การก่อตัวของการแสดงกีตาร์ของรัสเซีย

1. การเกิดขึ้นของศิลปะการเล่นกีตาร์เจ็ดสายในรัสเซียในช่วงศตวรรษที่ 19 - ต้นศตวรรษที่ 20

ความเป็นเอกลักษณ์ของการมีอยู่ของกีตาร์ในรัสเซียอยู่ที่ การดำรงอยู่คู่ขนานสองพันธุ์ - เจ็ดสายและหกสาย อย่างไรก็ตาม "ส่วนแบ่ง" ในการเล่นดนตรีของพวกเขาแตกต่างออกไป: จากช่วงครึ่งหลังของทศวรรษที่ 20 ของศตวรรษที่ 20 ในช่วงเวลาที่อยู่นอกเหนือขอบเขตของการศึกษาหนังสือเล่มนี้ กีตาร์หกสายได้รับความนิยมมากขึ้น ในขณะเดียวกัน ตลอดเกือบศตวรรษที่ 19 เครื่องดนตรีที่โดดเด่นในการทำดนตรีของรัสเซียคือเครื่องดนตรีประเภทหนึ่งที่สามารถเรียกได้ว่าเป็นเครื่องดนตรีพื้นบ้านของรัสเซีย และไม่เพียงแต่ตามเกณฑ์ทางสังคมที่เกี่ยวข้องกับการมุ่งเน้นไปที่กลุ่มที่ไม่ใช่ชนชั้นสูงในแง่ดนตรีและศิลปะซึ่งเป็นส่วนสำคัญของประชากรรัสเซีย ในกีตาร์เจ็ดสายที่มีการปรับแต่งแบบ "รัสเซีย" แบบพิเศษองค์ประกอบทางชาติพันธุ์ของสัญชาตินั้นไม่ชัดเจนนัก: เป็นเวลากว่าสองศตวรรษที่มีการใช้กันอย่างแพร่หลายในประเทศของเราและยังคงใช้อยู่ในปัจจุบันเพื่อแสดงแนวเพลงดั้งเดิม เพลงชาติ. การปรับแต่งตามเสียงของ G-dur triad เพิ่มขึ้นสองเท่าในอ็อกเทฟและสายล่างเว้นระยะห่างหนึ่งในสี่ปรากฏในรัสเซียในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 และกลายเป็นแบบออร์แกนิกอย่างยิ่งในสภาพแวดล้อมในเมืองที่ผู้คนชอบร้องเพลง บทเพลงและความโรแมนติคพร้อมสูตรการบรรเลงเบสคอร์ดอย่างต่อเนื่อง (ในประเทศ ชีวิตทางดนตรี ต้น XIXศตวรรษ เครื่องดนตรีดังกล่าวมักถูกเรียกว่ากีตาร์ "การจูนแบบโปแลนด์" ในขณะเดียวกันการปรับเสียงของ G-dur triad ก็แพร่หลายในรัสเซียเท่านั้น (ข้อยกเว้นเพียงอย่างเดียวอาจอยู่ในหมู่ผู้อพยพชาวรัสเซียในประเทศอื่น ๆ )
การเล่นดนตรีที่บ้านร่วมกับกีตาร์เจ็ดสายมักจะทำโดยใช้หู - ฟังก์ชั่นฮาร์มอนิกที่ง่ายที่สุดของการเล่นดนตรีประกอบนั้นสามารถเข้าถึงได้อย่างมาก ผู้แต่งเพลงและโรแมนติกส่วนใหญ่มักเป็นมือสมัครเล่นที่ไม่ค่อยมีคนรู้จัก แต่บางครั้งก็เป็นนักแต่งเพลงที่มีชื่อเสียงของศตวรรษที่ 19 ซึ่งเป็นรุ่นก่อนของ M. I. Glinka เช่น A. E. Varlamov, A. L. Gurilev, A. A. Alyabyev, A. I. Dyubyuk , P. P. Bulakhov การแสดงเพลงดังกล่าวเป็น "เจ็ดสาย" เช่น "ระฆังเขย่าอย่างน่าเบื่อ" โดย A. L. Gurilev, "พายุหิมะพัดไปตามถนน" โดย A. E. Varlamov, "อย่าดุฉันที่รัก" โดย A. I. Dubuk และอีกมาก คนอื่นทำให้พวกเขาได้รับความนิยมอย่างกว้างขวาง - ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่พวกเขาเริ่มมีอยู่ในหมู่ประชากรทั่วไปเหมือนกับชาวรัสเซีย เพลงพื้นบ้าน.
ศิลปะของชาวยิปซีรัสเซียมีบทบาทสำคัญในการแพร่กระจายของกีตาร์เจ็ดสาย นักกีตาร์เจ็ดสายที่สง่างามเป็นผู้นำของคณะนักร้องประสานเสียงยิปซีเช่น Ilya Osipovich และ Grigory Ivanovich Sokolov, Alexander Petrovich Vasiliev ต่อมา Nikolai Sergeevich Shishkin, Rodion Arkadyevich Kalabin และคนอื่น ๆ (ดังที่ K. A. Baurov ตั้งข้อสังเกตว่า "นักร้องประสานเสียงยิปซีในรัสเซียกำลังเข้าสู่แฟชั่น ด้วย " ด้วยมืออันบางเบาของ Count A. G. Orlov ขุนนางผู้สูงศักดิ์เจ้าของที่ดินและพ่อค้าที่ร่ำรวยหลายคนได้รับคณะนักร้องประสานเสียงยิปซีของตนเอง")
ในตอนท้ายของศตวรรษที่ 18 กีตาร์เจ็ดสายสามารถได้ยินได้ในร้านเสริมสวยของชนชั้นสูงและแม้แต่ในราชสำนัก แต่เมื่อถึงกลางศตวรรษที่ 19 ก็มีการค้นพบความเป็นประชาธิปไตยที่สำคัญ M. A. Stakhovich ใน "เรียงความเกี่ยวกับประวัติศาสตร์ของกีต้าร์เจ็ดสาย" ตีพิมพ์ครั้งแรกในปี 1854 เขียนว่า: "กีตาร์เจ็ดสายเป็นเครื่องดนตรีที่พบมากที่สุดในรัสเซียเพราะนอกเหนือจากชั้นเรียนที่มีการศึกษาแล้วคนธรรมดายังเล่นมันด้วย ”
ในเวลาเดียวกันเมื่อปลายศตวรรษที่ 18 กีตาร์ประเภทนี้ก็เริ่มพัฒนาขึ้นเพื่อเป็นตัวแทนของศิลปะดนตรีเชิงวิชาการ หากการร้องเพลงในเมืองและความโรแมนติคด้วยการบรรเลงกีตาร์นั้นมีลักษณะเป็นประเพณีการฟังที่ไม่ได้เขียนขึ้น เพลงเดียวกันที่มีไว้สำหรับการแสดงเดี่ยวด้วยกีตาร์ในการเล่นดนตรีที่บ้านก็ถูกตีพิมพ์ในคอลเลกชันเพลงต่างๆ สิ่งเหล่านี้ส่วนใหญ่เป็นรูปแบบต่างๆ - การเรียบเรียงทำนองเพลงพื้นบ้าน ที่นี่ผู้เขียนได้แสดงจินตนาการที่สร้างสรรค์เมื่อตกแต่งธีม "การระบายสี" ที่มีสีสันในตัวเลือกที่หลากหลาย
ผลงานชิ้นสำคัญยังปรากฏสำหรับกีตาร์เจ็ดสายด้วย เมื่อต้นศตวรรษที่ 19 Sonata ของ V. Lvov สำหรับกีตาร์คู่ก็ได้รับการตีพิมพ์ กีตาร์หลายชิ้นเริ่มมีการตีพิมพ์มากขึ้นเรื่อยๆ ลงในคู่มือการสอนและระเบียบวิธีหรือตีพิมพ์ในสิ่งพิมพ์แยกต่างหาก ตัวอย่างเช่น ของจิ๋วจำนวนมาก ซึ่งส่วนใหญ่อยู่ใน ประเภทการเต้นรำ- mazurkas, เพลงวอลทซ์, การเต้นรำของประเทศ, ecosaises, โปโลเนส, รวมถึงเซเรเนด, ความหลากหลายที่สร้างขึ้นโดยนักกีตาร์ - ครูผู้สอนและนักระเบียบวิธีที่มีชื่อเสียง Ignaz Held (1766-1816)

อิกนาซ เกลด์

ของฉันเกือบทั้งหมด ชีวิตที่สร้างสรรค์หลังจากอาศัยอยู่ในรัสเซีย Russified Czech คนนี้ได้ทำสิ่งต่างๆ มากมายเพื่อทำให้การเล่นกีตาร์เชิงวิชาการเป็นที่นิยม ในปี ค.ศ. 1798 “โรงเรียนสอนกีตาร์เจ็ดสาย” ของเขาได้รับการตีพิมพ์ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก โดยมีชื่อเป็นภาษาฝรั่งเศสว่า “Methode facile pour apprendre a pincer la guitare a sept cordes sans maitre” พร้อมด้วยต่างๆ ข้อมูลทางทฤษฎีมีตัวอย่างดนตรีมากมาย - ทั้งที่เรียบเรียงสำหรับกีตาร์และผลงานของผู้แต่งเอง เหล่านี้คือ Prelude, Waltz, Dumka, Polonaise, March, Allegretto; ในตอนท้ายของฉบับยังมีเพลงโซนาต้าสำหรับฟลุตและกีตาร์ เพลงสำหรับไวโอลินและกีตาร์ เสียงและกีตาร์ ฯลฯ
โรงเรียนได้รับการพิมพ์ซ้ำหลายครั้งและเสริมด้วยเนื้อหาใหม่ที่หลากหลาย (โดยเฉพาะ ฉบับที่สามได้ขยายออกไปเพื่อรวมการเรียบเรียงเพลงพื้นบ้านของรัสเซียและยูเครนถึงสี่สิบเพลง) คุณค่าทางศิลปะที่สูงสามารถพิสูจน์ได้จากข้อเท็จจริงที่ว่ามันกลายเป็นพื้นฐานระเบียบวิธีในการสกัดฮาร์โมนิกจากธรรมชาติและเทียม สิ่งนี้ทำโดย S. N. Aksenov ผู้ตีพิมพ์วิธีการนำไปใช้ในส่วนเพิ่มเติมของเขาในการตีพิมพ์และเน้นไว้ที่นี่ในบทที่แยกต่างหาก
“ School for the Seven-String Guitar” โดยอาจารย์ผู้แต่งผลงานดนตรีหลายชิ้น Dmitry Fedorovich Kushenov-Dmitrievsky (ประมาณปี 1772-1835) ก็กลายเป็นปรากฏการณ์สำคัญในยุคนั้นเช่นกัน คู่มือกีตาร์ของเขาคือ “A New and Complete Guitar School แต่งในปี 1808 โดย Kushenov-Dmitrievsky หรือคู่มือการใช้งานกีตาร์ด้วยตนเอง ซึ่งคุณสามารถเรียนรู้การเล่นกีตาร์ได้อย่างถูกต้องด้วยวิธีที่ง่ายที่สุดโดยไม่ต้องอาศัยความช่วยเหลือจาก ครู” ตีพิมพ์ครั้งแรกในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กในปี 1808 ได้รับความนิยมอย่างมากในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 และได้รับการพิมพ์ซ้ำหลายครั้ง แม้ว่าจะเป็นการศึกษาด้วยตนเอง แต่ผู้เขียนเน้นย้ำว่าความสำเร็จในด้านความรู้ส่วนใหญ่ได้มา “ด้วยความช่วยเหลือจากครูที่ดี” ในการตีพิมพ์ School of 1817 ฉบับใหม่ ผู้เขียนระบุอย่างเด็ดขาดยิ่งขึ้นว่า: "... ไม่มีวิทยาศาสตร์ใดที่ไม่จำเป็นต้องมีที่ปรึกษาหรือคำแนะนำเพื่อให้ได้ความรู้ที่สมบูรณ์ ดังนั้นฉันไม่แนะนำให้คุณเริ่มสอนก่อนที่จะพบครูที่มีความสามารถและมีความรู้”
D. F. Kushenov-Dmitrievsky ได้สร้างจินตนาการและเรียบเรียงเพลงพื้นบ้านจำนวนหนึ่งสำหรับกีตาร์เจ็ดสาย และในปี 1818 เขาได้ตีพิมพ์คอลเลคชันกีตาร์ "Interdudel หรือคอลเลคชันของผลงานที่เป็นแบบอย่างสำหรับกีตาร์เจ็ดสาย" ประกอบด้วยตัวเลขดนตรีหนึ่งร้อยหมายเลข โดยเฉพาะอย่างยิ่งการย่อส่วนของตัวเอง การเรียบเรียงดนตรีพื้นบ้าน รวมถึงการถอดเสียงบทละครของ W. A. ​​Mozart, A. O. Sihra, F. Carulli และนักแต่งเพลงคนอื่น ๆ
นักแต่งเพลง - นักไวโอลินชาวรัสเซียที่มีชื่อเสียงในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 - ต้นศตวรรษที่ 19 เป็นผู้เล่นกีตาร์เจ็ดสายที่ยอดเยี่ยม ในหมู่พวกเขาเช่นเดียวกับในสาขาศิลปะ balalaika ก่อนอื่นเราควรพูดถึง Ivan Evstafevich Khandoshkin ผู้เขียนเพลงสำหรับกีตาร์และแต่งเพลงหลายรูปแบบในธีมของเพลงพื้นบ้านรัสเซีย (น่าเสียดายที่ไม่ได้รับการเก็บรักษาไว้) ฉันอยากจะตั้งชื่อในบริบทเดียวกัน Gavriil Andreevich Rachinsky (1777-1843) ซึ่งตีพิมพ์ผลงานกีตาร์ของเขาแล้วในทศวรรษแรกของศตวรรษที่ 19
ความเจริญรุ่งเรืองที่แท้จริงของการเล่นกีตาร์มืออาชีพในประเทศเริ่มต้นด้วยกิจกรรมสร้างสรรค์ของ Andrei Osipovich Sihra (1773-1850) ครูสอนกีตาร์ที่โดดเด่น ในฐานะนักเล่นพิณโดยการฝึกฝนและคล่องแคล่วในการแสดงเครื่องดนตรีนี้เขายังคงอุทิศทั้งชีวิตให้กับการส่งเสริมกีตาร์เจ็ดสาย: ในวัยหนุ่มเขามีส่วนร่วมในกิจกรรมคอนเสิร์ตและจากนั้นในด้านการสอนและการศึกษา

อันเดรย์ โอซิโปวิช ซิห์รา

ในตอนท้ายของศตวรรษที่ 18 Sihra มาจากวิลนีอุสไปยังมอสโกซึ่งเขาเริ่มสนใจกีตาร์ และในปี 1813 เขาก็ย้ายไปเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก คอนเสิร์ตกีตาร์ของเขาตั้งแต่ปี 1801 ทั้งในมอสโกและเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กประสบความสำเร็จอย่างมาก (เป็นเวลานานที่ A. O. Sikhra ยังถือเป็นผู้ประดิษฐ์กีตาร์เจ็ดสายของรัสเซียด้วยซ้ำ ดังนั้น M. A. Stakhovich จึงตั้งข้อสังเกตว่า Sikhra ในตอนท้ายของ ศตวรรษที่ 18 “เขาเกิดความคิดที่จะสร้างเครื่องดนตรีจากกีตาร์หกสายที่มีความสมบูรณ์และใกล้เคียงกับฮาร์ปในอาร์เพจเกียสมากกว่า และในขณะเดียวกันก็ไพเราะมากกว่าฮาร์ปแล้วผูก กีตาร์สายที่ 7 ขณะเดียวกันก็เปลี่ยนโครงสร้างโดยให้สายทั้ง 6 สายเป็นกลุ่มคอร์ดโทนิค 2 คอร์ดในโทนเสียง G-dur [...] ในสายที่ 7 เขาได้วางเบสที่หนาที่สุดซึ่งทำให้ ขึ้นอ็อกเทฟล่าง - re (D) และมีเสียงหลักของโทนเสียงที่โดดเด่นบน G-dur" ข้อมูลเดียวกันนี้ถูกทำซ้ำโดย A. S. Famintsyn โดยเน้นว่า Sihra เมื่อเพิ่มสายที่เจ็ดแล้วได้เปลี่ยนการปรับแต่ง "นำมันมา ใกล้ชิดกับเครื่องดนตรีพิเศษของเขามากขึ้น - พิณ” แม้ว่าข้อมูลนี้จะไม่พบหลักฐานสารคดีใด ๆ แต่มีสิ่งหนึ่งที่เถียงไม่ได้: ผ่านกิจกรรมของเขานักดนตรีเช่นเดียวกับนักเรียนของเขามีส่วนอย่างมากทำให้กีตาร์ประเภทนี้ได้รับความนิยมอย่างกว้างขวางในรัสเซีย ).
A. O. Sihra ประสบความสำเร็จเป็นพิเศษจากผลงานเพลงของเขา ซึ่งต่อมาเรียกว่า "นิตยสาร" ดังนั้นในปี 1800 สิ่งพิมพ์ดังกล่าวจึงได้รับการตีพิมพ์ภายใต้ชื่อภาษาฝรั่งเศส "Journal pour la Guittare a sept cordes par A. Sychra" ("Journal for a guitar with seven strings by A. Sychra") นิตยสารดังกล่าวประสบความสำเร็จอย่างเห็นได้ชัด โดยเห็นได้จากการออกใหม่ในอีกสองปีต่อมา มีการเรียบเรียงเพลงพื้นบ้านของรัสเซีย การเรียบเรียงดนตรีคลาสสิก และการเรียบเรียงเพลงเต้นรำแบบย่อส่วน
ในทศวรรษต่อมาจนถึงปี 1838 นักดนตรีได้ตีพิมพ์นิตยสารกีตาร์ที่คล้ายกันหลายฉบับ ซึ่งนำเสนอผลงานที่หลากหลาย การถอดเสียงจากดนตรีโอเปร่า ความรัก เพลงและการเต้นรำ ธีมที่หลากหลายจากผลงานคลาสสิก ฯลฯ ทั้งหมดนี้มีขนาดใหญ่ ระดับขอบเขตมีส่วนทำให้ความนิยมของเครื่องดนตรีเพิ่มขึ้น
นิตยสารที่โด่งดังเป็นพิเศษคือนิตยสารที่ตีพิมพ์ตั้งแต่ปี 1826 ภายใต้ชื่อ "นิตยสารปีเตอร์สเบิร์กสำหรับกีตาร์ จัดพิมพ์โดย Sikhroy ซึ่งมีการเรียบเรียงหลากหลายประเภทที่ฟังสบายหูและเล่นง่าย" ในช่วงปีสุดท้ายของชีวิตเขาส่วนใหญ่แต่งเพลงสำหรับกีตาร์คู่หนึ่งและตัวเขาเองได้แสดงเทสซิทูราส่วนล่างซึ่งเป็นส่วนที่สองและมอบความไว้วางใจกีตาร์เติร์ตตัวแรกที่สูงกว่าให้กับนักเรียนคนหนึ่งของเขา .
กิจกรรมระเบียบวิธีของนักดนตรีก็มีความสำคัญเช่นกัน ในปี ค.ศ. 1850 “โรงเรียนทฤษฎีและปฏิบัติสำหรับกีตาร์เจ็ดสาย” ของเขาปรากฏตัวในสามส่วน (ส่วนแรกคือ “กฎของดนตรีโดยทั่วไป” ส่วนที่สองคือแบบฝึกหัดทางเทคนิค สเกลและอาร์เพจจิโอ ส่วนที่สามคือเนื้อหาทางดนตรี ส่วนใหญ่มาจากผลงานของลูกศิษย์ของ Sihra) ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 F. T. Stellovsky ซึ่งเป็นผู้ตีพิมพ์โรงเรียนซ้ำหลายครั้ง ได้ขยายขอบเขตละครอย่างมีนัยสำคัญโดยเพิ่มการเรียบเรียงผลงานมากมายโดยนักประพันธ์เพลงคลาสสิก
คู่มือการสอนและการสอนที่สำคัญอีกเล่มหนึ่งคือ "กฎการปฏิบัติที่ประกอบด้วยแบบฝึกหัดสี่ประการ" โดย A. O. Sihra ซึ่งเป็นโรงเรียนมัธยมปลายสำหรับพัฒนาทักษะทางเทคนิคของนักกีตาร์ สารานุกรมเทคนิคและวิธีการเล่นกีตาร์เจ็ดสายในยุคนั้น แม้ว่าจะรวมเฉพาะ etudes ไว้ที่นี่ แต่โดยพื้นฐานแล้วสิ่งเหล่านี้เป็นตัวแทนของบทละครที่ขยายออกไป ดังนั้น จึงจะกล่าวถึงในส่วนที่แยกต่างหากของบทนี้
Sihra เป็นคนแรกที่สร้างกีตาร์เจ็ดสายให้เป็นเครื่องดนตรีเดี่ยวเชิงวิชาการ ซึ่งให้ความรู้ด้านสุนทรียศาสตร์แก่นักกีตาร์สมัครเล่นหลากหลายกลุ่ม เขาฝึกฝนนักเรียนจำนวนมากและที่สำคัญที่สุดคือสร้างโรงเรียนการแสดงของเขาเองในฐานะทิศทางศิลปะโดยให้ความสนใจอย่างเต็มที่ต่อความเป็นปัจเจกบุคคลเชิงสร้างสรรค์ของนักเรียนและการกระตุ้นการคิดทางศิลปะของเขา การผสมผสานระหว่างชั้นเรียนศิลปะการแสดงและการแต่งเพลง ดนตรีที่มีความแพร่หลายในการดัดแปลงเนื้อหาเพลงพื้นบ้าน ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่งานสอนกีตาร์ของ Sihra มีมูลค่าสูงเช่นโดยนักแต่งเพลงชื่อดังเช่น A. E. Varlamov, M. I. Glinka, A. S. Dargomyzhsky
ด้วยการทำงานร่วมกับนักเรียนมากมายเพื่อให้ได้เสียงกีตาร์ที่ละเอียดอ่อนและซับซ้อน นักดนตรีคนนี้ไม่ได้มุ่งมั่นที่จะพัฒนาการเล่นคานทิเลนา แต่เปรียบกีตาร์กับพิณ ตัวอย่างเช่นนักดนตรีเรียกเลกาตะที่แสดงออกซึ่งเล่นกับ "ยิปซี" vibrato มากมายโดยหนึ่งในผู้ติดตามที่มีความสามารถมากที่สุดของเขาแม้ว่าแน่นอนว่าเขาไม่ได้ป้องกันคุณลักษณะของสไตล์การแสดงของเขาจากการถูกเปิดเผยเนื่องจากในขณะที่ M. G. Dolgushina หมายเหตุ เขาถือว่ามันเป็น "นักเรียนที่ดีที่สุดของเขาและสร้างผลงานที่ซับซ้อนทางเทคนิคจำนวนหนึ่งโดยเฉพาะสำหรับเขา" นักเรียนคนนี้คือ Semyon Nikolaevich Aksenov (1784-1853) ในช่วงทศวรรษที่ 1810-1830 เขาอาจเป็นผู้สนับสนุนเครื่องดนตรีที่โดดเด่นที่สุด แม้ว่ากิจกรรมหลักของเขาคือการรับราชการในฐานะเจ้าหน้าที่คนสำคัญ (หลังจากย้ายจากมอสโกวไปยังเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กในปี พ.ศ. 2353 S. N. Aksenov เริ่มมีอาชีพราชการที่รวดเร็ว: ด้วย พ.ศ. 2366 (ค.ศ. 1823) ดำรงตำแหน่งเจ้าหน้าที่พิเศษภายใต้รัฐมนตรีว่าการกระทรวงกลาโหมรัสเซีย ดำรงตำแหน่งเดียวกันในกระทรวงกองทัพเรือเป็นเวลานาน เป็นสมาชิก ยศทหารพันเอก.)

