่งมีอิทธิพลอย่างมากต่อการพัฒนาวัฒนธรรมดนตรียุโรปในเวลาต่อมา เริ่มตระหนักได้เฉพาะหลังจากที่เขาเสียชีวิต ต้องใช้เวลาทั้งศตวรรษเพื่อให้ Bach ได้รับการยอมรับว่าเป็นนักแต่งเพลงที่ยอดเยี่ยม

การพัฒนาโอเปร่าและออราทอริโอนั้นสัมพันธ์กับชื่อจอร์จ ฟรีดริช ฮันเดล (1685-1759) เมื่ออายุได้สิบสองปีแล้ว ฮันเดลเขียนแคนทาตาของโบสถ์และชิ้นส่วนออร์แกน ในปี ค.ศ. 1702 พระองค์ทรงรับตำแหน่งออร์แกนของโบสถ์โปรเตสแตนต์ใน บ้านเกิด- กอลล์ แต่ไม่นานก็รู้ว่าดนตรีในโบสถ์ไม่ใช่เพลงที่เขาเรียก นักแต่งเพลงสนใจโอเปร่ามากขึ้น

ในฐานะนักแต่งเพลงโอเปร่า Handel เกิดขึ้นในอิตาลี การผลิต Agrippina (1709) ในเวนิสทำให้เขามีชื่อเสียง และโอเปร่า Rinaldo (1711) ซึ่งจัดแสดงในลอนดอนทำให้ Handel เป็นนักแต่งเพลงโอเปร่าที่ใหญ่ที่สุดในยุโรป เขาเข้าร่วมในกิจการโอเปร่า (ที่เรียกว่าสถาบันการศึกษา) จัดแสดงโอเปร่าของเขาเองรวมถึงผลงานของคีตกวีคนอื่น ๆ ฮันเดลประสบความสำเร็จเป็นพิเศษในการทำงานที่ Royal Academy of Music ในลอนดอน ฮันเดลสร้างโอเปร่าหลายครั้งต่อปี ในยุค 1730 นักแต่งเพลงกำลังมองหาวิธีใหม่ในโรงละครดนตรี - เขาเสริมบทบาทของคณะนักร้องประสานเสียงและบัลเล่ต์ในโอเปร่า ("Ariodant", "Alcina" ทั้งคู่ - 1735)

บน โอเปร่าแฮนด์เดลได้รับอิทธิพล ละครเพลงร. ไกเซอร์. ฮันเดล ศิลปินแห่งการตรัสรู้สรุปความสำเร็จของดนตรีบาโรกและปูทางสู่ความคลาสสิกทางดนตรี ฮันเดลประสบความสำเร็จในการพัฒนาฉากแอ็กชันโดยตัดเลเยอร์ที่น่าทึ่ง

เขายังทำงานในประเภทของโอเปร่าอิตาลี ดนตรีที่ไพเราะเป็นพิเศษสร้างความประทับใจให้ผู้ฟังเป็นอย่างมาก โดยรวมแล้วอาจารย์ได้สร้างผลงานประเภทนี้มากกว่าสี่สิบชิ้น อย่างไรก็ตามไม่ใช่ทุกคนที่ยอมรับโอเปร่าในอังกฤษ ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่ The Beggar's Opera (1728; ดนตรีโดย Johann Christoph Pepusch บทโดย John Gay) ซึ่งล้อเลียน โอเปร่าอิตาลีซึ่งขัดขวางการพัฒนาของโรงละครแห่งชาติอย่างที่บางคนเชื่อ

เขานำละครอิตาลีมาสู่ธรณีประตูแห่งการปฏิรูป Gluck จะเริ่มดำเนินการในอีกยี่สิบปีต่อมาเมื่อมีการสร้างเงื่อนไขทางประวัติศาสตร์ที่จำเป็นสำหรับสิ่งนี้ ฮันเดลเองจะค้นหาต่อไปในประเภท oratorio

ผลงานของฮันเดลมีลักษณะเป็นวีรบุรุษที่ยิ่งใหญ่ การเริ่มต้นที่มองโลกในแง่ดี ยืนยันชีวิต รวมวีรบุรุษ มหากาพย์ บทกวี โศกนาฏกรรม อภิบาลเข้าเป็นหนึ่งเดียว หลังจากซึมซับและคิดใหม่เกี่ยวกับอิทธิพลของดนตรีอิตาลี ฝรั่งเศส อังกฤษ ฮันเดลยังคงเป็นนักดนตรีชาวเยอรมันในด้านต้นกำเนิดของความคิดสร้างสรรค์และวิธีคิด

ในยุค 40 หลังจากความล้มเหลวของโอเปร่า Deidamia (ค.ศ. 1741) ฮันเดลไม่ได้หันไปใช้ศิลปะดนตรีประเภทนี้อีกต่อไปและอุทิศเวลาทั้งหมดให้กับ oratorio ซึ่งเป็นผลงานสร้างสรรค์สูงสุดของ G.F. ฮันเดล

ผลงานใหม่ของนักแต่งเพลงได้รับการตอบรับอย่างอบอุ่นจากสาธารณชน ฮันเดลสร้างคำปราศรัยสามสิบสองคำ ใน oratorio ซึ่งไม่ถูกจำกัดโดยข้อจำกัดประเภทที่เข้มงวด ฮันเดลยังคงค้นหาในด้านละครเพลง ในเรื่องพล็อตและการแต่งเพลง