เซมยอน นิโคลาวิช อัคเซนอฟ

การเล่นของ S. N. Aksenov โดดเด่นด้วยความไพเราะที่ไม่ธรรมดา น้ำเสียงที่อบอุ่น และในขณะเดียวกันก็มีคุณธรรมที่ยอดเยี่ยม นักดนตรีมีส่วนสำคัญในการปรับปรุงเทคนิคการแสดง: ตามที่ระบุไว้แล้วเขาเป็นคนแรกที่พัฒนาระบบฮาร์โมนิกเทียมบนกีตาร์เจ็ดสายอย่างระมัดระวัง ในปีพ.ศ. 2362 เขายังได้ทำการเพิ่มเติมครั้งสำคัญในการออก "School" ของ I. Held อีกครั้ง ซึ่งไม่เพียงแต่มีบทเกี่ยวกับฮาร์โมนิกเท่านั้น แต่ยังมีบทละครและการเรียบเรียงเพลงพื้นบ้านใหม่ ๆ อีกมากมาย
กิจกรรมที่สำคัญที่สุดประการหนึ่งของ Aksenov คือการตรัสรู้ทางดนตรี โดยเฉพาะอย่างยิ่งในช่วงทศวรรษที่ 1810 เขาเริ่มตีพิมพ์ "นิตยสารใหม่สำหรับกีตาร์เจ็ดสาย ทุ่มเทให้กับคนรักดนตรี" ซึ่งเขาตีพิมพ์บทถอดเสียงเพลงโอเปร่ายอดนิยมมากมายและรูปแบบของเขาเองในธีมของเพลงพื้นบ้านรัสเซีย ภายใต้อิทธิพลของความหลงใหลในเพลงพื้นบ้านของรัสเซียของนักกีตาร์ A.O. Sihra อาจารย์ของเขาเริ่มให้ความสำคัญกับการดัดแปลงเพลงพื้นบ้านมากขึ้น
ในบรรดานักเรียนกลุ่มแรกของ A. O. Sihra ควรกล่าวถึง Vasily Sergeevich Alferev (1775-ca. 1835) ด้วย ในปี พ.ศ. 2340 จินตนาการของเขาในธีมของเพลงพื้นบ้านรัสเซีย "ฉันทำให้คุณเสียใจ" ได้รับการตีพิมพ์และในปี พ.ศ. 2351 เขาเริ่มตีพิมพ์ "Russian Pocket Songbook for the Seven-String Guitar" ฉบับรายเดือน ประกอบด้วย "เพลงที่มีรูปแบบต่างๆ" มากมาย การแสดงย่อของแต่ละเพลง การถอดเสียงเพลงโอเปร่ายอดนิยมในเวลานั้น ผลงานดนตรีคลาสสิก ความโรแมนติกสำหรับเสียงร้องและกีตาร์ นอกจากนี้ยังมีการเผยแพร่การเต้นรำที่ทันสมัยต่าง ๆ ที่นี่สำหรับทั้งกีตาร์เดี่ยวและกีตาร์คู่ (V. S. Alferyev ยังเป็นสมาชิกของ "Free Society of Lovers of Russian Literature" ดังที่ M. G. Dolgushina ตั้งข้อสังเกตว่า "ประกาศเป้าหมายการกุศลเป็นหลักนำมารวมกัน ตัวแทนผู้สนใจจำนวนมาก ชนชั้นสูง" นักดนตรียังเป็นคนรักและนักสะสมนิทานพื้นบ้านรัสเซียอีกด้วย ตามหนังสือเล่มเดียวกันในนิตยสารที่ตีพิมพ์โดยสังคมนี้ความรักของ V. S. Alferyev และ S. N. Aksenov ได้รับการตีพิมพ์เป็นประจำเป็นอาหารเสริมทางดนตรี - สร้างขึ้นจากคำพูดของกวีร่วมสมัยเป็นหลัก)
ในบรรดานักเรียนของ A. O. Sihra ก็คือ Fyodor Mikhailovich Zimmerman (1813-1882) นักกีตาร์ที่มีพรสวรรค์ ผู้ร่วมสมัยมักเรียกเขาว่า "ปากานินีแห่งกีตาร์" ประหลาดใจกับเทคนิคความเป็นอิสระและความคล่องตัวของมือของเขา "ราวกับว่าแต่ละมือไม่มีห้านิ้ว แต่มีสิบนิ้ว" เขาเล่นกีตาร์ด้นสดอย่างสวยงามสร้างผลงานที่แตกต่างกันมากมาย - จินตนาการ , เพลงวอลทซ์, มาซูร์คัส, สเก็ตช์ภาพ และอื่นๆ
Vasily Stepanovich Sarenko (1814-1881) ก็ทิ้งร่องรอยที่เห็นได้ชัดเจนไว้ในศิลปะกีตาร์เช่นกัน

วาซิลี สเตปาโนวิช ซาเรนโก

นักแต่งเพลงและนักเปียโนชาวรัสเซียผู้โด่งดังแห่งศตวรรษที่ 19 ผู้แต่งเพลงยอดนิยมและโรแมนติกมากมาย A. I. Dubuk โดดเด่นด้วยงานศิลปะของเขาดังนี้: “ ผู้เล่นเป็นชั้นหนึ่งและรู้จักดนตรีอย่างดีเยี่ยม มีรสนิยมและจินตนาการมากมายและเป็น โดยทั่วไปแล้วเป็นนักดนตรีที่มีการพัฒนาอย่างครอบคลุม เขาเล่นได้อย่างสง่างาม สะอาด ราบรื่น; สายของเขาร้องทั้งจังหวะเร็วและช้า” บทละครและภาพร่างที่แต่งโดย V. S. Sarenko มักจะเต็มไปด้วยท่วงทำนองที่แสดงออกและเนื้อสัมผัสที่ได้รับการพัฒนา เขายังเรียบเรียงและถอดเสียงกีตาร์อีกมากมาย นอกจากนี้ยังควรค่าแก่การกล่าวถึงนักเรียนที่มีพรสวรรค์ของ A. O. Sihra เช่น Pavel Feodosievich Belosein ซึ่งกลายเป็นครูสอนกีตาร์ที่ยอดเยี่ยมและเป็นนักเขียนเพชรประดับมากมาย
Vladimir Ivanovich Morkov (1801-1864) ยังเป็นนักเรียนที่มีการศึกษาสูงของ A. O. Sihra

วลาดิมีร์ อิวาโนวิช มอร์คอฟ

(ภาพเหมือนที่แสดงสร้างขึ้นในปี พ.ศ. 2382 เป็นของพู่กันของศิลปินชาวรัสเซียผู้มีชื่อเสียง Vasily Andreevich Tropinin (พ.ศ. 2319-2400) ซึ่งเป็นข้ารับใช้ในตระกูลขุนนางใหญ่ของ Morkov มันถูกเก็บไว้ในพิพิธภัณฑ์ State Russian แห่ง St. เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก ในปี 2550 “ Portrait of V. I. Morkov” ตีพิมพ์ในเล่มที่สามของซีรีส์ "The Russian Museum Presents ภาพวาดของครึ่งแรกของศตวรรษที่ 19 Almanac" (ฉบับที่ 193) V. A. Tropinin หันไปที่ภาพของ นักกีตาร์มากกว่าหนึ่งครั้ง หนึ่งในเวอร์ชันของรูปภาพดังกล่าว สืบมาจากปี 1823 และเก็บไว้ในรัฐ หอศิลป์ Tretyakovเพราะมีสีสันหลากสีสันของต้นฉบับอยู่บนปกหนังสือ) เขาเป็นเจ้าของผลงานการเรียบเรียงดนตรีคลาสสิกหลายชิ้นที่มีไว้สำหรับกีตาร์ตัวหนึ่งและสองตัว นอกจากนี้เขายังตีพิมพ์ "School for the Seven-string Guitar" และในปี พ.ศ. 2404 เขาได้เขียนบทนำยี่สิบสี่สำหรับกีตาร์ในคีย์หลักและรองทั้งหมด (นอกเหนือจากการเล่นกีตาร์แล้ว V. I. Morkov ยังเป็นนักวิจารณ์เพลงอีกด้วยซึ่งเป็นผู้เขียนบทความต่างๆ และบทวิจารณ์ในหนังสือพิมพ์และนิตยสารในเมืองหลวง เขาได้สร้างผลงานด้านดนตรี รวมถึงหนังสือ "Historical Sketch of Russian Opera from its beginning to 1862" ซึ่งตีพิมพ์ในปี พ.ศ. 2405 ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก ซึ่งดึงดูดความสนใจของชุมชนดนตรีในเรื่องนั้น เวลา บทความเกี่ยวกับเรื่องนี้เขียนโดยนักวิจารณ์ชาวรัสเซียผู้โด่งดัง A. N. Serov ในขณะเดียวกันดนตรีไม่ใช่อาชีพของ V. I. Morkov - เขามีตำแหน่งสมาชิกสภาแห่งรัฐเต็มเวลาระดับสูงสถานที่รับราชการหลักของเขาคือกรมรายงานทหาร .)
หนึ่งในบุคคลที่โดดเด่นที่สุดในการพัฒนาการแสดงกีตาร์ของรัสเซียคือ Mikhail Timofeevich Vysotsky (1791-1837)

มิคาอิล ทิโมเฟเยวิช วือซอตสกี้

คนแรกที่แนะนำเขาให้รู้จักกับเครื่องดนตรีนี้คือ S. N. Aksenov ซึ่งกลายเป็นที่ปรึกษาของเขาด้วย
สไตล์การแสดงของ M. T. Vysotsky โดดเด่นด้วยจินตนาการที่สร้างสรรค์ในท่วงทำนองเพลงพื้นบ้านที่หลากหลาย ทักษะด้านเทคนิคที่ไม่ธรรมดา และการแสดงออกทางดนตรีที่ไม่ธรรมดา “การเล่นของเขาโดดเด่นด้วยความแข็งแกร่งและโทนเสียงที่คลาสสิก ด้วยความเร็วและความกล้าหาญที่ไม่ธรรมดา เธอก็แสดงออกถึงความจริงใจและความไพเราะอันอ่อนโยนในเวลาเดียวกัน เขาเล่นได้อย่างอิสระโดยไม่ต้องใช้ความพยายามแม้แต่น้อย ดูเหมือนจะไม่มีปัญหาสำหรับเขา [... ] เขาประหลาดใจกับความคิดริเริ่มของเลกาโตที่ไพเราะและความหรูหราของอาร์เพจจิโอซึ่งเขาผสมผสานพลังของพิณเข้ากับความไพเราะของไวโอลิน การเล่นของเขาสะท้อนให้เห็นถึงสไตล์การแต่งเพลงดั้งเดิมที่พิเศษ การเล่นของเขามีเสน่ห์ดึงดูดผู้ฟังและทิ้งความประทับใจที่ลบไม่ออกตลอดไป [... ] Vysotsky มีการเล่นอีกประเภทหนึ่งที่ทำให้คนรุ่นเดียวกันของเขาประหลาดใจ: ตัวเขาเองเรียกมันว่า "การทดสอบ" หรือ "คอร์ด" มันเป็นการเล่นหน้าฟรีจริงๆ เขาสามารถโหมโรงในข้อความที่หรูหราที่สุด การปรับ พร้อมคอร์ดมากมายไม่รู้จบและในเรื่องนี้เขาก็ไม่เหน็ดเหนื่อย” V. A. Rusanov เขียนเกี่ยวกับเขา
M. T. Vysotsky สร้างการเรียบเรียงและการถอดความผลงานมากมายโดยนักแต่งเพลงคลาสสิกโดยเฉพาะผลงานของ W. A. ​​Mozart, L. Beethoven, D. Field และเขียนงานย่อส่วนมากมายสำหรับกีตาร์ - โหมโรง, จินตนาการ, ชิ้นส่วนในแนวเต้นรำ ส่วนที่มีค่าที่สุดของมรดกการประพันธ์เพลงของเขาคือรูปแบบต่างๆ ของเพลงพื้นบ้านของรัสเซีย ซึ่งจะกล่าวถึงต่อไป
นักดนตรีเป็นตัวแทนของรูปแบบการแสดงด้นสดและหู และด้วยเหตุนี้เขาจึงใกล้เคียงกับการทำดนตรีพื้นบ้านของรัสเซียแบบดั้งเดิม รูปแบบทางศิลปะที่สูงในธีมของเพลงพื้นบ้านรัสเซียซึ่งมักแสดงในปัจจุบันไม่ได้ถูกบันทึกโดยเขาและนักเรียนของเขาเท่านั้นที่บันทึกในข้อความดนตรีในภายหลัง (V.A. Rusanov ยังตั้งข้อสังเกตถึงศิลปะด้นสดที่ไม่ธรรมดาของนักกีตาร์: "ครั้งหนึ่งได้มา ถึง A.I. Dubuc ในระหว่างบทเรียนและได้ยิน etudes ของ Kramer แสดงโดยนักเรียนของเขา Vysotsky รู้สึกยินดีและคว้ากีตาร์เริ่มทำซ้ำและเปลี่ยนแปลง etudes เหล่านี้ในลักษณะที่ A. I. Dyubuque ประหลาดใจ เขาแนะนำให้ Vysotsky เขียนแฟนตาซีนี้และ เขาเองก็ยอมรับว่านี่คือการมีส่วนร่วมอย่างแข็งขัน")
วิธีการสอนของ M. T. Vysotsky ก็สอดคล้องกันเช่นกันซึ่งประกอบด้วยการถ่ายทอดทักษะการเล่นเครื่องดนตรีโดยเฉพาะ "จากมือ" และ "จากนิ้ว" ของครูโดยพิจารณาจากความประทับใจจากการได้ยินของนักเรียน อย่างไรก็ตาม งานสอนของเขาประสบผลสำเร็จมาก สไตล์การแสดงที่ได้รับแรงบันดาลใจจากนักกีตาร์สร้างบรรยากาศที่สร้างสรรค์อย่างแท้จริงในบทเรียน เป็นแรงบันดาลใจให้กับนักเรียน และได้รับการชื่นชมอย่างมากจากผู้ที่มีโอกาสเรียนร่วมกับเขา (Vysotsky บันทึกประสบการณ์การสอนของเขาไม่นานก่อนที่เขาจะเสียชีวิตใน "โรงเรียนภาคปฏิบัติและทฤษฎีสำหรับ Guitar” ซึ่งตีพิมพ์ในมอสโกในปี พ.ศ. 2379 อย่างไรก็ตาม ไม่ว่าในแง่ของความสำคัญของคำแนะนำด้านระเบียบวิธีหรือในแง่ของปริมาณและความสม่ำเสมอของละครที่นำเสนอ (โรงเรียนมีเพียง 24 หน้า) ก็ไม่ได้มีบทบาทสำคัญใน การพัฒนาการแสดงกีตาร์ของรัสเซีย) โดยเฉพาะอย่างยิ่งกวีอายุสิบหกปี M. Yu. Lermontov เรียนกีตาร์จากเขาซึ่งอุทิศบทกวี "เสียง" ให้กับครูของเขา
นักกีตาร์ปลูกฝังความรักในเพลงพื้นบ้านรัสเซียให้กับนักเรียนของเขาอย่างแข็งขัน ไม่ใช่เรื่องบังเอิญที่ในหมู่นักเรียนของเขาคือมิคาอิลอเล็กซานโดรวิชสตาโควิช (พ.ศ. 2362-2401) นักนิทานพื้นบ้านชาวรัสเซียผู้โด่งดังผู้แต่งคอลเลกชันเพลงพื้นบ้านพร้อมกีตาร์คลอนักกวีและนักเขียนซึ่งเขียนหนังสือตีพิมพ์เล่มแรกเกี่ยวกับต้นกำเนิดของการแสดงกีตาร์ของรัสเซียด้วย - “ เรียงความเกี่ยวกับประวัติความเป็นมาของกีตาร์เจ็ดสาย” "(SPb., 1864) นักเรียนของ M. T. Vysotsky ยังเป็น Ivan Egorovich Lyakhov (1813-1877) ผู้แต่งบทละครและการเรียบเรียงจำนวนหนึ่ง Alexander Alekseevich Vetrov ผู้สร้างคอลเลกชัน "100 เพลงพื้นบ้านของรัสเซีย" บทละครและการเรียบเรียงกีตาร์เจ็ดสายพื้นบ้าน วงจรการเปลี่ยนแปลงเพลง นักกีตาร์ - ผู้นำคณะนักร้องประสานเสียงยิปซีหลายคนเช่น I. O. Sokolov, F. I. Gubkin และคนอื่น ๆ ก็ศึกษากับ M. T. Vysotsky เช่นกัน
ตั้งแต่ครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 ศิลปะกีตาร์ของรัสเซียก็เริ่มเสื่อมถอยลงเช่นเดียวกับศิลปะการประพันธ์เพลงสดุดี แต่ถ้าพิณเริ่มหายไปจากการเล่นดนตรีในชีวิตประจำวันกีตาร์ก็ยังคงเป็นเครื่องดนตรีประกอบที่ไม่เปลี่ยนแปลงเท่า ๆ กันในสาขาเพลงเมืองและโรแมนติกการร้องเพลงยิปซีก็ค่อยๆสูญเสียความสำคัญในสังคมในบ้านเนื่องจากระดับอาชีพที่ลดลง นักกีตาร์ ในช่วงเวลานี้นักแสดงและครูที่โดดเด่นเช่น Sihra, Vysotsky หรือ Aksenov ไม่ปรากฏ อุปกรณ์ช่วยสอนที่จริงจังเกือบจะหยุดเผยแพร่และคู่มือการสอนด้วยตนเองที่ตีพิมพ์ส่วนใหญ่ได้รับการออกแบบมาเพื่อตอบสนองความต้องการที่ไม่โอ้อวดของคนรักในชีวิตประจำวัน การเล่นดนตรีและมีเพียงตัวอย่างยอดนิยมของความรัก เพลง การเต้นรำ มักจะมีคุณภาพต่ำ (ในเรื่องนี้ เป็นที่น่าสนใจที่จะอ้างถึงข้อสังเกตของ A. S. Famintsyn: “ การได้กลายเป็นเครื่องมือของการไหลเวียนของร้านจำหน่ายเครื่องแต่งกายบุรุษในหมู่ชนชั้นล่างของสังคม สัญลักษณ์ของอารยธรรมชนชั้นกลางกีตาร์กลายเป็นคำหยาบคายเสียงของมันเริ่มทำหน้าที่เป็นส่วนประกอบของความรักที่ "อ่อนไหว" ซ้ำซาก การเล่นกีตาร์ในเครื่องดนตรี "ขี้เลื่อย" ซึ่งเป็นวัตถุทางการค้าในร้านขายยาสูบกลายเป็นสัญญาณ รสนิยมแย่ๆ ในสังคม กีตาร์ก็หายไปหมด)
กระแสความสนใจของสาธารณชนต่อกีตาร์ในรัสเซียเกิดขึ้นในช่วงปลายศตวรรษที่ 19 และต้นศตวรรษที่ 20 ในช่วงหลายปีที่ผ่านมา กิจกรรมของนักกีตาร์ นักแสดง และครูที่มีชื่อเสียงเป็นที่รู้จักอย่างกว้างขวาง ในหมู่พวกเขาก่อนอื่นฉันอยากจะตั้งชื่อ Alexander Petrovich Solovyov (1856-1911) “ School for the Seven-String Guitar” (1896) ที่สร้างและจัดพิมพ์โดยเขากลายเป็นส่วนสำคัญในการพัฒนาวิธีการสอนเครื่องดนตรี (ในปี 1964 โรงเรียนของ A. P. Solovyov ได้รับการตีพิมพ์ซ้ำ (แก้ไขโดย R. F. Meleshko) โดยสำนักพิมพ์ "ดนตรี.") . ส่วนแรกของคู่มือประกอบด้วยเนื้อหาทางทฤษฎีที่ครอบคลุม แบ่งออกเป็น 25 บทเรียน โดยนำเสนออย่างมืออาชีพและในขณะเดียวกันก็เข้าถึงได้ ส่วนอื่นๆ ของโรงเรียนประกอบด้วยแบบฝึกหัดทางเทคนิคอันทรงคุณค่าและบทเพลง - การถอดเสียงผลงานคลาสสิกของรัสเซียและยุโรปตะวันตก การเรียบเรียงเพลงพื้นบ้าน

อเล็กซานเดอร์ เปโตรวิช โซโลเวียฟ

นอกจากนี้ A.P. Solovyov ยังได้จัดเตรียมกีตาร์จำนวนมากซึ่งขยายความเข้าใจของผู้ฟังเกี่ยวกับวิธีการทางศิลปะของเครื่องดนตรีอย่างมีนัยสำคัญ อย่างน้อยก็เพียงพอแล้วที่จะกล่าวถึง Hungry Rhapsodies ครั้งที่สองและหกของ F. Liszt เรื่อง “Dance of Death” โดย C. Saint-Saëns ผลงานของ L. Beethoven, F. Chopin, F. Mendelssohn นอกจากนี้เขายังตีพิมพ์อัลบั้มสี่ชุดที่มีการเรียบเรียงเพลงพื้นบ้านของยูเครนและคอลเลกชันสี่สิบชุด โรแมนติกยิปซีสำหรับเสียงร้องและกีตาร์ ผลงานสำหรับการร้องคู่ ทริโอ และวงกีตาร์ เขาเขียนบทประพันธ์มากกว่าสามร้อยบท ซึ่งแปดสิบห้าบทได้รับการตีพิมพ์
ในบรรดานักเรียนที่มีชื่อเสียงของ A.P. Solovyov เราควรชื่อ Vasily Mikhailovich Yuryev (2424-2505), Viktor Georgievich Uspensky (2422-2477), Vladimir Nilovich Berezkin (2424-2488), มิคาอิล Fedorovich Ivanov (2432-2496), Sergei Alexandrovich Kurlaev (พ.ศ. 2428-2505).
แต่นักเรียนที่ฉลาดที่สุดของ Solovyov คือ Valerian Alekseevich Gusanov (2409-2461) เขามีบุคลิกที่หลากหลายผิดปกติ: ครูผู้แต่งผลงานดนตรีและที่สำคัญที่สุดคือนักประวัติศาสตร์และผู้สนับสนุนกีตาร์ที่มีชื่อเสียง (เป็นที่น่าสังเกตว่า V. A. Rusanov ยังได้รับชื่อเสียงในฐานะหัวหน้าของ Moscow Society of Lovers of Playing Folk Instruments ภายใต้กรอบที่เขาจัดวงดนตรีพื้นบ้าน -วงดนตรีบรรเลงซึ่งมีองค์ประกอบที่แตกต่างอย่างชัดเจนจากที่ปลูกโดย V.V. Andreev และเพื่อนร่วมงานของเขาซึ่งจะกล่าวถึงด้านล่าง ในการแต่งเพลงบรรเลงนี้ balalaikas อยู่ร่วมกับแมนโดลิน กีตาร์ และเปียโน ).
มันคือ V. A. Rusanov ที่สามารถรวมนักกีตาร์ชาวรัสเซียเข้าด้วยกันโดยจัดพิมพ์นิตยสาร All-Russian "Guitarist" ซึ่งมีตั้งแต่ปี 1904 ถึง 1906 พวกเขา
มีการเขียนบทความจำนวนมากในนิตยสาร "Music of the Guitarist", "Chord" และมีการตีพิมพ์บทความที่มีรายละเอียดมากมาย - "Guitar and Guitarists", "Catechism of the Guitar" และอื่น ๆ อีกมากมาย สิ่งพิมพ์ที่สำคัญอย่างยิ่งคือหนังสือของเขา "Guitar in Russia" ซึ่งเป็นครั้งแรกใน วรรณคดีรัสเซียนำเสนออย่างมาก ประวัติโดยละเอียดเครื่องมือ.

วาเลเรียน อเล็กเซวิช รูซานอฟ

กิจกรรมการสอนของ V. A. Rusanov ก็ประสบผลสำเร็จเช่นกัน ตัวอย่างเช่น นักเรียนของเขาคือ P. S. Agafoshin ซึ่งในช่วงครึ่งหลังของปี 1920 - 1930 ได้กลายเป็นผู้นำของครูประจำบ้านและนักระเบียบวิธีการในสาขากีตาร์หกสาย
ในบรรดานักกีตาร์แห่งต้นศตวรรษที่ 20 ฉันอยากจะพูดถึง Vasily Petrovich Lebedev (พ.ศ. 2410-2450) ผู้แต่งผลงานและการเรียบเรียงที่หลากหลายสำหรับกีตาร์เจ็ดและหกสายซึ่งเป็นนักแสดงที่ยอดเยี่ยม ฉันอยากจะทราบว่าในปี พ.ศ. 2441 V.V. Andreev เชิญเขาให้ทำงานเป็นครูสอนเล่นเครื่องดนตรีพื้นบ้านและดนตรีพื้นบ้านในกองทหารองครักษ์ของเขตทหารเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก
ที่นี่ V.P. Lebedev ดำเนินงานด้านดนตรีและการศึกษาที่หลากหลาย เขาแสดงเป็นศิลปินเดี่ยวด้วยกีตาร์เจ็ดสายในคอนเสิร์ตของ Great Russian Orchestra ชอบห้องและเสียงที่นุ่มนวลของมัน (ทัวร์ของ V. P. Lebedev กับ Great Russian Orchestra ของ V. V. Andreev ในงานนิทรรศการโลกปี 1900 ในปารีสประสบความสำเร็จเป็นพิเศษ) ในปี 1904 เขายังตีพิมพ์คู่มือระเบียบวิธี - "โรงเรียนสำหรับกีตาร์เจ็ดสายของการจูนภาษารัสเซียและสเปน" (อย่างหลังหมายถึงการเพิ่มสายล่าง "P" ให้กับกีตาร์คลาสสิกหกสาย)
ดังนั้น ศิลปะการเล่นกีตาร์ตลอดคริสต์ศตวรรษที่ 19 และโดยเฉพาะต้นคริสต์ศตวรรษที่ 20 จึงมีบทบาทสำคัญในการศึกษาด้านดนตรีและศิลปะของมวลชน เช่นเดียวกับศิลปะการเล่นดอมราหรือบาลาไลกา ดังนั้น เมื่อกล่าวถึงประชากรรัสเซียในวงกว้าง จึงสามารถให้ขั้นตอนที่เชื่อถือได้ในการก้าวไปสู่นักดนตรีชั้นนำ และด้วยเหตุนี้ จึงได้รับคุณสมบัติที่สำคัญที่สุดของเครื่องดนตรีพื้นบ้านในแง่ของสถานะทางสังคม

1. เที่ยวชมระยะสั้นๆ ประวัติศาสตร์โลกการแสดงกีตาร์

2. การรุกของกีตาร์เข้าสู่รัสเซีย (ปลายศตวรรษที่ 17)

3. “โรงเรียนเล่นกีตาร์หกและเจ็ดสาย” แห่งแรกโดย I. Geld

4. อ.อ. Sihra และกีตาร์เจ็ดสาย

5. นักกีตาร์ชั้นนำชาวรัสเซียแห่งศตวรรษที่ 19: M.T.Vysotsky, S.N.Aksyonov, N.N.Lebedev

6. ปรมาจารย์กีตาร์คนแรก - I.A. บาตอฟ, ไอ.จี. ครัสนอชเชคอฟ

7. นักกีตาร์หกสายแห่งศตวรรษที่ 19 - M.D. Sokolovsky, N.P. Makarov

8. กิจกรรมการเผยแพร่ของ V.A. Rusanov และ A.M. Afromeev

9. Andres Segovia และคอนเสิร์ตของเขาในรัสเซีย

10. กีตาร์ในการแข่งขันทบทวน All-Union ในปี 1939

11. การแสดงกิจกรรมของ A.M. Ivanov-Kramsky

12. นักกีตาร์ในยุค 50-70 ของศตวรรษที่ XX: L. Andronov, B. Khlopovsky, S. Orekhov

13. กีตาร์ในระบบ การศึกษาด้านดนตรี.

14. ศิลปะกีตาร์ในยุค 70-90 ของศตวรรษที่ XX: N. Komolyatov, A. Frauchi, V. Tervo, A. Zimakov

15. กีตาร์ในดนตรีแจ๊ส

เส้นทางการพัฒนากีตาร์ในรัสเซียนั้นยาวนานและยากลำบาก การปรากฏตัวครั้งสุดท้ายของกีตาร์ในโลกอย่างที่เราทราบกันดีนั้นเกิดขึ้นเฉพาะในศตวรรษที่ 18 เท่านั้น ก่อนหน้านี้มีผู้เล่นกีตาร์ - ซิธาราชาวกรีก, พิณ, พิณ, ละเมิดภาษาสเปน กีตาร์หกสายคลาสสิกมีและยังคงมีนักแสดง นักแต่งเพลง และปรมาจารย์ผู้โด่งดัง Mauro Giuliani และ Fernando Carulli, Matteo Carcassi และ Fernando Sor, Francisco Tárrega และ M. Llobet, Maria Luisa Anido และ Andres Segovia แต่ละคนทิ้งร่องรอยที่เห็นได้ชัดเจนไว้ในศิลปะของกีตาร์

ในรัสเซีย กีตาร์ยังไม่แพร่หลายจนกระทั่งศตวรรษที่ 18 ด้วยการมาถึงของ M. Giuliani และ F. Sora ความนิยมของเธอก็เพิ่มขึ้นอย่างเห็นได้ชัด อย่างไรก็ตาม ขอให้เราระลึกว่าคนแรกที่นำกีตาร์ไปที่รัสเซียคือนักแต่งเพลงชาวอิตาลี Giuseppe Sarti และ Carlo Cannobio ซึ่งรับราชการในราชสำนักของ Catherine II; ต่อมามีนักดนตรีชาวฝรั่งเศสเข้าร่วมด้วย

Ignaz Geld มีพื้นเพมาจากสาธารณรัฐเช็ก โชคชะตาพาเขาไปรัสเซียในปี พ.ศ. 2330 อาศัยอยู่ในกรุงมอสโก เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก เขาเล่นกีตาร์หกและเจ็ดสาย สอนเล่นบทเรียน ในปี พ.ศ. 2341 มีโรงเรียนสอนกีตาร์สองแห่งเกิดขึ้น: โรงเรียนหนึ่งสำหรับหกสาย และอีกโรงเรียนหนึ่งเร็วกว่าเล็กน้อยสำหรับเจ็ดสาย เขาเขียนและตีพิมพ์ผลงานกีตาร์ เสียง และกีตาร์มากมาย เสียชีวิตในเบรสต์-ลิตอฟสค์

หนึ่งในผู้สนับสนุนกีตาร์เจ็ดสายที่ฉลาดที่สุดและเป็นผู้ก่อตั้งโรงเรียนสอนการเล่นของรัสเซียคือนักกีตาร์และนักแต่งเพลง A.O. Sihra (1773-1850) นักวิจัยบางคนเชื่อมโยงการปรากฏตัวของกีตาร์เจ็ดสายในรัสเซียกับนักดนตรีคนนี้

Andrey Osipovich Sihra - เกิดที่ Vilna ตั้งแต่ปี 1801 เขาเริ่มอาศัยอยู่ในมอสโกซึ่งเขาให้บทเรียนและแสดงในคอนเสิร์ตต่างๆ ในปี 1813 เขาย้ายไปเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก ซึ่งเขาตีพิมพ์ "Collection of a number of plays ซึ่งส่วนใหญ่ประกอบด้วยเพลงรัสเซียที่มีรูปแบบและการเต้นรำ" จัดงานเปิดตัวนิตยสารกีตาร์ เขาได้ฝึกฝนนักกีตาร์ชาวรัสเซียจำนวนหนึ่ง ได้แก่ S.N. Aksenov, V.I. Morkov, V.S. Sarenko, V.I. Svintsov, F.M. Zimmerman และคนอื่นๆ ผู้แต่งบทละครและการดัดแปลงเพลงพื้นบ้านรัสเซียจำนวนมาก ด้วยการยืนยันของนักเรียนของเขา V. Morkov A. O. Sihra ได้เขียน "โรงเรียนเชิงทฤษฎีและปฏิบัติสำหรับกีตาร์เจ็ดสาย" และอุทิศให้กับผู้รักกีตาร์ทุกคน ฉบับพิมพ์ครั้งแรกคือ พ.ศ. 2375 ฉบับที่สองคือ พ.ศ. 2383 เขาถูกฝังอยู่ที่สุสาน Smolensk ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก

ถ้า A.O. Sihra อาศัยและทำงานเป็นหลักใน เมืองหลวงทางตอนเหนือจากนั้น M.T. Vysotsky ก็ทุ่มเทให้กับมอสโกด้วยสุดจิตวิญญาณของเขา

Mikhail Timofeevich Vysotsky เกิดในปี 1791 บนที่ดินของกวี M.M. Kheraskov ที่นี่เขาได้รับบทเรียนกีตาร์ครั้งแรกจาก S.N. Aksenov ตั้งแต่ปี 1813 เขาอาศัยอยู่ในมอสโก ซึ่งเขาได้กลายเป็นนักแสดง ครู และนักแต่งเพลงที่มีชื่อเสียงอย่างกว้างขวาง

เสียงอะไร! ฉันฟังอย่างไม่เคลื่อนไหว

สู่เสียงอันไพเราะฉัน;

ฉันลืมนิรันดร์สวรรค์โลก

ตัวคุณเอง.