เทิร์นนี้จะไม่คงอยู่โดยไม่มีผลในเส้นทางต่อไปของผู้แต่ง การสร้าง oratorios ที่กล้าหาญอย่างแท้จริงเขาจะหันไปใช้ธีมและภาพที่เกี่ยวข้องกับแนวคิดเรื่องการเสียสละเสียสละในชะตากรรมของบุคคลการลงโทษร้ายแรงที่ไม่อาจต้านทานของฮีโร่หรือนางเอกได้ ใช่ และทุกอย่างที่ฮันเดลประสบความสำเร็จในงานศิลปะโอเปร่าเป็นเวลาหลายปี สิ่งที่ดีที่สุดที่เขาพบที่นี่ จะไม่ผ่าน oratorio ผลงานที่ได้รับความนิยมสูงสุดของ Handel ได้แก่ oratorio Israel ในอียิปต์ (ค.ศ. 1739), Messiah (ค.ศ. 1742) ซึ่งหลังจากฉายรอบปฐมทัศน์ที่ประสบความสำเร็จในดับลิน ได้รับการวิพากษ์วิจารณ์อย่างรุนแรงจากคณะสงฆ์ ความสำเร็จของ oratorios ในภายหลังรวมถึง "Judas Maccabee" (ค.ศ. 1747) มีส่วนทำให้ฮันเดลมีส่วนร่วมในการต่อสู้กับการพยายามฟื้นฟูราชวงศ์สจ๊วต บนวัสดุ เรื่องราวในพระคัมภีร์และการหักเหของพวกเขาในบทกวีภาษาอังกฤษ Handel เปิดเผยภาพภัยพิบัติและความทุกข์ทรมานของผู้คนความยิ่งใหญ่ของการต่อสู้ของประชาชนกับการกดขี่ของทาส ฮันเดลเป็นผู้สร้างผลงานเสียงร้องและเครื่องดนตรีรูปแบบใหม่ที่ผสมผสานขนาด (คณะนักร้องประสานเสียงอันทรงพลัง) และสถาปัตยกรรมที่เข้มงวด Oratorios ของ Handel ตื่นตาตื่นใจกับพลังของเสียงของคณะนักร้องประสานเสียง การใช้โพลีโฟนีอย่างชาญฉลาด ท่วงทำนองที่นุ่มนวลและยืดหยุ่นและแสดงออกถึงอารมณ์ของอาเรียส คณะนักร้องประสานเสียงมีจุดมุ่งหมายเพื่อเน้นย้ำถึงความยิ่งใหญ่ของเหตุการณ์ ความสำคัญอย่างยิ่งต่อมนุษยชาติ และอาเรียส - ความแข็งแกร่งของความรู้สึกของฮีโร่

ในแนวเพลงออราโทริโอ ฮันเดลสามารถกำจัดกลุ่มนักร้องประสานเสียงได้อย่างอิสระ ซึ่งเกี่ยวข้องกับคณะนักร้องประสานเสียงในการเล่าเรื่องหรือการแสดงละครที่ยิ่งใหญ่ เขาไม่ได้คิดแม้แต่จะเลียนแบบแบบจำลองของ oratorio ของอิตาลี ซึ่งในสมัยของเขามุ่งสู่รูปแบบโอเปร่ามากกว่าการร้องเพลงประสานเสียง เช่นเดียวกับ Bach ดูเหมือนว่า Handel จะมีความสนใจอย่างสร้างสรรค์อย่างลึกซึ้งในรูปแบบโพลีโฟนิกขนาดใหญ่

ตลอดอาชีพการงานของเขา ฮันเดลยังทำงานในแนวเพลงบรรเลงด้วย มูลค่าสูงสุดมีคอนแชร์ติ กรอสซีของเขา การพัฒนาที่สร้างแรงบันดาลใจ โดยเฉพาะอย่างยิ่งในงานออร์เคสตรา สไตล์โฮโมโฟนิก-ฮาร์โมนิกของฮันเดลมีอิทธิพลเหนือการพัฒนาโพลีโฟนิกของวัสดุ ท่วงทำนองมีความโดดเด่นด้วยความยาว โทนเสียงและพลังงานจังหวะ และความชัดเจนของรูปแบบ เมื่อเปรียบเทียบกับโอเปร่าและออราทอริโอของฮันเดลเท่านั้นที่ดนตรีบรรเลงของเขาดูมีความสำคัญน้อยกว่า แต่ในตัวมันเองเป็นสิ่งที่บ่งบอกถึงเขาอย่างมากซึ่งเชื่อมโยงอย่างมากกับงานหลักของเขาและเต็มไปด้วยความสนใจทางศิลปะ แม้จะอยู่บนเส้นทางหนามของนักประพันธ์ งานเครื่องดนตรีเป็นการพักผ่อนมากกว่าความพยายามอย่างเต็มที่เขาสามารถเขียนได้มากมาย: มากกว่า 50 คอนแชร์โต, โซนาตามากกว่า 40 ชิ้นและประมาณ 200 ชิ้นสำหรับกลาเวียร์, กลาเวียร์หรือออร์แกนตลอดจนการประพันธ์เพลงที่หลากหลาย ดังนั้น ถ้าฮันเดลไม่ได้สร้างสิ่งใดนอกจาก oratorios มรดกทางความคิดสร้างสรรค์ของเขาก็ยังคงต้องได้รับการยอมรับว่ายิ่งใหญ่ แต่เขาเป็นเจ้าของโอเปร่ามากกว่าสี่สิบเรื่อง รวมถึงหน้าเพลงไพเราะนับไม่ถ้วน ด้วยความแตกต่างด้านประเภทที่สำคัญทั้งหมด ด้วยความสัมพันธ์ที่แตกต่างกันระหว่างดนตรีและข้อความ โอเปร่าอิตาลีของ Handel ในความหมายทางดนตรีที่เหมาะสมของพวกเขาได้เตรียมอย่างมากสำหรับช่วงของภาพใน oratorios ของเขา ในทางกลับกัน วิวัฒนาการอย่างต่อเนื่องของงาน oratorio ของเขา การค้นหาพหุภาคีในพื้นที่นี้มีความสำคัญอย่างยิ่งต่อประวัติศาสตร์ของ oratorio และสำหรับ ประวัติเพิ่มเติมโอเปร่า ผลงานของเขามีอิทธิพลอย่างมากต่อศิลปินในรุ่นต่อๆ มา โดยเฉพาะอย่างยิ่งกับตัวแทนของโรงเรียนคลาสสิกเวียนนา งานของ Handel มีผลกระทบอย่างมากต่อ J. Haydn, V.A. โมสาร์ท, แอล. บีโธเฟน, มิ.ย. กลินก้า

3. ดนตรีรัสเซียแห่งศตวรรษที่ 18

ก่อนความรุ่งเรืองและการก่อตั้งโรงเรียนนักประพันธ์เพลงระดับชาติแห่งแรกในตอนต้นของศตวรรษที่ 19 โรงเรียนได้พัฒนามาไกลมาก จนถึงกลางศตวรรษที่ 18 ดนตรีฆราวาสไม่เป็นมืออาชีพ แนวดนตรีหลักอยู่ในสาขาคติชนวิทยาและดนตรีศักดิ์สิทธิ์ ประเภทหลักคือ cant และประสานเสียงคอนแชร์โต้ คอนเสิร์ตประสานเสียงเป็นเวทีเปลี่ยนผ่านที่สำคัญจากคริสตจักรไปสู่ดนตรีฆราวาสมืออาชีพ ศิลปะดนตรีรัสเซียที่ซับซ้อนที่สุดในศตวรรษที่ 18 ถือเป็น "คอนแชร์โต้ทางจิตวิญญาณสำหรับคณะนักร้องประสานเสียง" ในศตวรรษที่ 18 จุดเปลี่ยนที่สำคัญเกิดขึ้นในแนวเพลงรัสเซียทั้งหมด ดนตรีฆราวาสเริ่มครอบงำ นำเสนอรูปแบบที่ทันสมัยของดนตรีมืออาชีพ - ซิมโฟนีและแชมเบอร์คอนเสิร์ต การพัฒนาดนตรีในบ้าน เพลงประเภทยุโรปพร้อมโน้ตดนตรีได้รับการอนุมัติเรียบร้อยแล้ว