(เอ็ม. เลอร์มอนตอฟ)

ในหมู่นักเรียน: A.A.Vetrov, P.F.Beloshein, M.A.Stakhovich และคนอื่น ๆ ผู้แต่งกีตาร์หลายชิ้นส่วนใหญ่เป็นจินตนาการและรูปแบบต่างๆ ธีมพื้นบ้าน(“ Spinner”, “ Troika”, “ ใกล้แม่น้ำ, ใกล้สะพาน”, “ คอซแซคขี่ข้ามแม่น้ำดานูบ”...) ไม่นานก่อนที่เขาจะเสียชีวิต เขาเขียนและตีพิมพ์ “A Practical School for the Seven-String Guitar in 2 Part” (1836) เขาเสียชีวิตในปี พ.ศ. 2380 ด้วยความยากจนข้นแค้น

Semyon Nikolaevich Aksenov (1784-1853) - นักเรียนของ A.O. Sikhry เกิดที่ Ryazan เขาตีพิมพ์ "นิตยสารใหม่สำหรับกีตาร์เจ็ดสาย" ซึ่งเขาตีพิมพ์จินตนาการและรูปแบบของตัวเอง (“ ท่ามกลางหุบเขาแบน”) ต้องขอบคุณความพยายามของ Aksyonov ทำให้ "แบบฝึกหัด" ของ A.O. Sihra ได้รับการเผยแพร่ ถือว่าดีที่สุด เก่งกีตาร์ในมอสโก (ร่วมกับ M.T. Vysotsky) เผยแพร่ซ้ำโรงเรียนโดย I. Gelda เขาแนะนำฮาร์โมนิค ไม่มีใครรู้ว่า S.N. Aksenov มีนักเรียนหรือไม่ ยกเว้นกรณีที่มีบทเรียนหลายบทสำหรับ Vysotsky ส่วนใหญ่, กิจกรรมการทำงานเขามีส่วนเกี่ยวข้องกับการบริการในแผนกต่างๆ

Nikolai Nikolaevich Lebedev เป็นหนึ่งในนักกีตาร์ชาวไซบีเรียที่เก่งที่สุด ปีแห่งชีวิต พ.ศ. 2381-2440 ผู้เห็นเหตุการณ์เปรียบเทียบการเล่นของเขากับการเล่นของ M.T. Vysotsky: พรสวรรค์ที่น่าอัศจรรย์เช่นเดียวกับการแสดงสด, ความจริงใจและความจริงใจในการแสดง, รักเพลงรัสเซีย ข้อมูลชีวประวัติ- หายาก. เป็นที่รู้กันว่า N.N. Lebedev เป็นเจ้าหน้าที่ เขาสามารถเรียนกีตาร์จากพ่อของเขาซึ่งเป็นนักกีตาร์สมัครเล่น เขาทำงานเป็นเสมียนที่เหมืองต่างๆ บางครั้งเขาก็จัดคอนเสิร์ตที่ทำให้ทุกคนประหลาดใจกับการใช้เครื่องดนตรีอย่างเชี่ยวชาญของเขา

ศิลปะการแสดงการเล่นกีตาร์จะไม่ก้าวหน้าหากไม่มีเครื่องดนตรีชั้นหนึ่ง ในรัสเซีย ปรมาจารย์ของพวกเขาปรากฏตัวขึ้นไม่นานหลังจากความสนใจในเครื่องดนตรีนี้เกิดขึ้นอย่างกว้างขวาง ผู้ร่วมสมัยของ Ivan Andreevich Batov (1767-1839) เรียกว่า Russian Stradivarius ซึ่งสร้างเครื่องดนตรีที่ยอดเยี่ยมกว่าร้อยชิ้นในช่วงชีวิตของเขา - ไวโอลิน, เชลโล, บาลาไลก้า กีตาร์สิบตัวออกมาจากมือของปรมาจารย์ที่โดดเด่นซึ่งฟังในมือของ I.E. Khandoshkin, S.N. Aksenov, M.T. Vysotsky

Ivan Grigorievich Krasnoshchekov เป็นปรมาจารย์ที่มีชื่อเสียงไม่น้อย ละครเพลงเรื่องมอสโกทั้งหมดเล่นกีตาร์ของเขา นักแสดงชื่นชมเครื่องดนตรีของ Krasnoshchekov ในเรื่องเสียงที่อบอุ่นและอ่อนโยนสำหรับการตกแต่งที่หรูหราและสวยงาม กีตาร์ตัวหนึ่ง (แสดงโดยทันย่ายิปซีผู้โด่งดังซึ่งชื่นชม A.S. Pushkin ในการเล่นและร้องเพลงของเธอ) ถูกเก็บไว้ในพิพิธภัณฑ์วัฒนธรรมดนตรี Glinka (มอสโก)

นอกจากกีตาร์ของ Batov และ Krasnoshchekov แล้วกีตาร์ของพี่น้อง Arhuzen (Fyodor Ivanovich, Robert Ivanovich), F.S. Paserbsky, M.V. Eroshkin ยังมีชื่อเสียงในมอสโกและเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก เครื่องดนตรีของพวกเขาไม่ได้ด้อยกว่าในเรื่องความแข็งแกร่งและความสวยงามของเสียงกีตาร์ของปรมาจารย์ชาวตะวันตก ในบรรดานักกีตาร์หกสายชาวรัสเซียที่มีชื่อเสียงที่สุดคือ N.P. Makarov (1810-1890) และ M.D. Sokolovsky (1818-1883)

Nikolai Petrovich Makarov มีบุคลิกที่เป็นเอกลักษณ์: นักเขียนพจนานุกรมผู้ตีพิมพ์พจนานุกรมภาษารัสเซีย-ฝรั่งเศสฉบับสมบูรณ์ (พ.ศ. 2409) พจนานุกรมภาษาเยอรมัน-รัสเซีย (พ.ศ. 2417) และสารานุกรมแห่งจิตใจหรือพจนานุกรมความคิดที่เลือกสรร (พ.ศ. 2421) นักเขียนที่ เขียนนวนิยายหลายเรื่องและบทความมากมาย เป็นนักแสดงอัจฉริยะที่เก่งกาจ กีตาร์หกสาย. จัดการแข่งขันระดับนานาชาติเพื่อเครื่องดนตรีที่ดีที่สุดและ เรียงความที่ดีที่สุดสำหรับกีตาร์ (บรัสเซลส์ พ.ศ. 2399) ในปีพ.ศ. 2417 เขาได้ตีพิมพ์ "A Few Rules for Advanced Guitar Playing" ซึ่งมีคุณค่าอย่างยิ่งสำหรับนักดนตรีจนกระทั่งมีการถือกำเนิดของโรงเรียนสมัยใหม่ “ Makarov ในฐานะนักกีตาร์-นักดนตรีทำให้ตัวเองได้รับตำแหน่งอันทรงเกียรติในหมู่นักประพันธ์เพลงอมตะ […] เขายังทำหลายอย่างเพื่อปรับปรุงการออกแบบของกีตาร์ (ยืดคอจนถึงเฟรตที่ 24 - สองอ็อกเทฟ เสริมความแข็งแกร่งให้กับคอ ด้วยสกรู) Makarov ค้นพบปรมาจารย์กีตาร์ที่ไม่ธรรมดาอย่าง Scherzer […] ต้องขอบคุณการสนับสนุนทางการเงินของ Makarov ทำให้ Mertz เขียนเรียงความสำหรับกีตาร์มากมาย เขาภูมิใจในความรักที่เขามีต่อกีตาร์ได้อย่างเหมาะสม […]"

Mark Danilovich Sokolovsky เกิดใกล้ Zhitomir เขาเชี่ยวชาญกีตาร์ตั้งแต่ช่วงแรกๆ ในโรงเรียนของ Giuliani, Legnani และ Mertz ให้คอนเสิร์ตที่ประสบความสำเร็จหลายครั้งใน Zhitomir, Vilna, Kyiv ในปี พ.ศ. 2390 เขาได้แสดงเป็นครั้งแรกในมอสโกและดึงดูดความสนใจจากชุมชนดนตรี หลังจากคอนเสิร์ตหลายครั้งในมอสโก เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก วอร์ซอ เขาได้ไปทัวร์ยุโรป (พ.ศ. 2407-2411): ลอนดอน ปารีส เวียนนา เบอร์ลิน ทุกที่ - การต้อนรับอย่างกระตือรือร้น ในปี พ.ศ. 2420 คอนเสิร์ตครั้งสุดท้ายของเขาเกิดขึ้น (ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก, ห้องโถงโบสถ์) เขาถูกฝังอยู่ที่วิลนา รายการของเขารวมถึงผลงานของ Paganini, Chopin, Giuliani, Carulli และ Mertz

การแสดงกีตาร์ในรัสเซียมีประสบการณ์ขึ้นๆ ลงๆ หลายครั้งที่เกี่ยวข้องกับเหตุการณ์ทางการเมืองและเศรษฐกิจในประเทศและต่างประเทศ ความสนใจใหม่ในกีตาร์บางครั้งเกิดขึ้นจากกิจกรรมที่กระตือรือร้นของผู้จัดพิมพ์ นักทฤษฎี และอาจารย์ ดังนั้นในตอนต้นของศตวรรษที่ 20 การเล่นกีตาร์จึงได้รับการสนับสนุนด้วยความสามารถที่ได้รับความนิยมของ V.A. Rusanov (พ.ศ. 2409-2461) ผู้ตีพิมพ์นิตยสาร "Guitar" และ "Music of the Guitarist" พร้อมตีพิมพ์ประวัติศาสตร์ของเขาเองและ บทความเชิงทฤษฎี ส่วนแรกของโรงเรียนของเขาได้รับการตีพิมพ์

M. Afromeev (พ.ศ. 2411-2463) นักกีตาร์ ครู และผู้จัดพิมพ์ของ Tyumen มีส่วนสนับสนุนอย่างมากในการพัฒนาการแสดงกีตาร์ผ่านกิจกรรมการเผยแพร่ของเขา ในปี พ.ศ. 2441-2461 เขาทำให้ร้านขายเพลงในรัสเซียเต็มไปด้วยคอลเลกชั่นการเล่นกีตาร์ การสอนด้วยตนเอง และโรงเรียนสำหรับกีตาร์ทั้งหกและเจ็ดสาย เขาตีพิมพ์นิตยสาร "Guitarist" เป็นเวลาหลายปี

ในสมัยโซเวียต ความสนใจในกีตาร์เพิ่มขึ้นอย่างมากอันเป็นผลจากการทัวร์ของ Andres Segovia ในสหภาพโซเวียต “ความทรงจำของฉันด้วยความยินดีอย่างยิ่ง ระลึกได้ถึงจิตวิญญาณของฉันถึงสี่ครั้ง สหภาพโซเวียตและเพื่อน ๆ ทุกคนที่ฉันจากไปที่นั่น" คอนเสิร์ตในปี 1926, 1927, 1930 และ 1936 เผยให้ผู้ฟังฟังถึงความสามารถด้านเสียงของกีตาร์และความไพเราะของเสียงเพลงที่พวกเขาเปรียบเทียบกับวงออเคสตรา ความลับของอิทธิพลของกีตาร์ของเซโกเวีย อยู่ในการผสมผสานที่ยอดเยี่ยมของทักษะที่ไม่มีใครเทียบได้และรสนิยมที่ละเอียดอ่อน... หลังจากการทัวร์ของชาวสเปนผู้โด่งดังในสหภาพโซเวียตมีการตีพิมพ์ผลงาน 7 อัลบั้มจากเพลงของนักกีตาร์และสถาบันการศึกษา P.S. นักกีตาร์ชาวโซเวียตซึ่งมีกิจกรรมของครูเช่น P.S. Agafoshin, P.I.Isakov, V.I.Yashnev, M.M.Gelis และคนอื่นๆ ให้ผลลัพธ์ในปี 1939 ที่ All-Union Review of Performers เครื่องดนตรีพื้นบ้านผู้ชนะ ได้แก่ A. Ivanov-Kramskoy (รางวัลที่หนึ่ง) และ V. Belilnikov (เด็กชายอายุ 13 ปี ได้รับรางวัลที่สอง (!)) ผู้เข้าร่วมอีกคน - K. Smaga - ได้รับประกาศนียบัตร A. Ivanov-Kramskoy (นักเรียนของ P. S. Agafoshin) ทำโปรแกรมต่อไปนี้ในการแข่งขัน: F. Sor "รูปแบบต่างๆ ในธีมของ Mozart", I. Bach "Prelude", F. Tarrega "Memories of the Alhambra", F . Tarrega “ การเต้นรำมัวร์”. จากโปรแกรมของ V. Belilnikov (คลาสของ V.I. Yashnev) เป็นไปได้ที่จะค้นหาเพียงชิ้นเดียว - F. Sor "รูปแบบต่างๆ ในธีมของ Mozart" K. Smaga แสดงเพลง “Prelude” โดย J. S. Bach, “Memory of the Alhambra” โดย F. Tarrega และผลงานอื่นๆ อีกหลายชิ้น อย่างไรก็ตามแม้แต่บทความที่ระบุไว้ก็ยังให้แนวคิดเกี่ยวกับระดับทักษะวิชาชีพของผู้เข้าแข่งขันในยุคนั้น

Alexander Mikhailovich Ivanov-Kramskoy (2455-2516) ศึกษาที่โรงเรียนดนตรีเด็กเพื่อเล่นไวโอลินและที่วิทยาลัยดนตรีซึ่งตั้งชื่อตาม ในช่วงการปฏิวัติเดือนตุลาคม เขาสำเร็จการศึกษาจากชั้นเรียนกีตาร์ของ P.S. Agafoshin จากนั้นเขาได้เข้าร่วมหลักสูตรวาทยกรกับ K.S. Saradzhev ที่ Moscow Conservatory เป็นระยะเวลาหนึ่ง เขาจัดคอนเสิร์ตมากมายทั่วประเทศเล่นทางวิทยุและโทรทัศน์

การแสดงของศิลปินผู้มีเกียรติของ RSFSR (1959) A.M. Ivanov-Kramsky นั้นปราศจากเอฟเฟกต์ราคาถูกและมีลักษณะเฉพาะด้วยความยับยั้งชั่งใจบางประการ อย่างไรก็ตาม นักกีตาร์มีบุคลิก เทคนิคการผลิตเสียงเฉพาะตัว และผลงานเพลงของเขาเอง ซึ่งรวมถึง องค์ประกอบของตัวเองนักดนตรี. นักร้องชื่อดังที่เชี่ยวชาญ - I.S. Kozlovsky, N. Obukhova, G. Vinogradov, V. Ivanova, I. Skobtsov, นักดนตรี - L. Kogan, E. Grach, A. Korneev... A. M. Ivanov-Kramskoy - ผู้แต่ง จำนวนมาก ใช้ได้กับกีตาร์: คอนแชร์โต 2 รายการ "Tarantella", "Improvisation", วงจรของโหมโรง, การเต้นรำ, การเรียบเรียงเพลงพื้นบ้านและความรัก, etudes เขียนและตีพิมพ์โรงเรียนสอนเล่นกีตาร์ (พิมพ์ซ้ำหลายครั้ง) เป็นเวลาหลายปีที่ A.M. Ivanov-Kramskoy สอนที่โรงเรียนดนตรีที่ Moscow Conservatory (ผู้สำเร็จการศึกษามากกว่า 20 คนรวมถึง N. Ivanova-Kramskaya, E. Larichev, D. Nazarmatov ฯลฯ ) เขาเสียชีวิตในมินสค์ระหว่างเดินทางไปคอนเสิร์ตครั้งต่อไป

ร่วมกับ A.M. Ivanov-Kramsky ในช่วงทศวรรษที่ 50-60 ของศตวรรษที่ 20 พรสวรรค์ของ L.F. Andronov, B.P. Khlopovsky, S.D. Orekhov ถูกเปิดเผย โชคชะตาที่แตกต่างกัน การศึกษาที่แตกต่างกัน แต่พวกเขารวมกันเป็นหนึ่งเดียวจากสงครามและช่วงเวลาที่ยากลำบากหลังสงคราม

Lev Filippovich Andronov เกิดเมื่อปี 2469 ในเมืองเลนินกราด เขาเรียนในสตูดิโอดนตรีกับ V.I. Yashnev จากนั้นสำเร็จการศึกษาจาก Children's Music School ในชั้นเรียนกีตาร์ของ P.I. Isakov และในชั้นเรียนหีบเพลงของ P.I. Smirnov ในช่วงต้นเขาเริ่มแสดงคอนเสิร์ตเดี่ยวและร้องคู่กับ V.F. Vavilov (ในปี 2500 ทั้งคู่ได้รับรางวัลจาก All-Union และ International Youth Festivals) ในปี 1977 เขาสำเร็จการศึกษาจาก Leningrad State Conservatory ในฐานะนักเรียนภายนอกในชั้นเรียนของศาสตราจารย์ A.B. Shalov เขาบันทึกหลายแผ่นรวมถึง "Concerto for Guitar and Chamber Orchestra" โดย B. Asafiev มีความสัมพันธ์ที่สร้างสรรค์กับหลายๆ คน นักกีตาร์ชื่อดังความสงบ; ได้รับเชิญให้ไปทัวร์ต่างประเทศหลายครั้ง แต่เนื่องจากความผิดของเจ้าหน้าที่สหภาพโซเวียตจึงไม่ได้รับอนุญาต เนื่องจากหัวใจวายหลายครั้ง เขาจึงเสียชีวิตก่อนอายุ 60 ปี

Boris Pavlovich Khlopovsky (2481-2531) หลังจากสำเร็จการศึกษาจากวิทยาลัยดนตรีที่ได้รับการตั้งชื่อตาม Gnesinykh (1966) ทำงานเป็นครูในโรงเรียนบ้านเกิดของเขาและสถาบันวัฒนธรรมแห่งรัฐมอสโกในวงออเคสตราเครื่องดนตรีพื้นบ้านของ All-Union Radio and Television แสดงใน คอนเสิร์ตเดี่ยวกับผู้เล่น balalaika V. Mineev, domrist V. Yakovlev ในปี 1972 ที่ I การแข่งขันออลรัสเซียนักแสดงเครื่องดนตรีพื้นบ้านได้รับรางวัลที่ 2 และตำแหน่งผู้ได้รับรางวัล (ในรายการ: Villa-Lobos "Five Preludes", Ivanov-Kramskoy "Concerto No. 2", Vysotsky "Spinner", Tarrega "Dreams", Narimanidze "Rondo "). วลาดิมีร์ลูกชายของเขาพูดต่อ ประเพณีของครอบครัวสำเร็จการศึกษาจากโรงเรียนดนตรีที่ Moscow Conservatory จากนั้นจาก State Musical Pedagogical Institute ที่ได้รับการตั้งชื่อตาม กเนสซิน; ในปี พ.ศ. 2529 เขาได้เป็นผู้ถือประกาศนียบัตร III รัสเซียทั้งหมดการแข่งขันของนักแสดงด้วยเครื่องดนตรีพื้นบ้าน พาเวลลูกชายอีกคนหนึ่งเป็นนักกีตาร์มืออาชีพด้วย

Sergei Dmitrievich Orekhov (2478-2541) - ตามที่นักกีตาร์มอสโกหลายคนเทียบได้กับ M.T. Vysotsky เขาเรียนที่โรงเรียนละครสัตว์เรียนกีตาร์จากนักกีตาร์มอสโก V.M. Kuznetsov ฉันทำงานหนักและอุตสาหะด้วยตัวฉันเอง เขาทำงานในกลุ่มยิปซีแสดงร่วมกับ Raisa Zhemchuzhnaya สร้างคู่กีตาร์เจ็ดสายกับ Alexey Perfilyev เขาออกทัวร์คอนเสิร์ตทั่วประเทศ เยือนบัลแกเรีย ยูโกสลาเวีย เชโกสโลวาเกีย ฝรั่งเศส และโปแลนด์ เขามี “เทคนิคความสามารถพิเศษที่น่าทึ่ง […] นั่นคือความเบา การบินที่มีความลุ่มลึกและความสง่างามของเสียง” “ลักษณะการเล่นที่อิสระและผ่อนคลาย การแสดงด้นสดที่มาจากส่วนลึกของโรงเรียนกีตาร์ของรัสเซีย” S.D. Orekhov เป็นผู้แต่งการจัดคอนเสิร์ตที่มีชื่อเสียงของเพลงรัสเซียและโรแมนติก - "นี่คือไปรษณีย์ troika วิ่ง", "ต้นหลิวกำลังหลับใหล", "ทุกอย่างเงียบสงบเงียบ ๆ" ฯลฯ เขาบันทึกแผ่นเสียงจำนวนหนึ่ง

หลายปีที่ผ่านมา บริษัท All-Union Recording Company "Melodiya" ให้ความช่วยเหลืออย่างมากในการเผยแพร่ศิลปะกีตาร์ในประเทศ ซึ่งออกผลงานบันทึกเสียงจำนวนมากโดยนักแสดงโซเวียตและต่างประเทศเป็นประจำทุกปี ในช่วงทศวรรษที่ 50-60 เพียงอย่างเดียวเธอออกแผ่น 26 แผ่น: A. Segovia - 4, Maria-Louise Anido - 2, M. Zelenka - 1, A. Ivanov-Kramskoy - 10, E. Larichev - 3, L. Andronov - 1 , B. Okunev - 2 เป็นต้น ต่อมาได้รับการเสริมด้วยการบันทึกโดย N. Komolyatov, A. Frautschi, Paco de Lucia... ตั้งแต่ทศวรรษที่ 90 ของศตวรรษที่ 20 ซีดีหลายวงเริ่มปรากฏขึ้น นักดนตรีชาวรัสเซียทั้งคนรุ่นเก่าและคนรุ่นใหม่

จากการวิเคราะห์สถานะของการแสดงกีตาร์ในรัสเซียในช่วงทศวรรษที่ 60-70 ของศตวรรษที่ 20 ควรสังเกตว่าการฝึกอบรมนักกีตาร์มืออาชีพมีความล่าช้าอย่างมากซึ่งตรงกันข้ามกับผู้เล่นบาลาไลกา ดอมริสต์ และผู้เล่นหีบเพลง สาเหตุของความล่าช้านี้ (โดยเฉพาะอย่างยิ่งอุปกรณ์ทางเทคนิคที่อ่อนแอและ "มือสมัครเล่น" ในการสร้างดนตรีของนักดนตรีในการแข่งขัน) เห็นได้ชัดเจนในช่วงท้ายของการนำกีตาร์เข้าสู่ระบบการศึกษาด้านดนตรี

แม้ว่าชั้นเรียนกีตาร์จะเกิดขึ้นในช่วงปีแรกของอำนาจของสหภาพโซเวียต (เริ่มตั้งแต่ปี พ.ศ. 2461) แต่ทัศนคติต่อเครื่องดนตรีในหน่วยงานของรัฐก็รวมถึง และในด้านวัฒนธรรม ก็มีความขัดแย้ง กีตาร์ถือเป็นเครื่องดนตรีลัทธิของสภาพแวดล้อมชนชั้นกลางซึ่งองค์กร Komsomol ต่อสู้กับการต่อสู้ การเรียนรู้การเล่นกีตาร์ใน สถาบันดนตรีมันเกิดขึ้นเป็นระยะๆ บนพื้นฐานมือสมัครเล่น ซึ่งทำให้วงการดนตรีมืออาชีพประเมินเครื่องดนตรีอย่างดูหมิ่นอีกครั้ง ความก้าวหน้านี้เกิดขึ้นเมื่อนักกีตาร์ที่สำเร็จการศึกษาจากมหาวิทยาลัยโดยเฉพาะ Ural State Conservatory เข้ามาในชีวิตคอนเสิร์ตของประเทศเท่านั้น หนึ่งในผู้สำเร็จการศึกษากลุ่มแรกๆ ที่ได้รับประกาศนียบัตร อุดมศึกษากลายเป็น M.A. Prokopenko, Ya.G. Pukhalsky, K.M. Smaga (เรือนกระจกเคียฟ), A.V. Mineev, V.M. Derun (เรือนกระจกอูราล) ชั้นเรียนกีตาร์ได้เปิดแล้วที่ GMPI ซึ่งตั้งชื่อตาม Gnesins ที่เรือนกระจกของ Leningrad, Gorky, Saratov...

ในบรรดานักกีตาร์รุ่นใหม่ (70-90 ของศตวรรษที่ XX) นักแสดงก็ปรากฏตัวขึ้นซึ่งยกระดับดนตรีกีตาร์ให้สูงขึ้นทางวิชาการ เหล่านี้คือ N.A. Komolyatov, A.K. Frauchi, V.V. Tervo, A.V. Zimakov

Nikolai Andreevich Komolyatov เกิดเมื่อปี 2485 ในเมืองซารานสค์ ในปี 1968 เขาสำเร็จการศึกษาจากโรงเรียนดนตรีที่ Moscow Conservatory (ชั้นเรียนของ N.A. Ivanova-Kramskaya) และในปี 1975 โดยไม่ได้เรียนจาก Ural State Conservatory (ชั้นเรียนของ A.V. Mineev) จัดคอนเสิร์ตอย่างต่อเนื่อง บันทึกและซีดีที่บันทึกไว้ เขาเป็นคนแรกที่เล่นโซนาตาของ E. Denisov สำหรับฟลุตและกีตาร์ (ร่วมกับ A.V. Korneev) ล่ามและผู้โปรโมตเพลงต้นฉบับใหม่สำหรับกีตาร์ (I. Rekhin - ชุดห้าส่วน, โซนาตาสามส่วน; P. Panin - คอนเสิร์ตสองรายการ, เพชรประดับ ฯลฯ ) ตั้งแต่ปี 1980 ร่วมกับ A.K. Frauchi เขาเปิดชั้นเรียนกีตาร์ที่ GMPI ซึ่งตั้งชื่อตาม เกซินส์. ปัจจุบัน - ศิลปินผู้มีเกียรติแห่งสหพันธรัฐรัสเซียศาสตราจารย์ นักกีตาร์หลายสิบคนที่สำเร็จการศึกษาจากชั้นเรียนของเขา รวมถึงผู้ได้รับรางวัลมากมาย เช่น A. Zimakov การแข่งขันเครื่องดนตรีพื้นบ้าน All-Russian และระดับนานาชาติแต่ละครั้งจะมีนักเรียนของ N.A. Komolyatov สองหรือสามคนเป็นตัวแทน (ดูหนังสือเล่มเล็กสำหรับการแข่งขัน)

ในยุค 70 Alexander Kamilovich Frauchi นักกีตาร์ชาวมอสโก (1954) เปิดเผยความสามารถของเขา หลังจากเรียนที่โรงเรียนดนตรีที่ Moscow Conservatory (ชั้นเรียนของ N.A. Ivanova-Kramskaya) A.K. Frauchi ยังคงศึกษาต่อที่แผนกจดหมายของ Ural Conservatory (ชั้นเรียนของ A.V. Mineev และ V.M. Derun) ในขณะเดียวกันก็ทำงานเป็นศิลปินเดี่ยวของ เรือนกระจกมอสโก สมาคมดนตรีประสานเสียงระดับภูมิภาค. ในปี 1979 ในการแข่งขัน II All-Russian ของนักแสดงเครื่องดนตรีพื้นบ้านเขาได้รับรางวัลที่สองและในปี 1986 เขาประสบความสำเร็จในการแข่งขันระดับนานาชาติที่ฮาวานาโดยได้รับรางวัลที่หนึ่งและรางวัลพิเศษ นอกจากนี้ การแสดงของนักดนตรีโซเวียตในการแข่งขันยังสร้างความรู้สึกด้วยทักษะ อารมณ์ และการตีความผลงานอย่างชาญฉลาด (ในการแข่งขันเดียวกัน Vladimir Tervo นักกีตาร์โซเวียตอีกคนได้รับรางวัลที่ 3 เขายังทำให้เกิดการตอบรับที่มีชีวิตชีวาใน คนดูกีตาร์) หลังจากการแข่งขันในคิวบา A. Frautschi ได้เข้าร่วมในเทศกาล Five Stars ในปารีส และตั้งแต่นั้นมาเขาก็ออกทัวร์คอนเสิร์ตทุกปีในทุกประเทศทั่วโลก

A. Frautschi ผสมผสานกิจกรรมคอนเสิร์ตแบบเข้มข้นเข้ากับงานสอนที่ State Musical Pedagogical Institute ซึ่งตั้งชื่อตาม เกซินส์. ในบรรดานักเรียนของเขาคือผู้ได้รับรางวัลจากการแข่งขันออลรัสเซียและระดับนานาชาติ - A. Bardina, V. Dotsenko, A. Rengach, V. Kuznetsov, V. Mityakov... วันนี้ A.K. Frauchi เป็นประธานของ Russian Guitar Players Association ลัทธิของเขาคือการแยกกีตาร์ออกจากเครื่องดนตรีพื้นบ้านเพราะว่า กีตาร์นั้นมีวัฒนธรรม ประวัติศาสตร์ ละคร การจัดจำหน่ายในระดับนานาชาติ โรงเรียน และในความคิดของตัวเอง โลกที่เจริญแล้วมีอยู่แยกกัน เช่น เปียโนหรือไวโอลิน ในความเห็นของเขาอนาคตของการแสดงกีตาร์ในรัสเซียอยู่ A.K. Frauchi - ศิลปินผู้มีเกียรติแห่งสหพันธรัฐรัสเซียศาสตราจารย์

Vladimir Vladimirovich Tervo (1957) สำเร็จการศึกษาจากวิทยาลัยดนตรีซึ่งตั้งชื่อตาม Gnesins (ชั้นเรียนของ V.A. Erzunov) และสถาบันวัฒนธรรมแห่งรัฐมอสโก (ชั้นเรียนของ A.Ya. Alexandrov) ผู้ชนะการแข่งขันสามรายการ - All-Russian (1986, รางวัล III), ระดับนานาชาติ (ฮาวานา, รางวัล 1986 III, บาร์เซโลนา, ​​1989, รางวัล III) - ไม่ได้หยุดเพียงแค่นั้น: เขาเข้าสู่ Ural Conservatory และสำเร็จการศึกษาอย่างยอดเยี่ยมในปี 1992 ชั้นเรียนรองศาสตราจารย์ V.M. .Deruna

Alexey Viktorovich Zimakov เป็นชาวไซบีเรีย เกิดในปี 1971 และเติบโตใน Tomsk เขาได้รับบทเรียนกีตาร์ครั้งแรกจากพ่อของเขา ในปี 1988 เขาสำเร็จการศึกษาจาก Tomsk Music College และในปี 1993 จาก GMPI ที่ได้รับการตั้งชื่อตาม Gnessins (คลาสของ N.A. Komolyatov) เขาเก่งกาจเป็นพิเศษและเล่นบทที่ซับซ้อนที่สุดได้ เขาเป็นนักกีตาร์คนแรกที่ได้รับรางวัลชนะเลิศในการแข่งขันนักแสดงเครื่องดนตรีพื้นบ้าน All-Russian (Gorky, 1990) นอกจากนี้เขายังถูกรางวัลที่หนึ่งสองอีกด้วย การแข่งขันระดับนานาชาติ(1990, โปแลนด์; 1991, สหรัฐอเมริกา) อาศัยและทำงานใน Tomsk (ครูที่โรงเรียนบ้านเกิดของเขา) ทัวร์อย่างต่อเนื่องในรัสเซียและต่างประเทศ ในละครของเขาเขายึดติดกับผลงานคลาสสิก

การแข่งขันในยุค 90 ของศตวรรษที่ 20 และชัยชนะของนักกีตาร์ชาวรัสเซียยืนยันว่าโรงเรียนกีตาร์มืออาชีพได้เติบโตแข็งแกร่งขึ้นอย่างเห็นได้ชัดและมีโอกาสในการพัฒนาต่อไป

กีตาร์ได้แสดงให้เห็นว่าตัวเองคู่ควรไปในทิศทางอื่น - ในการเล่นดนตรีแจ๊ส ในช่วงเริ่มต้นของการปรากฏตัวของดนตรีแจ๊สในอเมริกา กีตาร์ได้เป็นผู้นำ (หากไม่เป็นผู้นำ) ในบรรดาเครื่องดนตรีแจ๊สอื่นๆ โดยเฉพาะอย่างยิ่งในแนวเพลงบลูส์ ในเรื่องนี้นักกีตาร์แจ๊สมืออาชีพจำนวนหนึ่งออกมาข้างหน้า - Big Bill Bronzy, John Lee Hooker, Charlie Christian และต่อมา Wills Montgomery, Charlie Byrd, Joe Pass ในบรรดานักกีตาร์ชาวยุโรปในศตวรรษที่ 20 Django Reinhard, Rudolf Daszek และคนอื่นๆ ต่างก็มีความโดดเด่น

ในรัสเซีย ความสนใจในกีตาร์แจ๊สเพิ่มขึ้นจากการศึกษาที่ดำเนินการใน เมืองที่แตกต่างกันเทศกาลดนตรีแจ๊สคันทรี่ (มอสโก, เลนินกราด, ทาลลินน์, ทบิลิซี) ในบรรดานักแสดงกลุ่มแรก ได้แก่ N. Gromin, A. Kuznetsov; ต่อมา - A. Ryabov, S. Kashirin และคนอื่น ๆ

Alexey Alekseevich Kuznetsov (1941) สำเร็จการศึกษาจากวิทยาลัยดนตรีปฏิวัติเดือนตุลาคม ชั้นเรียน domra ฉันเริ่มสนใจกีตาร์โดยไม่ได้รับอิทธิพลจากพ่อของฉัน A.A. Kuznetsov Sr. ซึ่งเล่นกีตาร์เป็นเวลาหลายปีใน State Jazz of the USSR จากนั้นก็เป็นเพลงป๊อป วงซิมโฟนีออร์เคสตราภายใต้การดูแลของ Y. Silantiev ในวง B. Tikhonov A.A. Kuznetsov Jr. ยังทำงานในวงดุริยางค์ซิมโฟนีป๊อปภายใต้การดูแลของ Y. Silantiev เป็นเวลาประมาณ 13 ปีจากนั้นใน State Symphony Orchestra of Cinematography ในฐานะนักกีตาร์แจ๊สเขาพิสูจน์ตัวเองในเทศกาลดนตรีแจ๊สที่มอสโกทั้งในรูปแบบเดี่ยวและวงดนตรีต่างๆ (คู่ของนักกีตาร์ Nikolai Gromin - Alexey Kuznetsov ได้รับความนิยมเป็นพิเศษ) มากมายถูกบันทึกไว้ในบันทึกแผ่นเสียง เขาเป็นที่รู้จักในฐานะผู้เล่นทั้งมวลและศิลปินเดี่ยวในกลุ่มต่างๆ เช่น Leonid Chizhik trio ซึ่งเป็นวงดนตรีของ Igor Bril และ Georgy Garanyan ตั้งแต่ยุค 90 เขาทำงานเป็นที่ปรึกษาที่ร้านทำดนตรี Accord ซึ่งเขาสอนคลาสมาสเตอร์เกี่ยวกับกีตาร์แจ๊สและแสดงในคอนเสิร์ตในซีรีส์ "Masters of Jazz" และ "Guitar in Jazz" ศิลปินประชาชนแห่งสหพันธรัฐรัสเซีย (2544)

Andrey Ryabov (1962) - สำเร็จการศึกษาจากวิทยาลัยดนตรีเลนินกราดที่ได้รับการตั้งชื่อตาม Mussorgsky ในชั้นเรียนกีตาร์แจ๊ส (1983) เขาได้รับการยอมรับจากสาธารณชนในการร้องคู่กับนักกีตาร์ชาวเอสโตเนีย Tiit Pauls (อัลบั้ม "Jazz Tete-a Tete" เปิดตัว) จากนั้นเขาก็เล่นในสี่นักเปียโน A. Kondakov ในชุดของ D. Goloshchekin ในช่วงต้นทศวรรษที่ 90 เขาย้ายไปสหรัฐอเมริกาซึ่งเขาแสดงคอนเสิร์ตกับนักดนตรีแจ๊สชาวอเมริกันชื่อดัง Attima Zoller และ Jack Wilkins เขาสร้างวงทรีโอของตัวเองขึ้นมาและปัจจุบันถือว่าเป็นหนึ่งในนักกีตาร์แจ๊สที่เก่งที่สุด

เนื่องจากกีตาร์แจ๊สได้รับการยอมรับในรัสเซียเมื่อไม่นานมานี้จึงปรากฏในระบบการศึกษาด้านดนตรีใน ไตรมาสที่แล้วศตวรรษที่ XX (และที่มหาวิทยาลัยในเวลาต่อมา) ความก้าวหน้าในสาขาเทคโนโลยีเกี่ยวกับกีตาร์โปร่งและไฟฟ้า, การใช้อุปกรณ์อิเล็กทรอนิกส์, การรวมองค์ประกอบของฟลาเมงโกและสไตล์คลาสสิก, การพัฒนาวิธีการสอน, การแลกเปลี่ยนประสบการณ์กับนักดนตรีต่างชาติ - ทั้งหมดนี้มีเหตุผลในการพิจารณากีตาร์ใน ดนตรีแนวนี้เป็นหนึ่งในเครื่องดนตรีที่มีแนวโน้ม

การแสดงกีตาร์ในรัสเซียมีประวัติศาสตร์อันเป็นเอกลักษณ์ของตัวเอง อย่างไรก็ตามในงานนี้เราจะพิจารณาเฉพาะหน้าที่เกี่ยวข้องโดยตรงกับการฝึกเล่นกีตาร์เจ็ดสายและสัมผัสกับคุณสมบัติที่เป็นรากฐานของการก่อตัวของสไตล์กีตาร์รัสเซีย
โรงเรียนกีตาร์แห่งรัสเซียก่อตั้งขึ้นในช่วงเวลาที่ในยุโรปตะวันตก กีตาร์คลาสสิกได้ประกาศตัวว่าเป็นเครื่องดนตรีเดี่ยวในคอนเสิร์ตอิสระแล้ว เป็นที่นิยมโดยเฉพาะในอิตาลี สเปน. มีนักแสดงและนักแต่งเพลงจำนวนหนึ่งปรากฏตัว ผู้สร้างละครเพลงคลาสสิกแนวใหม่ ที่มีชื่อเสียงที่สุดคือ D. อกัวโด. เอ็ม. จูเลียนี. เอฟ. คารูลลี, เอ็ม. คาร์กัสซี. ต่อมานักดนตรีที่ยอดเยี่ยมเช่น Franz Schubert, Niccolo Paganini, Karl Weber และคนอื่น ๆ หันมาหา PR และเขียนบทให้

ความแตกต่างที่สำคัญระหว่างกีตาร์รัสเซียกับกีตาร์คลาสสิกที่ได้รับความนิยมในยุโรปคือจำนวนเครื่องสาย (เจ็ดไม่ใช่หก) และหลักการปรับจูน คำถามเกี่ยวกับการปรับแต่งซึ่งเป็นรากฐานสำคัญในการถกเถียงกันมานานเกี่ยวกับความเหนือกว่าของกีตาร์หกหรือเจ็ดสาย เมื่อเข้าใจถึงความสำคัญพิเศษของปัญหานี้เราจึงถือว่าจำเป็นต้องกลับไปสู่หัวข้อต้นกำเนิดของกีตาร์เจ็ดสายและรูปลักษณ์ของมันในรัสเซีย
ในช่วงปลายศตวรรษที่ 18 ในยุโรปมีกีตาร์หลายประเภทที่มีดีไซน์ขนาดต่างกันโดยมีจำนวนสายต่างกันและมีหลายวิธีในการปรับแต่ง (ก็เพียงพอที่จะพูดถึงว่าจำนวนสายแตกต่างกันไปตั้งแต่ห้าถึงสิบสอง) - กีตาร์กลุ่มใหญ่ถูกรวมเข้าด้วยกันตามหลักการของการปรับสายในสี่ส่วนโดยมีหนึ่งในสามหลักอยู่ตรงกลาง (เพื่อความสะดวกเราจะเรียกการปรับจูนนี้ว่าที่สี่) เครื่องมือเหล่านี้แพร่หลายในอิตาลี สเปน. ฝรั่งเศส.
ในบริเตนใหญ่ เยอรมนี โปรตุเกส และยุโรปกลาง มีเครื่องดนตรีกลุ่มหนึ่งที่เรียกว่าการปรับเสียงครั้งที่สาม ซึ่งเมื่อปรับสายเสียงร้อง จะได้รับการตั้งค่าเป็นครั้งที่สาม (เช่น เทอร์ซาหลักสองตัวถูกคั่นด้วย ที่สี่)
สิ่งที่เครื่องดนตรีทั้งสองกลุ่มนี้มีเหมือนกันคือเพลงที่เขียนขึ้นสำหรับการจูนครั้งเดียวสามารถทำได้โดยใช้การเรียบเรียงเล็กๆ บนเครื่องดนตรีที่มีการปรับจูนต่างกัน
สิ่งที่น่าสนใจสำหรับเราคือกีตาร์ที่มีสายคู่สี่สายซึ่งมาจากอังกฤษไปยังยุโรปและจากยุโรปไปยังรัสเซีย (เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก) การปรับแต่งกีตาร์ตัวนี้มีสองประเภท: ควอร์ตและสาม หลังแตกต่างจากกีตาร์รัสเซียเจ็ดสายในขนาด (มันเล็กกว่ามาก) แต่ในทางปฏิบัติแล้วคาดว่าจะมีหลักการของการปรับแต่งโดยอิงจากกลุ่มสามหลักที่ขยายออกไป (g, e, c, G, F, C, G) ข้อเท็จจริงนี้ดูเหมือนสำคัญมากสำหรับเรา