รัสเซียถือกำเนิด โรงละครดนตรีซึ่งอาศัยประเพณีการขับร้องประสานเสียง การใช้ทรอปาริออนต่างๆ บทเพลง ในช่วงที่สามของศตวรรษที่ 18 โรงละครดนตรีที่แท้จริงได้ปรากฏตัวขึ้นในรัสเซีย โรงละครป้อมปราการของ Sheremetevs และ Vorontsovs มีชื่อเสียงเป็นพิเศษ ตั้งแต่ปี 1730 มีโรงละครศาลอิตาลีในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กซึ่งนักประพันธ์เพลงเช่น Baltassare Galuppi และ Domenico Cimarosa ทำงาน ในปี ค.ศ. 1780 โรงละครเปตรอฟสกีแห่งแรกในรัสเซียก่อตั้งขึ้นในกรุงมอสโก ตั้งแต่ พ.ศ. 2326 การแสดงดนตรีจัดแสดงในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กที่โรงละครสโตน ตัวอย่างนี้ถูกติดตาม ต่างจังหวัด. ในช่วงไตรมาสสุดท้ายของศตวรรษที่ 18 ได้มีการจัดตั้งโรงเรียนองค์ประกอบแห่งชาติขึ้นซึ่งซึมซับแนวคิดการศึกษาที่รักอิสระและสนใจ เพลงพื้นบ้านซึ่งประเภทหลักคือ ละครตลก, แนวโรแมนติกและรูปแบบต่างๆ ของธีมภาษารัสเซีย ในบรรดาแนวดนตรีอาชีพที่หลากหลายในช่วงปลายศตวรรษที่ 18 โอเปร่าครองอันดับหนึ่ง เป็นโอเปร่าในยุคนี้ที่พัฒนามากที่สุด มีความเป็นมืออาชีพมากที่สุด และในขณะเดียวกันก็มีมวลมากที่สุด ความคิดสร้างสรรค์ทางดนตรี. ไม่น่าแปลกใจเลยที่มันอยู่ในประเภทโอเปร่าอย่างแม่นยำซึ่งศักยภาพในการสร้างสรรค์ของนักประพันธ์เพลงชาวรัสเซียในศตวรรษที่ 18 นั้นแสดงออกอย่างชัดเจนที่สุด โอเปร่าดึงดูดทั้งผู้ชมจำนวนมากและพลังสร้างสรรค์ที่ดีที่สุด โอเปร่ากระตุ้นการตอบสนองที่มีชีวิตชีวาใน ความคิดเห็นของประชาชนในด้านกวีนิพนธ์ วรรณคดี และการวิจารณ์ ด้วยความฉับไวและความครบถ้วนสมบูรณ์ เธอสะท้อนให้เห็นถึงแนวโน้มที่ก้าวหน้าและเป็นประชาธิปไตยของศิลปะรัสเซีย

นอกจากโอเปร่าแล้ว ดนตรีแชมเบอร์หลากหลายประเภทยังได้รับความนิยมในรัสเซียอีกด้วย ในช่วงกลางของศตวรรษที่ 18 คอนเสิร์ตแชมเบอร์ที่ศาลกลายเป็นเรื่องธรรมดา การทำเพลงแชมเบอร์ประสบความสำเร็จอย่างมากในแวดวงสมัครเล่นของชนชั้นสูง ถึงเวลานี้ บทบาทของวงออเคสตราของศาลก็เพิ่มขึ้นอย่างเห็นได้ชัด ในช่วงต้นยุค 60 วงออเคสตราถูกแบ่งออกเป็นสองกลุ่มนักดนตรีอิสระ - นักแสดงโอเปร่าและซิมโฟนีและดนตรีบอลรูม ความแตกต่างดังกล่าวเป็นสัญญาณบ่งบอกถึงการเติบโตของกองกำลังที่มีประสิทธิภาพ

Maxim Berezovsky และ Dmitry Bortnyansky เป็นโอเปร่าและนักประพันธ์เพลงที่ยอดเยี่ยม Evstigney Fomin กลายเป็นที่รู้จักในประเภทของ "เพลง" โอเปร่าตามลวดลายรัสเซีย ("Coachmen on a set-up" ถึงข้อความของ N.A. Lvov) และในประเภทของโศกนาฏกรรมโอเปร่า ("Orpheus" ถึงข้อความของ Ya.B. เนียจนิน). นักไวโอลินอัจฉริยะ Ivan Khandoshkin - ผู้เขียนโซนาต้าไพเราะที่มีเสน่ห์และรูปแบบในภาษารัสเซีย ธีมพื้นบ้าน. Osip Kozlovsky ได้รับความนิยมจาก polonaises ผู้รักชาติ ("Thunder of Victory, Resound!") และ "เพลงรัสเซีย"

ดังนั้นดนตรีรัสเซียในศตวรรษที่ 18 สะท้อนให้เห็นถึงการเพิ่มขึ้นอย่างรวดเร็วและฉับพลันที่เกิดขึ้นในทุกด้านของชีวิตสาธารณะในรัสเซียหลังยุค Petrine

การผสมผสานระหว่างชาติและยุโรป ค่อนข้างไร้เดียงสาและเป็นผู้ใหญ่ ทั้งเก่าและใหม่ จิตวิญญาณและฆราวาส ทั้งหมดนี้ประกอบเป็นภาพที่เป็นเอกลักษณ์ของดนตรีรัสเซียในยุคแห่งการตรัสรู้

บทสรุป

โดยสรุป ให้เราสังเกตสั้น ๆ ต่อไปนี้ ในศตวรรษที่ 18 เริ่มเป็นรูปเป็นร่าง ภาษาดนตรีซึ่งยุโรปทั้งหมดจะพูดถึงรูปแบบต่างๆ ถึงระดับสูงสุดของความสมบูรณ์แบบ ปรมาจารย์ผู้ยิ่งใหญ่ทำงานใน ประเทศต่างๆกำหนดโดยความคิดสร้างสรรค์ของพวกเขาศิลปะดนตรีทั้งหมดในยุคนี้