การขาดหลักฐานทางประวัติศาสตร์เกี่ยวกับการเปลี่ยนแปลงของตัวกีตาร์ ขนาด และขนาดโดยรวมของสาย ทำให้เราสามารถคาดเดาเกี่ยวกับตัวเลือกสำหรับการพัฒนาเท่านั้น เป็นไปได้มากว่าขนาดของคอกีตาร์นั้นพิจารณาจากความง่ายในการเล่นและความตึงของสายและการปรับจูนนั้นสอดคล้องกับ tessitura ของเสียงร้องเพลง บางทีการปรับปรุงอาจนำไปสู่การขยายของร่างกายการเปลี่ยนสะเก็ดโลหะด้วยหลอดเลือดดำซึ่งส่งผลให้ความเสียงของเสียงลดลงและการ "เลื่อน" ของการปรับจูนโดยรวมลง
ไม่มีข้อมูลที่เชื่อถือได้ที่ยืนยันว่ากีตาร์ตัวนี้ทำหน้าที่เป็นต้นแบบของ "เจ็ดสาย" ของรัสเซีย แต่ความสัมพันธ์ของพวกมันชัดเจน ประวัติความเป็นมาของการแสดงกีตาร์ในรัสเซียนั้นเชื่อมโยงกับการปรากฏตัวในรัชสมัยของแคทเธอรีนมหาราช (ค.ศ. 1780-90) ของนักกีตาร์ชาวต่างชาติที่เล่นกีตาร์ tertz และควอร์ต หนึ่งในนั้นคือ Giuseppe Sarti, Jean-Baptiste Guenglez มีการตีพิมพ์คอลเลกชันชิ้นส่วนสำหรับกีตาร์ 5-6 สายและนิตยสารกีตาร์
Ignaz von Geld (Ignatius von Goeld) ตีพิมพ์คู่มือชื่อ “วิธีง่าย ๆ ในการเรียนรู้การเล่นกีตาร์เจ็ดสายโดยไม่มีครู” เป็นครั้งแรก น่าเสียดายที่ไม่มีสำเนาของการเล่นกีตาร์โรงเรียนรัสเซียแห่งแรกนี้รอดมาได้เพียงฉบับเดียวรวมถึงข้อมูลเกี่ยวกับวิธีการสอนของผู้เขียนเกี่ยวกับ ประเภทของกีตาร์วิธีการกำหนดค่า มีเพียงหลักฐานจากผู้ร่วมสมัยเท่านั้น เกี่ยวกับความจริงที่ว่า Geld เป็นนักแสดงที่ยอดเยี่ยมในกีตาร์อังกฤษ
แต่ผู้ก่อตั้งโรงเรียนกีตาร์รัสเซียที่แท้จริงคือฉันซึ่งตั้งรกรากอยู่ในมอสโกเมื่อปลายศตวรรษที่ 18 นักดนตรีที่มีการศึกษา Andrei Osipovich Sihra นักพิณที่ยอดเยี่ยม เขาเป็นผู้แนะนำดนตรีเชิงปฏิบัติโดยเล่นกีตาร์เจ็ดสายพร้อมการปรับจูน d, h, g, D, H, G, D ซึ่งต่อมากลายเป็นที่รู้จักในชื่อรัสเซีย

เราไม่สามารถรู้ได้ว่า A. Syhra มีความคุ้นเคยเพียงใดกับการทดลองของชาวยุโรปในการสร้างกีตาร์ด้วยจำนวนสายที่แตกต่างกันและวิธีการปรับแต่ง หรือว่าเขาใช้ผลงานของพวกเขาในการ "ปรับปรุง" (แต่ในคำพูดของเขาเอง) กีต้าร์คลาสสิกหกสาย กีตาร์สาย สิ่งนี้ไม่สำคัญนัก
สิ่งสำคัญคืออ.สิหรา ในฐานะแฟนตัวยงของการแสดงกีตาร์ครูที่เก่งกาจและผู้เผยแพร่แนวคิดของเขาเขาทิ้งร่องรอยอันสดใสไว้ในประวัติศาสตร์ของการพัฒนาการแสดงเครื่องดนตรีของรัสเซีย เขาใช้ความสำเร็จที่ดีที่สุดของโรงเรียนกีตาร์คลาสสิกสเปนในการพัฒนาวิธีการสอนการเล่นกีตาร์เจ็ดสาย ซึ่งต่อมาเขาได้สรุปไว้ในหนังสือของเขาที่ตีพิมพ์ในปี 1832 และ 1840 "โรงเรียน." โดยใช้ รูปทรงคลาสสิกและแนวเพลง Sihra ได้สร้างละครเพลงใหม่สำหรับกีตาร์รัสเซียโดยเฉพาะ และฝึกฝนกลุ่มนักเรียนที่เก่งกาจ

ต้องขอบคุณกิจกรรมของ A. O. Sihra และเพื่อนร่วมงานของเขา กีตาร์เจ็ดสายได้รับความนิยมเป็นพิเศษในหมู่ตัวแทนของชนชั้นต่างๆ: ปัญญาชนชาวรัสเซียและตัวแทนของชนชั้นกลางชื่นชอบมัน นักดนตรีมืออาชีพและมือสมัครเล่นในการทำดนตรีทุกวันหันมาหามัน มัน: ผู้ร่วมสมัยเริ่มเชื่อมโยงมันกับแก่นแท้ของดนตรีพื้นบ้านในเมืองรัสเซีย คำอธิบายของเสียงอันน่าหลงใหลของกีตาร์เจ็ดสายสามารถพบได้ในบทเพลงที่จริงใจของพุชกิน เลอร์มอนตอฟ, ทูร์เกเนฟ. Chekhov, Tolstoy และกวีและนักเขียนอีกหลายคน กีตาร์เริ่มถูกมองว่าเป็นส่วนหนึ่งของวัฒนธรรมดนตรีรัสเซียโดยธรรมชาติ
ให้เราระลึกว่ากีตาร์ของ A. Sihra ปรากฏในรัสเซียในสภาพที่แทบไม่เคยเห็นกีตาร์เจ็ดสายที่ไหนเลย ไม่สามารถซื้อได้ในร้านค้าหรือจากช่างฝีมือ ตอนนี้ใคร ๆ ก็ต้องประหลาดใจที่ปรมาจารย์เหล่านี้ (ใน 2-3 ทศวรรษ) ซึ่งเป็นนักไวโอลินที่ใหญ่ที่สุดสามารถสร้างการผลิตกีตาร์รัสเซียได้เร็วแค่ไหน (ใน 2-3 ทศวรรษ) นี่คืออีวาน บาตอฟ อีวาน อาร์ฮูเซน อีวาน คราสนอชเชคอฟ. กีตาร์ของปรมาจารย์ชาวเวียนนา I. Scherzer ถือว่าเป็นหนึ่งในกีต้าร์ที่ดีที่สุด ตามความเห็นของผู้ร่วมสมัย กีตาร์ของ F. Savitsky, E. Eroshkin และ F. Paserbsky มีความโดดเด่นด้วยบุคลิกลักษณะเฉพาะตัว แต่ตอนนี้เราจะไม่พูดถึงเรื่องนี้อีกต่อไป เพราะสิ่งนี้สมควรได้รับการอภิปรายแยกกัน

ลักษณะประจำชาติกีตาร์เจ็ดสายยังได้รับการปรับปรุงให้ดีขึ้นด้วยการเรียบเรียงที่เขียนขึ้นในธีมเพลงพื้นบ้านของรัสเซีย “แน่นอนว่าอิทธิพลของดนตรีพื้นบ้านที่มีต่อศิลปะดนตรีจะเริ่มขึ้น โดยเป็นส่วนหนึ่งของประเพณีของหลายชาติ อย่างไรก็ตาม ในรัสเซีย ดนตรีพื้นบ้านเป็นเรื่องของความหลงใหลในดนตรีของผู้คนอย่างบ้าคลั่งที่สุด ซึ่งอาจเป็นหนึ่งในการเคลื่อนไหวที่น่าทึ่งที่สุดของจิตวิญญาณชาวรัสเซีย”
เพื่อความเป็นธรรมก็ควรสังเกต ผลงานของ A. Sihra เกี่ยวกับธีมรัสเซียเขียนขึ้นในสไตล์ของรูปแบบคลาสสิก และไม่มีกลิ่นอายรัสเซียดั้งเดิมอย่างแท้จริงซึ่งทำให้การเรียบเรียงของนักกีตาร์ชาวรัสเซียคนอื่นๆ แตกต่างออกไป โดยเฉพาะอย่างยิ่งการมีส่วนร่วมอย่างมากในการก่อตั้งโรงเรียนกีตาร์รัสเซียในฐานะปรากฏการณ์ระดับชาติที่มีเอกลักษณ์เกิดขึ้นโดย Mikhail Timofeevich Vysotsky ผู้สร้างผลงานประพันธ์มากมายในธีมของเพลงพื้นบ้านของรัสเซีย M. Vysotsky เติบโตขึ้นมาในหมู่บ้าน Ochakovo (12 กม. จากมอสโก) บนที่ดินของกวี M. Kheraskov อธิการบดีของมหาวิทยาลัยมอสโกในบรรยากาศแห่งความรักและความเคารพต่อประเพณีพื้นบ้านของรัสเซีย เด็กชายสามารถฟังได้อย่างยอดเยี่ยม นักร้องลูกทุ่ง,ร่วมพิธีกรรมพื้นบ้าน เป็นลูกทาส. Misha สามารถรับการศึกษาได้โดยการเข้าร่วมการประชุมของกลุ่มปัญญาชนที่สร้างสรรค์และบ้าน Kheraskov ฟังบทกวีการอภิปรายและการแสดงอย่างกะทันหันของแขกที่มีการศึกษา

หนึ่งในนั้นคือ Semyon Nikolaevich Aksenov ครูหลักของ M. Vysotsky เขาสังเกตเห็นพรสวรรค์ของเด็กชายและเริ่มสอนการเล่นกีตาร์รัสเซีย และแม้ว่ากิจกรรมเหล่านี้จะไม่เป็นระบบ แต่เด็กชายก็มีความก้าวหน้าอย่างมาก ต้องขอบคุณความพยายามของ S. Aksenov ที่ M. Vysotsky ได้รับอิสรภาพในปี พ.ศ. 2356 และย้ายไปมอสโคว์เพื่อศึกษาต่อ ต่อมานักดนตรีและนักแต่งเพลงชื่อดัง A. Dubuk ได้ให้ความช่วยเหลือที่สำคัญแก่ Vysotsky ในการเรียนรู้สาขาวิชาทฤษฎีดนตรี

M. Vysotsky กลายเป็นนักกีตาร์ที่ยอดเยี่ยม - ด้นสดและนักแต่งเพลง ในไม่ช้าชื่อเสียงของนักกีตาร์ฝีมือดีที่ไม่มีใครเทียบก็มาหาเขา ตามความเห็นของผู้ร่วมสมัย การเล่นของ Vysotsky ไม่เพียงสร้างความประหลาดใจด้วยเทคนิคที่ไม่ธรรมดาเท่านั้น แต่ยังรวมถึงแรงบันดาลใจและความสมบูรณ์ของจินตนาการทางดนตรีด้วย ดูเหมือนว่าเขาจะผสานเข้ากับกีตาร์: มันเป็นการแสดงออกถึงอารมณ์จิตวิญญาณและความคิดของเขา
นี่คือวิธีที่นักเรียนและเพื่อนร่วมงานของเขาซึ่งเป็นนักกีตาร์ I. E. Lyakhov ประเมินการเล่นของ Vysotsky: “ การเล่นของเขาเข้าใจยากอธิบายไม่ได้และทิ้งความรู้สึกที่ไม่สามารถถ่ายทอดด้วยโน้ตหรือคำพูดใด ๆ ที่นี่เพลงของสปินเนอร์ฟังอย่างเศร้าโศก อ่อนโยน และเศร้าต่อหน้าปะติดปะต่อ; เฟอร์มาโตตัวเล็ก - และราวกับว่าทุกอย่างพูดเพื่อตอบสนองต่อเธอ: เสียงเบสพูด, ถอนหายใจ, เสียงร้องไห้ของเสียงแหลมตอบพวกเขาและคณะนักร้องประสานเสียงทั้งหมดนี้ปกคลุมไปด้วยคอร์ดที่คืนดีมากมาย แต่แล้วเสียงเช่นความคิดที่เหนื่อยล้าก็กลายเป็นไตรโอดีที่ราบรื่นธีมเกือบจะหายไปราวกับว่านักร้องกำลังคิดเรื่องอื่นอยู่ แต่ไม่ เขากลับมาที่หัวข้ออีกครั้งในความคิดของเขา และฟังดูเคร่งขรึมและแม้กระทั่ง กลายเป็นอาดาจิโอสำหรับการอธิษฐาน คุณได้ยินสุนัขชาวรัสเซีย” ยกระดับไปสู่ความศักดิ์สิทธิ์ (Sudet ทุกอย่างสวยงามและเป็นธรรมชาติเต็มไปด้วยจิตวิญญาณและดนตรีอย่างลึกซึ้งอย่างที่คุณไม่ค่อยพบในเพลงรัสเซียอื่น ๆ ที่นี่คุณจะไม่จำอะไรแบบนั้น: ทุกสิ่งที่นี่ ใหม่และเป็นต้นฉบับ เบื้องหน้าเราคือนักดนตรีชาวรัสเซียที่ได้รับแรงบันดาลใจ เบื้องหน้าคุณคือ Vysotsky"

คุณสมบัติที่โดดเด่นความคิดสร้างสรรค์ของ Vysotsky เริ่มอาศัยชั้นเพลงพื้นบ้านรัสเซียอันทรงพลังและความคิดสร้างสรรค์ด้านเครื่องดนตรีบางส่วน นี่คือสิ่งที่กำหนดการพัฒนาของโรงเรียนกีตาร์รัสเซียและสาขามอสโก บางที M. Vysotsky อาจไม่ค่อยมีส่วนร่วมในการจัดระบบคำแนะนำในการเรียนรู้การเล่นกีตาร์เจ็ดสายแม้ว่าเขาจะให้บทเรียนจำนวนมากก็ตาม แต่ในงานของเขา กีตาร์เจ็ดสายของรัสเซียกลายเป็นเครื่องดนตรีประจำชาติอย่างแท้จริง โดยมีเพลงพิเศษของตัวเอง เทคนิคทางเทคนิคพิเศษ และความแตกต่างของโวหาร สไตล์การแสดง รูปแบบของการพัฒนาในรูปแบบดนตรี (เราหมายถึงความเชื่อมโยงระหว่างเนื้อหาบทกวีของ บทเพลงและกระบวนการพัฒนารูปแบบในการประพันธ์เพลง) ในเรื่องนี้ M. Vysotsky สำหรับเรา น่าจะเป็นบุคคลที่สำคัญที่สุดในการแสดงกีตาร์ของรัสเซีย ผลงานของเขาวางรากฐานสำหรับสไตล์การเล่นดั้งเดิม และยังบ่งบอกถึงหลักการของการได้เสียงที่ไพเราะและเทคนิคที่มาด้วย แต่เราจะพูดถึงเรื่องนี้ในภายหลัง

ดังนั้นการเกิดขึ้นของโรงเรียนกีตาร์ที่โดดเด่นในรัสเซียจึงมีความเกี่ยวข้องกับชื่อของ A. Sihra และ M. Vysotsky รวมถึงนักเรียนที่ดีที่สุดของพวกเขา
โดยสรุปฉันอยากจะบอกว่าการใช้กีตาร์อย่างแพร่หลายในรัสเซียในช่วงเวลาสั้น ๆ ในอดีตนั้นไม่ใช่อุบัติเหตุ แต่เป็นข้อพิสูจน์ที่ดีถึงความถูกต้องของเครื่องมือ มีเหตุผลเพียงพอที่จะภาคภูมิใจในความสำเร็จของโรงเรียนกีตาร์รัสเซีย อย่างไรก็ตาม เราขอบอกได้อย่างน่าเศร้าว่าเราไม่ทราบความจริงทั้งหมดเกี่ยวกับเครื่องดนตรีของเราและมรดกที่สร้างสรรค์ขึ้นมาสำหรับเครื่องดนตรีชิ้นนี้ นี่เป็นสิ่งสำคัญที่ต้องรู้และเข้าใจในปัจจุบัน เมื่อเกือบทุกสิ่งที่รัสเซียภาคภูมิใจในอดีตถูกทำลายลงจนหมดสิ้น และไม่มีสิ่งใดถูกสร้างขึ้นมาแทนที่ บางทีอาจถึงเวลาหันหน้าไปทางมรดกกีตาร์ของรัสเซียแล้ว! ประกอบด้วยผลงาน วิธีการ และผลงานของบุคคลที่มีการศึกษามากที่สุดในยุคนั้น นี่คือชื่อบางส่วน: M. Stakhovich - ขุนนางนักประวัติศาสตร์นักเขียน; A. Golikov - ขุนนางนายทะเบียนวิทยาลัย; V. Sarenko - แพทยศาสตร์บัณฑิต; F. Zimmerman - ขุนนางเจ้าของที่ดิน; I. Makarov - เจ้าของที่ดิน, นักเขียนบรรณานุกรมสำคัญ; V. Morkov - ขุนนาง, สมาชิกสภาแห่งรัฐที่กระตือรือร้น: V. Rusanov - ขุนนาง, ผู้ควบคุมวง, บรรณาธิการดีเด่น

ประวัติความเป็นมาของการกำเนิด การพัฒนา และการปรับปรุงเครื่องดนตรีนี้น่าทึ่งและลึกลับมากจนค่อนข้างคล้ายกับเรื่องราวนักสืบที่น่าตื่นเต้น ข้อมูลแรกเกี่ยวกับกีตาร์มีมาตั้งแต่สมัยโบราณ ในอนุสาวรีย์ของอียิปต์ที่มีอายุนับพันปีมีรูปเครื่องดนตรี - "นาบลา" ซึ่งมีรูปร่างหน้าตาคล้ายกีตาร์ กีตาร์ยังแพร่หลายในเอเชียซึ่งได้รับการยืนยันจากภาพในอนุสรณ์สถานทางสถาปัตยกรรมของอัสซีเรีย บาบิโลน และฟีนิเซีย ในศตวรรษที่ 13 ชาวอาหรับได้นำมันไปยังสเปน ซึ่งในไม่ช้าก็ได้รับการยอมรับอย่างเต็มที่ ในตอนท้ายของศตวรรษที่ 15 ครอบครัวที่ร่ำรวยในสเปนเริ่มแข่งขันกันในการอุปถัมภ์วิทยาศาสตร์และศิลปะ กีตาร์ พร้อมด้วยลูตและเครื่องดนตรีดีดอื่นๆ กลายเป็นเครื่องดนตรีโปรดในสนาม ในชีวิตทางวัฒนธรรมของสเปนตั้งแต่ศตวรรษที่ 16 สมาคม สถาบันการศึกษา แวดวงและการประชุมจำนวนมาก - "ร้านเสริมสวย" ซึ่งจัดขึ้นเป็นประจำมีบทบาทสำคัญ นับตั้งแต่นั้นเป็นต้นมา ความหลงใหลในเครื่องดนตรีที่ดึงออกมาได้แทรกซึมเข้าสู่โลกกว้าง มวลชนสิ่งพิเศษถูกสร้างขึ้นสำหรับพวกเขา วรรณกรรมดนตรี. ชื่อของนักแต่งเพลงที่เป็นตัวแทนเรียงแถวยาว: Milan, Corbetto, Fuenllana, Marin i Garcia, Sanz และอื่นๆ อีกมากมาย

กีตาร์มีรูปลักษณ์ที่ทันสมัยหลังจากมีการพัฒนามาอย่างยาวนาน จนถึงศตวรรษที่ 18 มันมีขนาดเล็กกว่า และลำตัวค่อนข้างแคบและยาว ในตอนแรก เครื่องดนตรีมีสายห้าสายที่ปรับเป็นสายที่สี่เหมือนกับลูต ต่อมากีตาร์ได้กลายมาเป็นกีตาร์แบบหกสาย โดยมีการปรับจูนให้เหมาะกับการเล่นในตำแหน่งเปิดมากขึ้นเพื่อใช้ประโยชน์จากเสียงของสายเปิดได้ดีขึ้น ดังนั้นในช่วงกลางศตวรรษที่ 19 กีตาร์จึงได้รับรูปแบบสุดท้าย มีสายหกสายปรากฏขึ้นในการจูน: E, B, G, D, A, E.