ในงานของนักแต่งเพลง ช่วงเวลานี้แสดงด้วยรูปแบบศิลปะ เช่น คลาสสิก บาโรก โรโคโค นอกเหนือจากประเภทที่ยิ่งใหญ่ที่มีอยู่แล้วของมวลชนและ oratorio ในช่วงเวลานี้มีขึ้นและในไม่ช้าก็กลายเป็นผู้นำโดยพื้นฐาน แนวใหม่- โอเปร่า การครอบงำของดนตรีฆราวาสก็ถูกรวมเข้าด้วยกันในที่สุด เนื้อหาครอบคลุม วงกลมกว้างธีมและรูปภาพ ชีวิตดนตรีสาธารณะพัฒนา เปิดถาวร สถาบันดนตรี- โรงอุปรากร สมาคมดนตรี เครื่องสายและเครื่องเป่าลมกำลังได้รับการปรับปรุง เครื่องดนตรี; การพัฒนาการพิมพ์เพลง

ดนตรีของศตวรรษที่ 18 นำเสนอยอดเขาที่ไม่สามารถเข้าถึงได้สองแห่ง - ฮันเดลและบาค กว่าสองร้อยปีผ่านไป และความสนใจในดนตรีของพวกเขาก็เพิ่มขึ้นเรื่อยๆ

ในตอนท้ายของช่วงเวลานี้ การก่อตัวของซิมโฟนีและบัลเล่ต์เริ่มต้นขึ้น ควบคู่ไปกับความเฟื่องฟูของโพลีโฟนีฟรีสไตล์ซึ่งมาแทนที่โพลีโฟนีแบบเข้มงวด การจัดองค์ประกอบแบบโฮโมโฟนิก-ฮาร์โมนิกปรากฏขึ้นในการเต้นประจำวัน และต่อมาในดนตรีมืออาชีพ ในประเทศที่กระบวนการสร้างชาติยังคงดำเนินต่อไปในเวลานี้ วัฒนธรรมดนตรีระดับชาติที่พัฒนาอย่างสูงกำลังก่อตัวขึ้น ดังนั้นในอิตาลีเกิดโอเปร่า oratorio และ cantata ดนตรีบรรเลงได้รับการปรับปรุงในฝรั่งเศส - โอเปร่าบัลเล่ต์รูปแบบใหม่ของเพชรประดับ clavier ในอังกฤษ - โรงเรียน clavier of virginalists

จุดเปลี่ยนที่เด็ดขาดเกิดขึ้นในดนตรีรัสเซียในศตวรรษที่ 18: ดนตรีฆราวาสเริ่มครอบงำ, มีการแนะนำรูปแบบที่ทันสมัยของดนตรีมืออาชีพ - การแสดงซิมโฟนิกและแชมเบอร์, การพัฒนาดนตรีที่บ้าน, ดนตรีประเภทยุโรปพร้อมโน้ตดนตรีได้สำเร็จ, และอุปรากรเรื่องแรกก็ปรากฏขึ้น

สไลด์ 1

สไลด์2

สไลด์ 3

สไลด์ 4

สไลด์ 5

สไลด์ 6

สไลด์ 7

สไลด์ 8

สไลด์ 9

การนำเสนอในหัวข้อ "ดนตรีแห่งศตวรรษที่ 17 - 18" (เกรด 7) สามารถดาวน์โหลดได้ฟรีบนเว็บไซต์ของเรา หัวเรื่องโครงการ: ดนตรี. สไลด์และภาพประกอบที่มีสีสันจะช่วยให้คุณรักษาความสนใจของเพื่อนร่วมชั้นหรือผู้ฟังของคุณ หากต้องการดูเนื้อหา ใช้โปรแกรมเล่น หรือหากคุณต้องการดาวน์โหลดรายงาน ให้คลิกที่ข้อความที่เหมาะสมใต้โปรแกรมเล่น งานนำเสนอมี 9 สไลด์

สไลด์นำเสนอ

สไลด์ 1

สไลด์2

ดนตรีของรัสเซีย ศตวรรษที่ 17-18

ดนตรีมาพร้อมกับหน้ากากและลูกบอลมากมายที่จัดขึ้นในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก ปีเตอร์มักจะเข้ามาในเมืองด้วยความเอิกเกริก ด้วยเสียงของวงออเคสตราและบทเพลงรื่นเริง วงออเคสตราทหารและศาลรวมท่อและแตรหลายอัน เครื่องสาย. พวกเขาเล่นในงานเลี้ยงอาหารค่ำ ล่าสัตว์ เดินเล่น ฯลฯ การแสดงนั้นเรียบง่าย โดยเฉพาะอย่างยิ่งเพลงเคร่งขรึม - cantes (จากภาษาละติน cantus - "ร้องเพลง", "เพลง")

สไลด์ 3

ในยุคของปีเตอร์มหาราช ดนตรีกลายเป็นส่วนบังคับของการศึกษาในยุโรป เด็กชั้นสูงได้รับการสอนดนตรีพร้อมกับศิลปะและมารยาท "ดี" อื่น ๆ เมื่อเวลาผ่านไป การทำดนตรีสมัครเล่นก็ปรากฏขึ้น

สไลด์ 4

ในยุค 30 ศาลโอเปร่าถูกสร้างขึ้นที่ซึ่งศิลปินชาวอิตาลีเล่น บนเวทีของเธอถูกจัดฉาก ละครโอเปร่า. นักร้องชาวรัสเซียจากคณะนักร้องประสานเสียงเริ่มมีส่วนร่วมในการแสดงทีละน้อย (นักดนตรีมืออาชีพได้รับการฝึกฝนที่นี่) นักแต่งเพลงต่างชาติที่มีชื่อเสียงทำงานในรัสเซีย พวกเขาเป็นผู้กำหนดจนถึงกลางศตวรรษที่ 18 ชีวิตดนตรีเมืองหลวง. ฟรานเชสโก อารยา ชาวอิตาลี (ค.ศ. 1709 - ประมาณปี ค.ศ. 1770) ประพันธ์โอเปร่าเรื่องแรกในภาษารัสเซียว่า "เซฟาลและโปรคริส" ในปี ค.ศ. 1755 การแสดงรอบปฐมทัศน์ของโอเปร่าเกิดขึ้น แสดงโดยนักร้องชาวรัสเซีย ในยุค 60s. ปรากฏว่านักประพันธ์เพลงมืออาชีพในประเทศเป็นตัวแทนของชาติ โรงเรียนดนตรี. พวกเขาทำงานในสาขาโอเปร่า การร้องประสานเสียง และดนตรีบรรเลง