กีตาร์ได้รับความนิยมอย่างมากในยุโรปและถูกนำไปยังประเทศในอเมริกาเหนือและใต้ เราจะอธิบายการใช้กีตาร์อย่างแพร่หลายเช่นนี้ได้อย่างไร? สาเหตุหลักมาจากความสามารถที่ยอดเยี่ยม สามารถเล่นได้เดี่ยวพร้อมเสียงร้อง ไวโอลิน เชลโล ฟลุต สามารถพบได้ในวงออเคสตราและวงดนตรีต่างๆ ขนาดเล็กและความสามารถในการเคลื่อนที่ในอวกาศได้อย่างง่ายดายและที่สำคัญที่สุดคือเสียงที่ไพเราะลึกและในเวลาเดียวกันก็โปร่งใสผิดปกติ - แสดงให้เห็นถึงความรักในเครื่องดนตรีสากลนี้ สู่วงกว้างผู้ชื่นชมจากนักท่องเที่ยวที่โรแมนติกไปจนถึงนักดนตรีมืออาชีพ

ในตอนท้ายของศตวรรษที่ 18 นักแต่งเพลงและอัจฉริยะปรากฏตัวในสเปน

F. Sor และ D. Aguado พร้อมกันในอิตาลี - M. Giuliani แอล. เลเนียนี, เอฟ. คารูลลี่, เอ็ม. คาร์กัสซี และคนอื่นๆ พวกเขาสร้างละครคอนเสิร์ตที่กว้างขวางสำหรับกีตาร์ ตั้งแต่เพลงเล็ก ๆ ไปจนถึงโซนาตาและคอนแชร์โตพร้อมวงออร์เคสตรา เช่นเดียวกับ "โรงเรียนสำหรับการเล่นกีตาร์หกสาย" ที่ยอดเยี่ยม ซึ่งเป็นละครที่ให้ความรู้และสร้างสรรค์อย่างกว้างขวาง แม้ว่าเวลาผ่านไปเกือบสองร้อยปีแล้วนับตั้งแต่การตีพิมพ์วรรณกรรมการสอนนี้ครั้งแรก แต่ก็ยังคงเป็นมรดกอันทรงคุณค่าสำหรับทั้งครูและนักเรียน

นักแต่งเพลง Sor จัดคอนเสิร์ตที่ประสบความสำเร็จอย่างมากในเมืองต่างๆ ของยุโรปตะวันตกและรัสเซีย บัลเล่ต์ของเขา "Cinderella", "Lubochnik as a Painter", "Hercules and Omphale" รวมถึงโอเปร่า "Telemachus" มีการแสดงมากมายบนเวทีของเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก มอสโก และเมืองสำคัญๆ ในยุโรปตะวันตก สไตล์โพลีโฟนิก จินตนาการอันเข้มข้น และความลุ่มลึกของเนื้อหาคือลักษณะเฉพาะของงานของโซระ เขาเป็นนักดนตรี-นักแต่งเพลงที่ได้รับการศึกษา นักกีตาร์ที่เก่งกาจ ผู้ซึ่งทึ่งกับความลึกของการแสดงและความสามารถอันชาญฉลาดของเทคนิคของเขา การเรียบเรียงของเขาได้รับการยอมรับอย่างมั่นคงในละครของนักกีตาร์ Giuliani ชาวอิตาลีเป็นหนึ่งในผู้ก่อตั้งโรงเรียนกีตาร์ของอิตาลี เขาเป็นนักกีตาร์ที่เก่งและเล่นไวโอลินได้อย่างสมบูรณ์แบบ เมื่อซิมโฟนีที่เจ็ดของเบโธเฟนแสดงครั้งแรกในกรุงเวียนนาในปี พ.ศ. 2356 ภายใต้การควบคุมของผู้เขียน จูเลียนีก็มีส่วนร่วมในการแสดงในฐานะนักไวโอลิน Beethoven ยกย่อง Giuliani อย่างสูงในฐานะนักแต่งเพลงและนักดนตรี โซนาตาและคอนแชร์โตพร้อมวงออเคสตราของเขาบรรเลงโดยนักกีตาร์สมัยใหม่ และวรรณกรรมการสอนของเขาถือเป็นมรดกอันทรงคุณค่าสำหรับทั้งครูและนักเรียน

ฉันอยากจะพูดถึง "The School of Playing the Six-String Guitar" ที่โด่งดังที่สุดและตีพิมพ์บ่อยที่สุดในประเทศของเราโดย M. Carcassi ครูสอนกีตาร์และนักกีตาร์ชาวอิตาลีชื่อดัง ในคำนำของ "โรงเรียน" ผู้เขียนกล่าวว่า "... ฉันไม่ได้ตั้งใจจะเขียน งานทางวิทยาศาสตร์. ฉันแค่อยากทำให้การเรียนกีตาร์ง่ายขึ้นโดยการวางแผนที่จะทำให้มีความคุ้นเคยกับคุณสมบัติทั้งหมดของเครื่องดนตรีนี้มากขึ้น" จากคำพูดเหล่านี้เป็นที่ชัดเจนว่า M. Carcassi ไม่ได้กำหนดหน้าที่ของตัวเองในการสร้างคู่มือสากลสำหรับการเรียนรู้การเล่นกีตาร์และแทบจะเป็นไปไม่ได้เลย “โรงเรียน” ให้คำแนะนำอันมีค่ามากมายเกี่ยวกับเทคนิคมือซ้ายและขวา เทคนิคเฉพาะต่างๆ สำหรับการเล่นกีตาร์ และการเล่นในตำแหน่งและคีย์ต่างๆ ตัวอย่างดนตรีและผลงานต่างๆ จะได้รับตามลำดับ เพื่อเพิ่มความยากลำบาก พวกเขาเขียนขึ้นด้วยทักษะที่ยอดเยี่ยมในฐานะนักแต่งเพลงและครู และยังคงเป็นสื่อการเรียนรู้ที่มีคุณค่าอย่างยิ่ง

แม้ว่าด้วย จุดที่ทันสมัยมองว่า “โรงเรียน” แห่งนี้มีข้อบกพร่องร้ายแรงหลายประการ ตัวอย่างเช่น มีการให้ความสนใจเพียงเล็กน้อยกับเทคนิคที่สำคัญในการเล่นมือขวาเช่น apoyando (การเล่นโดยมีการสนับสนุน); ภาษาดนตรีซึ่งมีพื้นฐานมาจากดนตรีของประเพณียุโรปตะวันตกในศตวรรษที่ 18 ค่อนข้างน่าเบื่อ ปัญหาของการพัฒนาการใช้นิ้วการคิดแบบไพเราะและฮาร์โมนิกไม่ได้ถูกแตะต้องในทางปฏิบัติเรากำลังพูดถึงเฉพาะตำแหน่งที่ถูกต้องของนิ้วมือซ้ายและขวาซึ่งทำให้สามารถแก้ไขปัญหาทางเทคนิคหลายประการในการแสดงปรับปรุงเสียง การใช้ถ้อยคำ ฯลฯ

ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 ชื่อใหม่อันสดใสของนักแต่งเพลงชาวสเปน นักร้องเดี่ยวอัจฉริยะ และอาจารย์ Francisco Tárrega ปรากฏในประวัติศาสตร์ของกีตาร์ เขาสร้างสไตล์การเขียนของตัวเอง ในมือของเขา กีตาร์กลายเป็นวงออเคสตราเล็กๆ

การแสดงของนักดนตรีที่ยอดเยี่ยมคนนี้มีอิทธิพลต่อผลงานของเพื่อนของเขา - นักแต่งเพลง: Albeniz, Granados, de Falla และคนอื่น ๆ ในพวกเขา งานเปียโนมักจะได้ยินเสียงเลียนแบบกีตาร์ สุขภาพที่ย่ำแย่ทำให้ทาร์เรกาไม่สามารถแสดงคอนเสิร์ตได้ ดังนั้นเขาจึงอุทิศตนเพื่อ กิจกรรมการสอน. เราสามารถพูดได้อย่างปลอดภัยว่า Tarrega สร้างโรงเรียนสอนเล่นกีตาร์ของเขาเอง นักเรียนที่ดีที่สุดของเขา ได้แก่ Miguel Llobet, Emelio Pujol, Dominico Prat, Daniel Fortea, Illarion Lelupe และนักแสดงคอนเสิร์ตชื่อดังคนอื่นๆ จนถึงปัจจุบัน “โรงเรียน” ของ E. Pujol, D. Fortea, D. Prat, I. Lelupa, I. Arens และ P. Rocha ซึ่งใช้วิธีการสอนแบบ Tárrega ได้รับการเผยแพร่แล้ว ลองมาดูวิธีนี้โดยละเอียดยิ่งขึ้นโดยใช้ตัวอย่างของ "School of Playing the Six-String Guitar" โดยนักกีตาร์ ครู และนักดนตรีชาวสเปนชื่อดัง E. Pujol คุณลักษณะที่โดดเด่นของ "โรงเรียน" คือการนำเสนอ "ความลับ" หลัก ๆ ทั้งหมดในการนำเสนออย่างละเอียดและมีน้ำใจ กีตาร์คลาสสิค. ประเด็นที่สำคัญที่สุดของเทคนิคกีตาร์ได้รับการพัฒนาอย่างระมัดระวัง: ตำแหน่งมือ เครื่องดนตรี วิธีสร้างเสียง เทคนิคการเล่น ฯลฯ ลำดับการจัดเรียงวัสดุมีส่วนช่วยในการเตรียมทางเทคนิคและศิลปะของนักกีตาร์อย่างเป็นระบบ "โรงเรียน" ถูกสร้างขึ้นจากต้นฉบับทั้งหมด วัสดุดนตรี: ผู้เขียนและแบบฝึกหัดเกือบทั้งหมดแต่งขึ้น (โดยคำนึงถึงวิธีการของ F. Tarrega) สำหรับส่วนที่เกี่ยวข้องโดยเฉพาะ

สิ่งที่มีคุณค่าอย่างยิ่งคือสิ่งพิมพ์เพื่อการศึกษานี้ไม่เพียงแต่ระบุรายละเอียดถึงความยากในการเล่นกีตาร์เท่านั้น แต่ยังอธิบายรายละเอียดวิธีเอาชนะปัญหาเหล่านั้นด้วย โดยเฉพาะอย่างยิ่งให้ความสนใจเป็นอย่างมากกับปัญหาการใช้นิ้วที่ถูกต้องเมื่อเล่นด้วยมือขวาและซ้ายและยังได้กล่าวถึงเทคนิคการเล่นในตำแหน่งต่างๆ การเคลื่อนไหวต่างๆ การเลื่อนของมือซ้ายอย่างละเอียดอีกด้วย มีส่วนช่วยในการพัฒนาการคิดแบบใช้นิ้วอย่างแน่นอน ประสิทธิผลของ "โรงเรียน" ของ Pujol ได้รับการยืนยันโดยเฉพาะจากการใช้งานในสถาบันการศึกษาหลายแห่งในประเทศของเรา ยุโรป และอเมริกา

สิ่งสำคัญอย่างยิ่งต่อการพัฒนาศิลปะกีตาร์ของโลกคือ กิจกรรมสร้างสรรค์นักกีตาร์ชาวสเปนที่ยิ่งใหญ่ที่สุดแห่งศตวรรษที่ 20 อันเดรส เซโกเวีย. บทบาทของเขาที่โดดเด่นเป็นพิเศษในประวัติศาสตร์ของการพัฒนาเครื่องดนตรีไม่เพียง แต่ความสามารถด้านการแสดงและการสอนเท่านั้น แต่ยังรวมถึงความสามารถของเขาในฐานะผู้จัดงานและนักโฆษณาชวนเชื่อด้วย นักวิจัย M. Weisbord เขียนว่า: "...ในการสร้างกีตาร์ให้เป็นเครื่องดนตรีในคอนเสิร์ต กีตาร์ยังขาดสิ่งใด เช่น เปียโนหรือไวโอลินที่มีอยู่ ซึ่งก็คือผลงานทางศิลปะชั้นสูง คุณค่าทางประวัติศาสตร์ของ Andres Segovia ประการแรกคือการสร้างสรรค์ละครดังกล่าว…” และเพิ่มเติม: “M. Ponce (เม็กซิโก), M.K. เริ่มเขียนให้เซโกเวีย Tedesco (อิตาลี), J. Ibert, A. Roussel (ฝรั่งเศส), C. Pedrel (อาร์เจนตินา), A. Tansman (โปแลนด์) และ D. Duart (อังกฤษ), R. Smith (สวีเดน) ... " จากรายชื่อนักแต่งเพลงที่มีขนาดเล็กและห่างไกลจากรายชื่อผู้แต่งทั้งหมดนี้เป็นที่ชัดเจนว่าต้องขอบคุณ A. Segovia ที่ภูมิศาสตร์ของการประพันธ์เพลงระดับมืออาชีพสำหรับกีตาร์คลาสสิกขยายตัวอย่างรวดเร็วและเมื่อเวลาผ่านไปเครื่องดนตรีนี้ดึงดูดความสนใจของหลาย ๆ คน ศิลปินที่โดดเด่น- อี. วิลล่า โลบอส, บี. บริทเทน. ในทางกลับกันกลุ่มนักแต่งเพลงที่มีความสามารถทั้งหมดซึ่งเป็นนักแสดงมืออาชีพก็ปรากฏตัวขึ้นเช่น A. Barrios, L. Brouwer, R. Diens, N. Koshkin เป็นต้น

ต้นกำเนิดของกีตาร์สูญหายไปในความมืดมิดมานานหลายศตวรรษ นักวิทยาศาสตร์ไม่รู้ว่ามันมาจากไหนและเมื่อใด พัฒนาการทางประวัติศาสตร์ของกีตาร์สามารถแบ่งได้เป็น 5 ยุค ซึ่งผมจะเรียกว่าการก่อตัว ความซบเซา การฟื้นฟู การเสื่อมถอย และความเจริญรุ่งเรือง

ในช่วงที่มีการก่อตัวในวัฒนธรรมยุโรปในช่วงศตวรรษที่ 11 - 13 กีตาร์ได้เข้ามาแทนที่เครื่องสายหลายชนิด และเป็นที่ชื่นชอบในสเปนเป็นพิเศษ จากนั้น ยุคแห่งความซบเซาของกีตาร์ก็เริ่มต้นขึ้น ซึ่งเริ่มขึ้นหลังจากที่ลูตอารบิกถูกนำไปยังยุโรป เป็นเวลาสี่ศตวรรษแล้วที่นักดนตรีชาวยุโรปส่วนใหญ่หลงใหลในการเล่นพิณ (ซึ่งมีการสร้างละครเพลงมากมาย) ลืมเรื่องกีตาร์ไป อย่างไรก็ตาม ผู้สนับสนุนกีตาร์อย่างแท้จริงเรียนรู้ที่จะเล่นเพลงลูท ใช้ประโยชน์จากเทคนิคการเล่นเครื่องดนตรีชนิดนี้ในด้านหนึ่ง และอีกด้านหนึ่งข้อดีของกีตาร์เอง ซึ่งประกอบด้วยความง่ายในการ ประสิทธิภาพเนื่องจากคอที่บางและยาวขึ้นและมีสายน้อยลง เป็นผลให้กระบวนการฟื้นฟูกีตาร์เริ่มต้นขึ้นในช่วงกลางศตวรรษที่ 18 ในศตวรรษที่ 19 นักดนตรีหลายคนหลงรักเครื่องดนตรีนี้และสามารถเข้าใจจิตวิญญาณของมันได้ ดนตรีสำหรับกีตาร์เขียนโดย F. Schubert, K. Weber, G. Berlioz และคนอื่นๆ ผลงานกีตาร์จำนวนมากและการมีส่วนร่วมถูกสร้างขึ้นโดย Niccolo Paganini (พ.ศ. 2325-2383) (ผลงานที่เขาเขียนยังคงแสดงอยู่บนเวทีคอนเสิร์ต โซนาติน่าหกอันสำหรับไวโอลินพร้อมกีตาร์ประกอบ) นักแสดงและนักแต่งเพลงปรากฏตัวที่อุทิศชีวิตให้กับกีตาร์เช่น F. Carulli (1770-1841), M. Giuliani (1781-1829), M. Carcassi (1792-1853) ในอิตาลี ในสเปน - F. Sor (1788-1839) และ F. Tarrega (1852-1909) ซึ่งถูกเรียกว่าศิลปะกีตาร์คลาสสิกอย่างถูกต้อง ต่อจากนั้นประเพณีดังกล่าวยังคงดำเนินต่อไปโดย M. Llobet (1875-1938), E. Pujol (1886-1980) และโดยเฉพาะอย่างยิ่งโดยนักกีตาร์ชาวสเปนผู้ยิ่งใหญ่แห่งศตวรรษที่ 20 Andres Segovia (1893-1987) ซึ่งนำกีตาร์มาจากร้านเสริมสวย สู่เวทีที่ใหญ่ที่สุดในโลก

ในรัสเซีย น่าประหลาดใจที่ศิลปะกีตาร์เริ่มเสื่อมถอยตั้งแต่กลางศตวรรษที่ 19 ชั้นเรียนกีตาร์ในโรงเรียนดนตรีซึ่งในเวลานั้นกำลังแพร่หลายเนื่องจากกิจกรรมของ Russian Musical Society ถูกปิด การฝึกเล่นกีตาร์มุ่งความสนใจไปที่ครูเอกชน และเสียงที่สัมผัสได้ของกีตาร์มักจะได้ยินจากร้านเหล้า หรือที่ดีที่สุดคือจากร้านเสริมสวยและศาลาในสวน เฉพาะช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 19 และ 20 ในรัสเซียเท่านั้นที่มีการฟื้นฟูทัศนคติที่จริงจังต่อกีตาร์เริ่มต้นขึ้นและจากนั้นการแสดงกีตาร์ก็ค่อยๆ บานสะพรั่ง สาเหตุหลักมาจากการทัวร์ของ Andres Segovia ในรัสเซีย ซึ่งทำให้ผู้ฟังของเราเชื่อว่ากีตาร์ในฐานะเครื่องดนตรีในคอนเสิร์ตนั้นทัดเทียมกับไวโอลิน เชลโล และเปียโน ผู้ร่วมงานชาวรัสเซียของ Pyotr Agafoshin ปรมาจารย์ชาวสเปนและนักเรียนของเขา Alexander Ivanov-Kramskoy มีส่วนอย่างมากในการละทิ้งกีตาร์จากชีวิตชนชั้นกลางไปสู่ขอบเขตของศิลปะดนตรีและวิชาการ นี่คือวิธีที่มันเริ่มต้นในรัสเซีย ยุคใหม่- ช่วงเวลาแห่งการพัฒนาและพัฒนาการแสดงกีตาร์เชิงวิชาการ (เดี่ยวและวงดนตรี) อย่างเข้มข้น ความสำเร็จของดนตรีกีตาร์รัสเซียแสดงให้เห็นอย่างน่าเชื่อโดยผลงานของนักกีตาร์คอนเสิร์ต - นักศึกษาจากมหาวิทยาลัยดนตรีรัสเซีย

นอกเหนือจากความสำเร็จอย่างไม่ต้องสงสัยของโรงเรียนสอนกีตาร์รัสเซียยุคใหม่ในด้านนี้แล้ว เราได้สะสมปัญหาที่ไม่ได้รับการแก้ไขมากมายทั้งทางดนตรีและศิลปะตลอดจนจิตวิทยา การสอน เทคโนโลยีและแม้แต่สังคมวัฒนธรรม บางทีสิ่งที่น่ากังวลที่สุดคือการขาดแคลนครูที่มีคุณสมบัติสูง เล่นอย่างมืออาชีพ และยิ่งกว่านั้นคือครูที่มีความคิดสร้างสรรค์ ใช่แล้ว มรดกของนักกีตาร์ในประเทศคือโรงเรียนสอนการแสดงจำนวนหนึ่งที่สร้างขึ้นโดยที่ปรึกษาที่ยอดเยี่ยม นักการศึกษาเยาวชนที่จริงจัง และนักดนตรีผู้ยิ่งใหญ่ ชื่อของพวกเขาเป็นที่รู้จักกันดี เหล่านี้คือ M. Karkassi, A. Ivanov-Kramskoy, E. Larichev, V. Yashnev, B. Volman, P. Veshitsky, P. Agafoshin, V. Kiryanov และคนอื่น ๆ งานสร้างสรรค์และโรงเรียนของ E. Pujol ผู้ซึ่งศึกษากับ F. Tarrega ผู้ยิ่งใหญ่สมควรได้รับการศึกษาอย่างจริงจัง อีกตัวอย่างหนึ่งคือผลงานของ A.I. Matyaev นักกีตาร์ Samara ซึ่งเป็นครูและนักระเบียบวิธีที่เชื่อถือได้ซึ่งนักเรียนแสวงหาและพัฒนาเส้นทางของตนเองในการแสดงกีตาร์และวิธีการสอน ความจริงแล้วมันควรจะเป็นอย่างไร ดังนั้น ทำให้เกิดปัญหาความแตกต่างระหว่างความนิยมที่เพิ่มขึ้นของกีตาร์ ความต้องการในการสอน และจำนวนครูที่มีคุณสมบัติ ผมเน้นย้ำถึงความจำเป็นในการจัดการแลกเปลี่ยนความคิดเห็นระหว่างครูสอนกีตาร์ พูดในวงกว้างมากขึ้น เพื่อสร้างความจริงจัง งานระเบียบวิธีในระดับภูมิภาคและทั่วรัสเซีย มิฉะนั้นสถานะของวรรณกรรมด้านระเบียบวิธีของเราที่มีอยู่ในปัจจุบันอาจหยั่งรากลึกมาเป็นเวลานาน

น่าเสียดายที่ตลาดกีตาร์ในประเทศปัจจุบันเต็มไปด้วย "โรงเรียนกีตาร์" (หรือ "ครูสอนตนเอง") คุณภาพต่ำซึ่งไม่สามารถพัฒนารากฐานของความเป็นมืออาชีพหรือทัศนคติที่จริงจังต่อกีตาร์โดยทั่วไปได้ ผู้เขียนคู่มือดังกล่าวส่วนใหญ่มักพยายามสร้างตัวเองใน "โลก" กีตาร์แคบ ๆ ของพวกเขาซึ่งพวกเขาควรจะ "เชี่ยวชาญ" กีตาร์ด้วยตัวเอง โดยปกติแล้วข้อความหรือเนื้อหาดนตรีจะถูกเขียนใหม่บางครั้งนิ้วก็เปลี่ยนไปที่นี่และที่นั่นมีการประดิษฐ์แบบฝึกหัดใหม่หนึ่งหรือสองแบบ - และ "โรงเรียน" สำหรับผู้ที่เรียนรู้ด้วยตนเองก็พร้อมแล้ว แน่นอนว่าไม่มีอะไรที่คล้ายคลึงกันในการเรียนรู้การเล่นไวโอลิน เปียโน หรือเครื่องดนตรีประเภทลมใดๆ และไม่สามารถเป็นได้ แต่กีตาร์เป็นเครื่องดนตรีพิเศษ: เรียบง่ายและซับซ้อน ถ้าจะเล่นในบ้านก็ดูจะง่ายที่สุด ถ้าเล่นแบบมืออาชีพจริงๆคงยากมาก แต่ควรมีวัฒนธรรมกีตาร์หนึ่งเดียว และจากการเล่นกีตาร์เชิงวิชาการอย่างแม่นยำนั้น เราต้องเริ่มต้นในทุกรูปแบบ - ทั้งมืออาชีพและมือสมัครเล่น ถ้าเราต้องการให้เครื่องดนตรียอดนิยมนี้กลายเป็นส่วนหนึ่งของวัฒนธรรมดนตรีของเรา ซึ่งอย่างที่เรารู้นั้นมีสูงมากใน ระดับศิลปะ

แน่นอนว่าเราต้องคำนึงว่าศิลปะกีตาร์และกีตาร์มีอยู่จริงในสองมิติ - พื้นบ้านและมืออาชีพ เนื่องจากเป็นเครื่องดนตรีพื้นบ้าน กีตาร์จึงแทบไม่มีการเปลี่ยนแปลงใดๆ เลย บทละคร เพลง และบทเพลงโรแมนติกที่แสดงร่วมกับการเล่นควบคู่จะยังคงอยู่ และเทคนิคในการเล่นยังคงไม่เปลี่ยนแปลง แต่ในฐานะเครื่องดนตรีมืออาชีพ กีตาร์มีความก้าวหน้าอยู่ตลอดเวลา เพลงกำลังมีความซับซ้อนมากขึ้นทั้งทางดนตรีและทางเทคนิค เทรนด์ใหม่ในเทคโนโลยีการแสดงกีตาร์กำลังเกิดขึ้น วิธีการผลิตเสียงที่ก้าวหน้ายิ่งขึ้น วิธีการใช้สีสัน โรงเรียน และเทคนิคต่างๆ กำลังปรากฏขึ้น . อย่างไรก็ตาม บางครั้งความเข้าใจผิดก็เกิดขึ้นที่นี่เช่นกัน

ปรากฏว่ามีการคิดค้นกีตาร์ตัวใหม่ที่เรียกว่า "แกรน" ฉันจำการพบปะกับนักกีตาร์ตัวเก่งที่มาที่ Togliatti Institute of Arts เพื่อตรวจสอบได้ พวกเขามีสิทธิบัตรสำหรับ "การประดิษฐ์" กีตาร์ตัวใหม่และคาดว่าจะมีการศึกษาระดับสูงด้านกีตาร์ (สถาบันกีตาร์เอกชนที่ยิ่งใหญ่!) แต่ในความเป็นจริงกลับกลายเป็นว่าเครื่องดนตรีนี้ไม่ใช่สิ่งประดิษฐ์ในยุคปัจจุบัน ในประเทศนอร์เวย์ มีไวโอลินประเภทหนึ่งที่นอกเหนือจากสายหลักสี่สายแล้ว ยังมีสายเรโซแนนซ์จำนวนเท่ากัน ซึ่งอยู่ด้านล่างและทำให้เสียงของเครื่องดนตรีมีสีสันพิเศษ ซึ่งทำให้เสียงร้องดีขึ้น ไวโอลินนี้ได้รับการปรับแต่งด้วยวิธีต่างๆ กัน และใช้เป็นเครื่องดนตรีเสริมในวงออเคสตราเท่านั้น ดังที่ทราบ หลักการอะคูสติกแบบเดียวกันนี้เป็นรากฐานของการออกแบบการละเมิดต่างๆ กีตาร์แกรนด์มีสาย 12 สายสัมพันธ์กับเส้นขอบฟ้าของซาวด์บอร์ด โดยสายล่าง 6 สาย (โลหะ) และสายบน 6 สาย (ไนลอน) นักกีตาร์รุ่นใหญ่พยายามเล่นให้ครบทั้ง 12 สาย! โดยเฉพาะอย่างยิ่งพวกเขาใช้สายเหล่านี้อย่างจริงจังในการเล่นซึ่งสำหรับนักไวโอลินชาวนอร์เวย์นั้นเป็นเพียงเสียงก้องเท่านั้น เป็นผลให้เมื่อเล่นเครื่องดนตรีดังกล่าวมีความเท็จอันเหลือเชื่อเกิดขึ้น - และเหนือสิ่งอื่นใดคือการผสมผสานคอร์ดที่สกปรก (สุ่ม) เป็นที่ชัดเจนว่าสายจำนวนมากดังกล่าวจะสร้างความยากลำบากมหาศาลในเกมที่มีลักษณะทางเทคนิคล้วนๆ ซึ่งอาจมีเพียงหุ่นยนต์เท่านั้นที่สามารถรับมือได้อย่างเต็มที่ และไม่ใช่บุคคลที่ไม่มีปฏิกิริยาตอบสนองที่ไร้ที่ติและมีความยืดหยุ่นเป็นพิเศษ ระบบประสาท.

อย่างไรก็ตาม ถ้าพูดกันตามตรงต้องบอกว่าเสียงของกีตาร์แกรนนั้นค่อนข้างทุ้มลึกและไพเราะเพราะเป็นผลมาจากเสียงของสายไนลอนและโลหะพร้อมกัน ดังนั้นจึงเป็นไปได้ที่การค้นหาเพิ่มเติมจะช่วยให้ผู้ที่เล่นเครื่องดนตรีนี้สามารถเอาชนะปัญหาทั่วไปในการระบุคุณสมบัติที่เป็นประโยชน์ได้ แต่สำหรับตอนนี้ คำกล่าวขอโทษที่เสแสร้งว่ายุคของแกรนด์กีตาร์มาถึงแล้ว และกีตาร์ประเภทอื่นๆ ทั้งหมดได้กลายเป็นอดีตไปแล้วในความคิดของฉัน ถือว่าผิดพลาดอย่างร้ายแรง

เห็นได้ชัดว่าครูสอนกีตาร์ทุกคนต้องถามตัวเองถึงคุณค่าหลักของการเรียนรู้การเล่นกีตาร์ ไม่น่าเป็นไปได้ที่พวกเขาจะสามารถชื่นชมวิธีการแบบใหม่ นวัตกรรมที่โฆษณาอย่างฟุ่มเฟือย การเรียบเรียงอย่างเร่งรีบ และละคร "การขาย" ในการแสดงกีตาร์ เช่นเดียวกับศิลปะการแสดงดนตรีประเภทอื่นๆ อันดับแรกเราต้องมุ่งมั่นเพื่อวัฒนธรรมแห่งการแสดง เพื่อระบุเนื้อหาทางศิลปะของสิ่งที่กำลังแสดง เพื่อเสียงคุณภาพสูง และแน่นอน สำหรับ ฟรีเทคนิคที่พัฒนาขึ้น กล่าวอีกนัยหนึ่งคือทุกสิ่งทุกอย่างที่สร้างความประทับใจทางดนตรีและศิลปะที่มีเสน่ห์และดึงดูดใจผู้ฟัง ในเวลาเดียวกัน ครูที่ปฏิบัติตามประเพณีคลาสสิกที่ได้รับการพิสูจน์ในทางปฏิบัติในงานศิลปะของเขาไม่ควรเพิกเฉยต่อการค้นหาและนวัตกรรม (หากแน่นอนว่ามาจากนักดนตรีที่มีคุณสมบัติและมีความสามารถ) เป็นสิ่งสำคัญในทุกกรณีที่จะต้องสงวนสิทธิ์ในการวิเคราะห์ สรุป และสังเคราะห์แง่มุมที่ดีที่สุด ก้าวหน้าที่สุด และมีประโยชน์มากที่สุด มีความจำเป็นต้องเรียนรู้ที่จะเห็นและใช้สิ่งที่จำเป็นที่สุดโดยพยายามคาดการณ์ว่าสิ่งใหม่ ๆ ใดจะมีประโยชน์จริง ๆ ในสถานการณ์ทางการศึกษาโดยเฉพาะ - พูดมีประโยชน์ในการพัฒนานักเรียนในอนาคต (ในหนึ่งหรือสองปี) . ท้ายที่สุดแล้ว ความสำเร็จในท้ายที่สุดขึ้นอยู่กับความเหมาะสมของการประยุกต์ใช้เทคนิค จังหวะ วิธีการ วิธีการ ฯลฯ ของแต่ละบุคคล ในสถานการณ์นี้อย่างแน่นอน เช่น การโต้แย้งอย่างเป็นนามธรรมว่าควรใช้เทคนิคในการเล่นกีตาร์หรือไม่ อะโปยานโดหรือไม่ใช้...ก็ไม่น่าพูดถึงเลย สิ่งสำคัญคือต้องวิเคราะห์และทำความเข้าใจว่าที่ไหน เมื่อใด ทำไม และขอบเขตใดที่แนะนำให้ใช้เทคนิคการแสดงที่ยอดเยี่ยมนี้

ลองอีกตัวอย่างหนึ่ง - ตำแหน่งของนักกีตาร์ มีหลายวิธีในการสร้างมัน ตัวกีตาร์ยังพิงเก้าอี้หรือโต๊ะเพื่อให้เสียงสะท้อนดีขึ้น จนถึงทุกวันนี้ มีการวางม้านั่งที่แตกต่างกันไว้ใต้เท้าที่ต่างกัน นักกีตาร์คนหนึ่งวางเท้าซ้ายไว้ทางขวาและอีกคนก็กลับกัน กิน ความคิดเห็นที่แตกต่างกันเกี่ยวกับตำแหน่งของศอกขวา เกี่ยวกับรูปแบบการเล่นของมือขวา เกี่ยวกับมุมของตำแหน่งคอที่สัมพันธ์กับร่างกายของนักแสดง มีความคิดเห็นมากมาย แต่เกณฑ์ทั่วไปในการกำหนดตำแหน่งการเล่นที่ถูกต้องที่สุดและแม้กระทั่งคำนึงถึงลักษณะเฉพาะของโครงสร้างของมือและโครงสร้างทางกายภาพทั้งหมดของนักเรียนจะต้องมีความแตกต่าง ในความคิดของฉัน สิ่งที่สวยงามนั้นเป็นความจริงแต่สำหรับนักกีตาร์ทุกคน สุนทรียภาพทางสุนทรีย์ไม่สามารถเกิดขึ้นได้จากภายนอกหรือการมองเห็นเท่านั้น แต่ต้องมาจากภายใน ซึ่งโดยพื้นฐานแล้วคือการสำแดงวัฒนธรรมดนตรีภายใน เฉพาะวัฒนธรรมดังกล่าวเท่านั้นที่นักกีตาร์จะสามารถ "ออกเสียง" และโทนเสียงดนตรีได้อย่างอิสระโดยอาศัยเสียงดนตรีที่มีชีวิต ซึ่งจะกลายเป็นความงามภายนอก กล่าวคือ หูที่ฉลาดของใครบางคนจะรับรู้ได้ ดังนั้น ขอบเขตการพิจารณาที่แสดงไว้ ณ ที่นี้จึงปิดลง: เพื่อให้ดนตรีมีผลทางสุนทรีย์ต่อผู้ฟัง ผู้แสดงจะต้องเป็นบุคคลที่มีวัฒนธรรมสูงและมีรสนิยมทางศิลปะที่ไร้ที่ติ

ตอนนี้เรามาดูปัญหาอื่นที่ดูเหมือนว่าเกี่ยวข้องกัน บ่อยครั้งที่ผู้ปกครองอ้างถึงความโน้มเอียงของเด็กเองจึงพาเด็กอายุเกือบหกขวบมาเรียนกีตาร์ ในกรณีเช่นนี้ จำเป็นต้องโน้มน้าวพวกเขาถึงความเหมาะสมของการแนะนำเด็กเบื้องต้นอย่างครอบคลุมและครอบคลุมก่อนหน้านี้ ประเภทต่างๆศิลปะ (การเต้นรำ ร้องเพลง เล่นเครื่องดนตรีที่เรียกว่า “เบื้องต้น” ที่มีทำนองค่อนข้างไพเราะแต่ค่อนข้างง่ายในด้านเทคนิคการผลิตเสียง เป็นต้น) จำเป็นต้องโน้มน้าวผู้ปกครองว่าการพัฒนาความรู้สึกของจังหวะและการประสานงานของการเคลื่อนไหวเป็นสิ่งสำคัญกว่ามากเพื่อปรับการได้ยินให้เข้ากับการรับรู้ของน้ำเสียงดนตรีเพื่อให้บรรลุความเข้าใจในดนตรีที่เป็นไปได้ในวัยนี้มากกว่าที่จะมุ่งมั่น เพื่อการเรียนรู้ทักษะการเล่นกีตาร์ตั้งแต่เนิ่นๆ

อีกหัวข้อหนึ่งในความคิดของเราคือสิ่งที่เรียกว่า "การสอบเข้า" สำหรับชั้นเรียนกีตาร์ ซึ่งอย่างที่ทราบกันดีอยู่แล้วว่าทดสอบหูของผู้สมัครรุ่นเยาว์ในด้านดนตรี จังหวะ และความจำ ฉันขอเตือนเกี่ยวกับความไร้ประโยชน์ของการทดสอบดังกล่าวเพื่อกำหนดโอกาสในการเล่นเครื่องดนตรีให้ประสบความสำเร็จ โดยเฉพาะกีตาร์ หลังจากเรียนไปหลายเดือนเท่านั้น ครูจึงมีสิทธิ์ประเมินความสามารถของนักเรียนและโอกาสในการเรียนรู้ ซึ่งมักถูกเปิดเผยในกระบวนการสื่อสารสดอย่างสร้างสรรค์ด้วยดนตรี ครู และนักเรียนคนอื่น ๆ บางครั้งสาม, สี่, ห้าปีผ่านไปและปรากฎว่านักเรียนที่ได้รับการยอมรับในตอนแรกว่า "หูหนวกผิดปกติ" ได้รับรางวัลและตำแหน่งผู้ได้รับรางวัลจากการแข่งขัน All-Russian ฟังคำพูดที่ประจบประแจงที่ส่งถึงเขาโดยเผด็จการ นักดนตรี

แน่นอนว่าไม่เพียงแต่สำหรับชั้นเรียนกีตาร์เท่านั้น แต่ยังรวมถึงคำถามที่ว่าตั้งแต่เริ่มต้นการฝึกมาอย่างไร โรงเรียนดนตรีเพื่อให้บรรลุการฝึกอบรมนักเรียนเกี่ยวกับเครื่องดนตรีตามแผนและเป็นระบบ? ที่นี่เราไม่สามารถทำอะไรได้หากปราศจากงานด้านการศึกษาที่จริงจังที่สุดซึ่งจำเป็นสำหรับนักเรียนที่จะเข้าใจถึงความไร้ประโยชน์ของความตั้งใจที่จะเชี่ยวชาญการเล่นเครื่องดนตรี โดยทำได้โดยการเข้าเรียนในโรงเรียนเท่านั้นและไม่เรียนที่บ้าน แน่นอนว่านี่เป็นหัวข้อแยกต่างหากที่สมควรได้รับการพัฒนาเป็นพิเศษในด้านจิตวิทยาและการสอน ฉันจะเน้นมัน ความหมายพิเศษเพื่อความสำเร็จในการเรียนดนตรี

มีปัญหาเกี่ยวกับกีตาร์อีกมากมายที่ต้องได้รับการอภิปรายอย่างจริงจังจากนักกีตาร์ที่ได้รับความเคารพและนักดนตรีที่มีวัฒนธรรมสูง บางทีสิ่งที่สำคัญที่สุดอาจเป็นปัญหาเรื่องเสียง (แน่นอนว่าเกี่ยวข้องกับเครื่องดนตรีทุกชนิด แต่สำหรับนักไวโอลิน นักเล่นเชลโล และนักเปียโน ก็มีการพัฒนาค่อนข้างมาก) กีตาร์เป็นเครื่องดนตรีที่ไม่ทำลายความเงียบแต่เป็นผู้สร้างมันขึ้นมา แต่ไม่เพียงแต่บทกวีนี้เท่านั้นที่เป็นความลับของความนิยมมหาศาลของกีตาร์: ในมือที่มีทักษะมันฟังดูเหมือนวงออเคสตรา เมื่อถือ "วงออเคสตรา" นี้ไว้ในมือ คุณสามารถออกไป แล่นเรือออกไป ขึ้นไปบนภูเขา หรือออกไปบนเวที และหลังจากปรับจูนหนึ่งนาที ก็ควบคุมเสียงและนิ้วได้อย่างอิสระ ("มีดสั้นว่องไวทั้งห้าเหล่านี้ ดังที่ Garcia Lorca กล่าว) - เพื่อให้จิตวิญญาณของเราตื่นเต้นไปกับพวกเขาหรือลืมตัวเอง

เอสตูลิน กริกอรี เอดูอาร์โดวิช
01.08.2006


อาหาร