สไลด์ 5

ผู้เชี่ยวชาญที่ดีที่สุดของคอนเสิร์ตประสานเสียงแห่งศตวรรษที่สิบแปด - Maxim Sozontovich Berezovsky (1745-1777) และ Dmitry Stepanovich Bortnyansky (1751 - 1825) คอนแชร์โตของ Bortnyansky เป็นตัวอย่างที่โดดเด่นของเพลงประสานเสียงรัสเซีย ความลับของเสน่ห์ในการประพันธ์เพลงของเขาอยู่ที่ความเรียบง่ายและจริงใจ พระองค์ทรงสร้าง จำนวนมากของคอนเสิร์ตสำหรับองค์ประกอบที่แตกต่างกัน: สำหรับคณะนักร้องประสานเสียงสี่ส่วนหนึ่งและสองสำหรับคณะนักร้องประสานเสียงหกส่วน ฯลฯ Bortnyansky เป็นนักแต่งเพลงที่มีพรสวรรค์อย่างครอบคลุม นอกจากเพลงประสานเสียงอันศักดิ์สิทธิ์แล้ว เขายังเขียนโอเปร่าและการแต่งเพลงสำหรับกลาเวียร์อีกด้วย หนึ่งในผู้มีชื่อเสียงชาวรัสเซีย นักแต่งเพลงโอเปร่าศตวรรษที่ 18 - เอฟสติกนีย์ อิปาโทวิช โฟมิน เขาได้รับการศึกษาที่ดีเยี่ยมในอิตาลี เป็นสมาชิกของ Bologna Philharmonic Academy ผลงานที่โด่งดังที่สุดของเขาคือโอเปร่า "Coachmen on the base" และ "Orpheus"

นักแต่งเพลง

สไลด์ 6

ศิลปะฆราวาส โดยเฉพาะอย่างยิ่งการละคร ถือเป็นความฟุ่มเฟือยที่เป็นบาป ในปี ค.ศ. 1660 การฟื้นฟู (การฟื้นฟู) ของสถาบันพระมหากษัตริย์เกิดขึ้น: Charles II Stuart ขึ้นครองบัลลังก์ ชีวิตศิลปะกระจุกตัว (เหมือนในรัฐอื่นในขณะนั้น) รอบราชสำนัก พระเจ้าชาลส์ที่ 2 เสด็จกลับภูมิลำเนาจากการย้ายถิ่นฐานของฝรั่งเศส พยายามเลียนแบบพระเจ้าหลุยส์ที่ 14 กิจกรรมของ Royal Chapel กลับมาดำเนินการอีกครั้ง ที่ศาลอังกฤษอิตาลี บริษัทโอเปร่า, พูด นักร้องดังและนักดนตรี นักดนตรีชาวอังกฤษมีโอกาสทำความคุ้นเคยกับความสำเร็จของอาจารย์ชาวอิตาลีและฝรั่งเศสอีกครั้ง

ดนตรีของอังกฤษ ศตวรรษที่ 17 - 18

สไลด์ 7

ดนตรีฝรั่งเศสร่วมกับอิตาลีเป็นหนึ่งในปรากฏการณ์ทางวัฒนธรรมที่สำคัญของศตวรรษที่ 17-18 การพัฒนาศิลปะดนตรีส่วนใหญ่เกี่ยวข้องกับดนตรีโอเปร่าและแชมเบอร์ โอเปร่าฝรั่งเศสได้รับอิทธิพลอย่างมากจากความคลาสสิก (จากภาษาละติน classicus - "แบบอย่าง") - รูปแบบศิลปะที่พัฒนาขึ้นในฝรั่งเศสในศตวรรษที่ 17 ที่ศาลของ "ราชาแห่งดวงอาทิตย์" Louis XIV โอเปร่าครอบครองสถานที่สำคัญ Royal Academy of Music (โรงละครที่มีการแสดงโอเปร่า) กลายเป็นหนึ่งในสัญลักษณ์แห่งความหรูหราของราชสำนักและอำนาจของพระมหากษัตริย์

หากต้องการใช้ตัวอย่างการนำเสนอ ให้สร้างบัญชีสำหรับตัวคุณเอง ( บัญชีผู้ใช้) Google และลงชื่อเข้าใช้: https://accounts.google.com

คำบรรยายสไลด์:

ในรัสเซียในศตวรรษที่ 18 มีการเปลี่ยนแปลงอย่างลึกซึ้ง การปฏิรูปของปีเตอร์ที่ 1 (ค.ศ. 1682-1725) ไม่เพียงแต่ส่งผลกระทบต่อโครงสร้างทางการเมืองของประเทศเท่านั้น แต่ยังส่งผลกระทบอย่างร้ายแรงต่อวัฒนธรรมอีกด้วย ศิลปะฆราวาสเริ่มพัฒนา รูปแบบใหม่ของดนตรีชีวิตปรากฏขึ้น ยืมมาจากยุโรป ดนตรีมาพร้อมกับหน้ากากและลูกบอลมากมายที่จัดขึ้นในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก ปีเตอร์มักจะเข้ามาในเมืองด้วยความเอิกเกริก ด้วยเสียงของวงออเคสตราและบทเพลงรื่นเริง วงดนตรีของทหารและศาลรวมถึงท่อและแตรหลายเครื่องเครื่องสาย พวกเขาเล่นในงานเลี้ยงอาหารค่ำ ล่าสัตว์ เดินเล่น ฯลฯ การแสดงนั้นเรียบง่าย โดยเฉพาะอย่างยิ่งเพลงเคร่งขรึม - cantes (จากภาษาละติน cantus - "ร้องเพลง", "เพลง")

ในยุค 30 ศาลโอเปร่าถูกสร้างขึ้นที่ซึ่งศิลปินชาวอิตาลีเล่น ละครโอเปร่าถูกจัดแสดงบนเวที นักร้องชาวรัสเซียจากคณะนักร้องประสานเสียงเริ่มมีส่วนร่วมในการแสดงทีละน้อย (นักดนตรีมืออาชีพได้รับการฝึกฝนที่นี่) นักแต่งเพลงต่างชาติที่มีชื่อเสียงทำงานในรัสเซีย พวกเขาเป็นผู้กำหนดชีวิตดนตรีของเมืองหลวงจนถึงกลางศตวรรษที่ 18 ฟรานเชสโก อารยา ชาวอิตาลี (ค.ศ. 1709 - ประมาณปี ค.ศ. 1770) ประพันธ์โอเปร่าเรื่องแรกในภาษารัสเซียว่า "เซฟาลและโปรคริส" ในปี ค.ศ. 1755 การแสดงรอบปฐมทัศน์ของโอเปร่าเกิดขึ้น แสดงโดยนักร้องชาวรัสเซีย ในยุค 60s. คีตกวีมืออาชีพในประเทศปรากฏตัวขึ้นซึ่งเป็นตัวแทนของโรงเรียนดนตรีแห่งชาติ พวกเขาทำงานในสาขาโอเปร่า การร้องประสานเสียง และดนตรีบรรเลง

ผู้เชี่ยวชาญที่ดีที่สุดของคอนเสิร์ตประสานเสียงแห่งศตวรรษที่สิบแปด - Maxim Sozontovich Berezovsky (1745-1777) และ Dmitry Stepanovich Bortnyansky (1751 - 1825) คอนแชร์โตของ Bortnyansky เป็นตัวอย่างที่โดดเด่นของเพลงประสานเสียงรัสเซีย ความลับของเสน่ห์ในการประพันธ์เพลงของเขาอยู่ที่ความเรียบง่ายและจริงใจ เขาสร้างคอนแชร์โตจำนวนมากสำหรับการแต่งเพลงที่แตกต่างกัน: สำหรับคณะนักร้องประสานเสียงสี่ส่วนหนึ่งและสองสำหรับคณะนักร้องประสานเสียงหกส่วน ฯลฯ Bortnyansky เป็นนักแต่งเพลงที่มีพรสวรรค์ นอกจากเพลงประสานเสียงอันศักดิ์สิทธิ์แล้ว เขายังเขียนโอเปร่าและการแต่งเพลงสำหรับกลาเวียร์อีกด้วย หนึ่งในนักประพันธ์โอเปร่าชาวรัสเซียที่โดดเด่นแห่งศตวรรษที่ 18 - เอฟสติกนีย์ อิปาโทวิช โฟมิน เขาได้รับการศึกษาที่ดีเยี่ยมในอิตาลี เป็นสมาชิกของ Bologna Philharmonic Academy ผลงานที่โด่งดังที่สุดของเขาคือโอเปร่า "Coachmen on the base" และ "Orpheus"

ศิลปะฆราวาส โดยเฉพาะอย่างยิ่งการละคร ถือเป็นความฟุ่มเฟือยที่เป็นบาป ในปี ค.ศ. 1660 การฟื้นฟู (การฟื้นฟู) ของสถาบันพระมหากษัตริย์เกิดขึ้น: Charles II Stuart ขึ้นครองบัลลังก์ ชีวิตศิลปะมีศูนย์กลาง (เช่นเดียวกับรัฐอื่นๆ ในขณะนั้น) รอบราชสำนัก พระเจ้าชาลส์ที่ 2 เสด็จกลับภูมิลำเนาจากการย้ายถิ่นฐานของฝรั่งเศส พยายามเลียนแบบพระเจ้าหลุยส์ที่ 14 กิจกรรมของ Royal Chapel กลับมาดำเนินการอีกครั้ง ที่ศาลอังกฤษ คณะอุปรากรชาวอิตาลีแสดงการแสดง นักร้องและนักบรรเลงที่มีชื่อเสียง นักดนตรีชาวอังกฤษมีโอกาสทำความคุ้นเคยกับความสำเร็จของอาจารย์ชาวอิตาลีและฝรั่งเศสอีกครั้ง

ทองเหลือง: โอโบ ขลุ่ย คลาริเน็ต ทรัมเป็ต

เครื่องสาย: Shamiset Banjo Mandolin Violin

ในหัวข้อ: การพัฒนาระเบียบวิธี การนำเสนอ และหมายเหตุ

เกี่ยวกับการใช้หนังสือเรียน: V.I. Sakharov, S.A. Zinin "วรรณกรรมแห่งศตวรรษที่ 19" (เกรด 10); วีเอ Chalmaev, S.A. Zinin "วรรณคดีรัสเซียแห่งศตวรรษที่ 20" (เกรด 11)

ในการเปลี่ยนผ่านสู่การศึกษาเฉพาะทาง เราไม่สามารถปฏิเสธความเกี่ยวข้องและความสำคัญของตำราเรียนได้ ขึ้นอยู่กับแนวคิดขององค์ประกอบของรัฐบาลกลางสองระดับ (พื้นฐานและโปรไฟล์) ของมาตรฐานของรัฐ ...

ภาพยนตร์การศึกษาเกี่ยวกับประวัติศาสตร์ของยุคกลาง "นักแต่งเพลง ศิลปิน และกวีแห่ง Tuotilo ศตวรรษที่ 9 (และการตีความบทสวดของเขา "Kyrie, Cunctipotens genitor Deus" (ประมาณ 900))

Tuotilo จากอาราม St. Gall ในการออกเสียงอื่น Tuotilon, Totilo (อังกฤษ Tuotilo of Saint Gall, ประมาณ 850, ไอร์แลนด์ - ประมาณ 915, St. Gallen) - ยุคกลาง k...

โครงร่างของบทเรียน "คริสตจักรคาทอลิกในศตวรรษที่ XI-XII" ประวัติของยุคกลางชั้นประถมศึกษาปีที่ 6

แผนการสอนเรื่องประวัติศาสตร์ยุคกลาง ป.6 โดยใช้องค์ประกอบของเทคโนโลยีการเรียนรู้แบบปัญหาเป็นฐาน ...

วิชาเลือก "ประวัติศาสตร์ของศตวรรษที่ 20 สามารถเปลี่ยนแปลงได้หรือไม่ ประวัติศาสตร์ของศตวรรษที่ 20 ผ่านปริซึมของเหตุการณ์และกิจกรรมของนักปฏิรูป"

โปรแกรม วิชาเลือกการฝึกอบรมเบื้องต้น "ประวัติศาสตร์ของศตวรรษที่ 20 สามารถเปลี่ยนแปลงได้หรือไม่" ถูกรวบรวมเพื่อการศึกษาเชิงลึกเกี่ยวกับประวัติศาสตร์ของปิตุภูมิแห่งศตวรรษที่ 20 คอร์สจะขยายความรู้ที่ได้รับ...

"รัสเซียในศตวรรษที่ 18" - ในตอนท้ายของทุกอย่างมีการเสิร์ฟขนมหวาน โรงเรียนอาชีวศึกษาแห่งแรกก็ปรากฏตัวขึ้นเช่นกัน อาหาร. ตั้งแต่ยุค 60 ในศตวรรษที่ 18 หัวข้อชาวนาจะกลายเป็นหัวข้อชั้นนำในวรรณคดีรัสเซีย ความขัดแย้งหลักของศตวรรษที่ 18 ในรัสเซียคือความขัดแย้งระหว่างเจ้าของที่ดินกับข้าแผ่นดิน แขนเสื้อตกแต่งด้วยงานปักและไข่มุกสีทอง

"วัฒนธรรมของรัสเซียแห่งศตวรรษที่ 18" - ศตวรรษที่ XIX) สถาปัตยกรรมและประติมากรรม ความแปลกใหม่ของการพัฒนา: ส่วนที่ 3 การก่อตัวของวัฒนธรรมของชาติรัสเซีย (ser. โปรแกรมของผู้เขียนของหลักสูตรพิเศษ. ระดับของการพัฒนาที่ละเอียดยิ่งขึ้น Andrey Konstantinovich Nartov. ผลลัพธ์ที่คาดหวังจากการดำเนินการ: เนื้อหาของการพัฒนา. วัตถุประสงค์ของโปรแกรม: วัตถุประสงค์ของโปรแกรม:

"วัฒนธรรมรัสเซียแห่งศตวรรษที่ 18" - ในปี ค.ศ. 1738 โรงเรียนบัลเล่ต์รัสเซียแห่งแรกเปิดขึ้นในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก ประติมากรรมใน รัสเซีย XVIIIใน. วัฒนธรรมรัสเซียในศตวรรษที่ 18 Shubin Fedot Ivanovich (1740-1805) - ประติมากร ผู้ก่อตั้งโรงเรียนไวโอลินรัสเซีย D.I. , Fonvizin - ผู้เขียนคอเมดี้ "โฟร์แมน", "พง" Ivan Evstafievich Khandoshkin - (1747-1804 นักไวโอลินอัจฉริยะชาวรัสเซียนักแต่งเพลงและครู

"โรงละครแห่งศตวรรษที่ 18" - Thomas Gainsborough ภาพเหมือนของลูกสาวของศิลปินที่ยังไม่เสร็จประมาณ พ.ศ. 2305 โรงละครอังกฤษแห่งศตวรรษที่ 18 ให้ความสำคัญกับรายได้มากกว่าปัญหาทางปรัชญา ฟรีดริช ชิลเลอร์สร้างบทละครเกี่ยวกับความรักที่เร่าร้อนและไหวพริบที่หาตัวจับยาก "แมรี่ สจ๊วต" ชัยชนะของรูปแบบการแสดงละครใหม่จำเป็นต้องมีการก่อสร้างอาคารโรงละครแห่งใหม่

"วัฒนธรรมของรัสเซียแห่งศตวรรษที่สิบแปด" - Alexander Nikolayevich Radishchev (1749 - 1802) รัฐรัสเซีย โรงละครวิชาการละครตั้งชื่อตาม Fyodor Volkov (Yaroslavl) Tatyana Vasilievna Shlykova - Granatova Proskovya Ivanovna Kovaleva - Zhemchugova ปราสาทมิคาอิลอฟสกี พระราชวังฤดูหนาวในปีเตอร์สเบิร์ก ทิศทางในวรรณคดี จิตรกรรมและประติมากรรม.

"แฟชั่นแห่งศตวรรษที่ 18" - สุภาพสตรีในศาลสวมชุดรัดรูปต่ำบนฐานเฟรม (รัดตัวและมะเดื่อ) V. Borovikovsky ภาพเหมือนของ M.I. โลกิน่า. แฟชั่นภายใต้ Catherine II (1762-1796) F.Rokotov I.Argunov ภาพเหมือนของ Markina L.A. ภาพเหมือนของ Sheremetyeva V.P. การเปลี่ยนแปลงของ Peter I ใกล้เคียงกับการครอบงำของแฟชั่นฝรั่งเศสในยุโรป

ทั้งหมดมี 24 การนำเสนอในหัวข้อ

สไลด์ 1

ดนตรีแห่งศตวรรษที่ 18

สไลด์2

โยฮันน์ เซบาสเตียน บาค
Johann Sebastian Bach เกิดในปี 1685 ที่ประเทศเยอรมนี ตั้งแต่ปี ค.ศ. 1723 จนกระทั่งถึงแก่กรรมเขาอาศัยอยู่ในเมืองไลพ์ซิก ที่นั่นเขาสร้าง .ของเขา ผลงานที่ดีที่สุดหนึ่งในองค์ประกอบที่โด่งดังที่สุดสำหรับคณะนักร้องประสานเสียง ศิลปินเดี่ยวและออร์เคสตรา "St. Matthew Passion" พื้นฐานของมันคือข้อความของข่าวประเสริฐตามตำนานที่เขียนโดยสาวกของพระคริสต์อัครสาวกแมทธิวซึ่งเล่าถึง วันสุดท้ายพระเยซู ความทุกข์ทรมานและความตายของเขา บาคเติมข้อความนี้ด้วยความหมายใหม่และเปลี่ยนตำนานพระกิตติคุณให้เป็นละครพื้นบ้านที่ฮีโร่เสียสละตัวเองเพื่อความรอดของผู้คนชดใช้บาปของผู้คนด้วยความทุกข์ทรมานของเขาเองและเปิดทางสู่ความรอด พวกเขา. โยฮันน์ เซบาสเตียน บาค เสียชีวิต 1750

สไลด์ 3

โวล์ฟกัง อมาดิอุส โมสาร์ท
. Wolfgang Amadeus Mozart เกิดเมื่อวันที่ 27 มกราคม 2299 ในซาลซ์บูร์กและรับบัพติศมาในวันที่สองของชีวิตในมหาวิหารเซนต์รูเพิร์ต ความถนัดทางดนตรีของ Mozart แสดงออกใน ปฐมวัยเขาอายุประมาณสามขวบ พ่อของเขาเลียวโปลด์เป็นหนึ่งในครูสอนดนตรีชั้นนำของยุโรปในเวลานั้น เขาสอนลูกชายของเขาถึงพื้นฐานในการเล่นฮาร์ปซิคอร์ด ไวโอลิน และออร์แกน ตั้งแต่ปี ค.ศ. 1770 ถึง พ.ศ. 2317 โมสาร์ทอาศัยอยู่ในอิตาลี ในปี ค.ศ. 1771 และ พ.ศ. 2315 โอเปร่าของโมสาร์ท Mithridates, King of Pontus และ Lucio Sulla ได้แสดงในมิลานด้วยความสำเร็จอย่างมาก ในวันเกิดปีที่สิบเจ็ดของนักแต่งเพลง ในบรรดาผลงานของเขามีโอเปร่า 4 บท บทกวีศักดิ์สิทธิ์หลายบท ซิมโฟนี 13 บท โซนาตา 24 บท และการประพันธ์เพลงเล็กๆ มากมาย

สไลด์ 4

ในปี ค.ศ. 1779 นักแต่งเพลงได้รับตำแหน่งออร์แกนศาลในซาลซ์บูร์ก เมื่อวันที่ 26 มกราคม พ.ศ. 2324 โอเปร่า Idomeneo ประสบความสำเร็จอย่างมากโดยเริ่มมีการปฏิรูปศิลปะโคลงสั้น ๆ และนาฏศิลป์ โอเปร่า "การลักพาตัวจาก Seraglio" เขียนขึ้นในปี พ.ศ. 2325 และเผยแพร่อย่างกว้างขวางในประเทศเยอรมนี โมสาร์ทเขียนเรื่องนี้ระหว่างความสัมพันธ์ที่โรแมนติกกับคอนสแตนซ์ เวเบอร์ ซึ่งกลายมาเป็นภรรยาของเขา ตั้งแต่ปี ค.ศ. 1786 นักแต่งเพลงเริ่มกิจกรรมที่อุดมสมบูรณ์ซึ่งทำให้สุขภาพของเขาทรุดโทรม เขาเขียนโอเปร่าเรื่อง The Marriage of Figaro ในเวลาเพียง 6 สัปดาห์ และทันทีที่เขียนเรื่องนี้ เขาก็เริ่มทำงานในโอเปร่า Don Giovanni ซึ่งประสบความสำเร็จมากกว่าในปรากในปี 1787 โมสาร์ทเสียชีวิตเมื่อวันที่ 5 ธันวาคม พ.ศ. 2334 จนถึงขณะนี้ยังไม่มีใครรู้ว่าอะไรเป็นสาเหตุให้นักแต่งเพลงเสียชีวิต

สไลด์ 5

ลุดวิก ฟาน เบโธเฟน (1770-1827) - ผู้ยิ่งใหญ่ นักแต่งเพลงชาวเยอรมัน, นักเปียโน, วาทยกร. เบโธเฟนเกิดเมื่อวันที่ 17 ธันวาคม พ.ศ. 2313 ที่เมืองบอนน์ในครอบครัวนักดนตรี ตั้งแต่วัยเด็กพวกเขาเริ่มสอนให้เขาเล่นออร์แกน ฮาร์ปซิคอร์ด ไวโอลิน ขลุ่ย เป็นครั้งแรกที่นักแต่งเพลง Nefe หมั้นกับ Ludwig อย่างจริงจัง เมื่ออายุได้ 12 ขวบในชีวประวัติของ Ludwig van Beethoven ได้งานแรกของการปฐมนิเทศทางดนตรี - ผู้ช่วยออร์แกนในศาล เบโธเฟนศึกษาหลายภาษา พยายามแต่งเพลง
ลุดวิก ฟาน เบโธเฟน

สไลด์ 6

หลังจากที่แม่ของเขาเสียชีวิตในปี พ.ศ. 2330 เขาได้เข้ารับหน้าที่ทางการเงินของครอบครัว ลุดวิกเบโธเฟนเริ่มเล่นในวงออเคสตราฟังการบรรยายของมหาวิทยาลัย เมื่อบังเอิญไปเจอไฮเดนในเมืองบอนน์ เบโธเฟนจึงตัดสินใจเรียนบทเรียนจากเขา ด้วยเหตุนี้เขาจึงย้ายไปเวียนนา หลังจากพยายามหลายครั้ง Haydn ก็ส่ง Beethoven ไปศึกษากับ Albrechtsberger Haydn ตั้งข้อสังเกตว่าดนตรีของ Beethoven นั้นมืดมนและแปลกประหลาด อย่างไรก็ตาม ในช่วงหลายปีที่ผ่านมา การเล่นเปียโนอัจฉริยะทำให้ลุดวิกได้รับเกียรติเป็นอันดับหนึ่ง ผลงานของเบโธเฟนแตกต่างจากการเล่นกลแบบดั้งเดิม ในอนาคตที่เวียนนางานที่มีชื่อเสียงถูกเขียนขึ้น: มูนไลท์ โซนาตาเบโธเฟน, น่าสงสาร. ในปี ค.ศ. 1802-1812 เบโธเฟนเขียนเพลงโซนาตาด้วยความปรารถนาและความกระตือรือร้นเป็นพิเศษ จากนั้นจึงสร้างผลงานทั้งชุดสำหรับเปียโน เชลโล ซิมโฟนีหมายเลข 9 และพิธีมิสซาอันโด่งดัง ในชีวประวัติของ Ludwig van Beethoven ในช่วงหลายปีที่ผ่านมาชื่อเสียงและความนิยมของนักแต่งเพลงนั้นสูงมาก แม้แต่ผู้มีอำนาจแม้จะมีความคิดที่ตรงไปตรงมาก็ไม่กล้าแตะต้องนักดนตรี อย่างไรก็ตาม ความรู้สึกที่รุนแรงต่อหลานชายของเขา ซึ่งเบโธเฟนอยู่ภายใต้การดูแล ทำให้นักแต่งเพลงชราลงอย่างรวดเร็ว เมื่อวันที่ 26 มีนาคม พ.ศ. 2370 เบโธเฟนเสียชีวิต

สไลด์ 7

ขอบคุณสำหรับความสนใจของคุณและตอนนี้คำถาม:
1บาคเกิดปีอะไร 2 เขาอาศัยอยู่ที่ไหนตลอดเวลานี้? 3 เขาเสียชีวิตในปีใด 4โมสาร์ทอาศัยอยู่ในปีใดและที่ไหน 5 "อิโดเมนี" จัดแสดงในปีใด 6 เขาตายเมื่อไหร่? 7 เบโธเฟนเกิดเมื่อไหร่? 8 ใครเคยร่วมงานกับเขาบ้าง? 9 แม่ตายเมื่อไหร่? 10 เบโธเฟนตายเมื่อใด
1685
ในไลพ์ซิก
1750
27 มกราคม 2299 ในซาลซ์บูร์ก
ในปี ค.ศ. 1781
เมื่อวันที่ 5 ธันวาคม พ.ศ. 2334
ในปี ค.ศ. 1770
เน่
ในปี พ.ศ. 2330
ในปี พ.ศ. 2370